Шедевр финского национального романтизма, загородная вилла (усадьба) Виттреск является знаковым произведением финского искусства начала XX века, одной из вершин «северного модерна» в финской архитектуре. В первой части заметки мы познакомились с историей этого интереснейшего комплекса — дома-студии Сааринена, Гезеллиуса и Линдгрена — и совершили прогулку по территории усадьбы, оценив гармоничную связь построек и окружающей природы.

Приглашаем вас теперь заглянуть внутрь этого самобытного дома, служившего одновременно жилищем и архитектурной мастерской, и полюбоваться замечательными интерьерами. В здании сохранилась значительная часть подлинного декора и обстановки, в том числе мебель по дизайну Сааринена, уникальные изразцовые печи и ковры, образцы художественного металла. Невероятно светлые и уютные комнаты, сказочные виды на озеро, любовно оформленные и до деталей продуманные интерьеры — такая атмосфера не просто радует глаз, но, думается, еще и исключительно благотворно влияет на психику.

Практическая информация о посещении музея-усадьбы Виттреск (как добраться, часы работы, цена билетов и проч.) приводится в конце заметки.

Интерьеры виллы Виттреск: дом Сааринена

Музей открыт в бережно отреставрированном южном крыле главного усадебного строения — в комнатах, где проживала семья Элиэля Сааринена (см. план усадьбы). Здесь сохранился превосходный ансамбль интерьеров в стиле финского «северного модерна» и эклектики, причем для посещения открыто свыше десятка комнат.

Конечно, не все они равнозначны по художественной отделке, но каждое помещение имеет свою изюминку, свои пропорции и стилистику. В доме царит дух творчества, уюта, покоя и, хочется сказать, счастья.

Даже тот, кто не разбирается в архитектуре и дизайне, обязательно почувствует, как грамотно здесь всё спланировано и оформлено — живи и радуйся. Оно и неудивительно: архитекторы строили этот дом для себя и своих близких. А то, что из некоторых комнат и с открытого балкона открывается потрясающий вид на озеро, делает это место и вовсе исключительным.

Пространство, удобное для жизни

Сначала несколько слов о том, как устроено внутреннее пространство виллы и чем оно интересно.

Как уже говорилось, каждый из трех архитекторов отвечал за свою часть усадьбы. Соответственно, южное крыло является творением Элиэля Сааринена, причем зодчий не только придумал оригинальную планировку дома, но и активно участвовал в оформлении интерьеров. В отличие от спроектированного Линдгреном северного крыла, в южном преобладают просторные помещения с высокими потолками [18], да и само это крыло больше (см. план усадьбы).

Можно сказать, что Сааринены занимали самую «престижную» часть архитектурного ансамбля. В их распоряжении было свыше десяти комнат; имелись также комнаты для прислуги и гостей. Именно Лоя (Лойя) Сааринен выполняла функции хозяйки дома и принимала многочисленных гостей, и именно квартира Сааринена — в первую очередь знаменитая Большая гостиная — являлась «светским ядром» усадьбы, ее «салоном» ([28];[29]). Под руководством Сааринена над украшением виллы трудились лучшие финские художники и ремесленники того времени.

Практически всё внутреннее оформление виллы сделано по авторским эскизам: мебель, текстиль, печи и изразцы, витражи, расписные потолки, текстиль и чеканка. Элиэль Сааринен с самого начала лично определял облик и детали убранства дома, самостоятельно разрабатывал дизайн значительной части мебели, печей и других предметов [5]. Часть обстановки в доме создана его женой Лоей, которая в молодости училась на скульптора, а также прекрасно шила и была талантливым дизайнером тканей (как мы уже рассказывали, после переезда в США она создала собственную мастерскую авторского текстиля) ([5];[23];[28];[29]). По некоторым данным, Лоя Сааринен разрабатывала дизайн текстиля для усадьбы Виттреск в сотрудничестве с Ассоциацией друзей финского ремесленного производства — группой, сыгравшей значительную роль в возрождении традиционного текстильного искусства [23].

Побывав внутри дома, мы сможем убедиться, что в оформлении интерьеров усадьбы Виттреск заметно влияние крестьянской архитектуры и средневековых каменных церквей, что характерно для финского национального романтизма. При этом последний прекрасно уживается с элементами бельгийского ар-нуво, венского сецессиона, английской и шотландской версий модерна, а также Движения искусств и ремёсел (Arts & Crafts). Как известно, Сааринен и двое его друзей-архитекторов живо интересовались современным европейским искусством и, в частности, не забывали читать популярный английский журнал «Студио» (The Studio), где публиковались проекты усадебных построек Ричарда Нормана Шоу (Richard Norman Shaw), Филипа Спикмена Уэбба (Philip Speakman Webb), Чарльза Френсиса Войси (Charles Francis Voysey), М. Х. Бейлли Скотта (Mackay Hugh Baillie Scott) и других британских архитекторов, близких к Движению искусств и ремёсел ([3];[4];[6];[24];[28]). Например, Бейлли Скотт считал, что в «идеальном доме художника» всё до мельчайшей детали — от дверной и оконной фурнитуры до каминных решеток и мебели — должно быть авторским, разработанным по индивидуальному дизайну, а не подбираться из каталога стандартных образцов [32].

Знакомство с этими идеями помогло финским зодчим расширить кругозор и создать красивый и одновременно функционально организованный интерьер, удобный для жизни и работы.

Как и уничтоженная усадьба Суур-Мерийоки, дом-студия Виттреск соответствует принципам органической эстетики и «тотального дизайна», синтеза всех видов искусств и ремёсел. Он является единым целым и продуман до последних мелочей. Все функциональные и декоративные детали согласованы друг с другом, каждая занимает свое продуманное место и имеет свое назначение. Комплекс органично сливается с природным ландшафтом, причем архитекторы радикально ломают границы между интерьером и экстерьером, в частности, за счет обильного использования лоджий и угловых балконов, что дополнительно способствует слиянию естественной и рукотворной среды.

Подобная целостность ансамбля, единство внутреннего и внешнего пространства (включая прилегающий к дому сад) и эстетика, основанная на принципах простоты, гармонии и удобства, — всё это также восходит к идеалам Движения искусств и ремёсел ([18];[40]). Наладив тесные рабочие отношения между архитекторами, строителями и ремесленниками, Сааринену и его товарищам удалось создать красивую и гармоничную среду, о которой мечтали Уильям Моррис и другие лидеры Движения [24].

Хотя в архитектуре и дизайне интерьеров виллы Виттреск нашли отражение самые разные влияния, новаторская планировка с наличием перетекающих друг в друга интерьерных пространств может считаться исключительно оригинальным авторским достижением Сааринена и его коллег, предваряющим поиски Фрэнка Ллойда Райта и Алвара Аалто [5]. Именно эта свободная, лабиринтообразная организация интерьера является одной из главных особенностей сооружения. План дома представлен ниже:

Помещения разнообразны по форме и высоте, что, вкупе с отсутствием дверей во многих комнатах, дополнительно усиливает эффект «перетекания» объемов [18]. Большие пространства открытой планировки перемежаются с укромными уголками и узкими коридорами. Размеры и форма дверей, арок и окон постоянно меняются, равно как и высота стен и тип используемых материалов [32].

Разноуровневая планировка предполагает наличие лестниц в самых разных местах, из-за чего начинает казаться, что этажей большей, чем на самом деле.

При всей своей гармоничности интерьеры дома-студии удивительны разнообразны. Отказ от стандартного в пользу уникального означал, что архитекторы могли свободно проявлять фантазию и не сдерживать себя рамками одного стиля. Поэтому в одних комнатах доминирует «деревенский стиль», в других — вариации модерна, но чаще всего эти стили причудливо сочетаются.

Самостоятельная экскурсия по дому-студии Сааринена

Войдя в дом, оставляем одежду на вешалках и надеваем прочные бахилы. Заодно успеваем полюбоваться вестибюлем (холлом) со стильной лампой, кожаным диваном и потолком, украшенным декоративной росписью. Восьмиугольный кофейный столик является реконструкцией 1970-1971 годов [42].

Здесь же, на цокольном этаже, в помещении бывшей кухни находится касса (о стоимости билетов читайте ниже) и небольшой сувенирный магазин с открытками, путеводителями и разными вещицами в стиле «северного модерна». Юным девушкам наверняка придутся по вкусу наборы для вышивания с готовым узором в виде стилизованных роз, повторяющим рисунок, который украшает текстиль во многих комнатах виллы.

Еще тут есть сумки, кружки, блокноты, записные книжки, плакаты, закладки... Любители сувенирных магнитов тоже найдут чем пополнить свою коллекцию.

Большая гостиная

Купив билет, мы можем наконец пройти в самое красивое (и самое известное) помещение усадьбы Виттреск, главную комнату дома — Большую гостиную (см. поэтажный план дома). Первое, что поражает в этом огромном зале, — его невероятные размеры, а также неожиданная планировка: оказывается, это единое цельное пространство, а не несколько отдельных комнат, как может показаться по некоторым фрагментарным фотографиям.

Сам Сааринен именовал эту комнату tupa («изба»): этим словом иногда называли главные помещения в традиционных сельских домах Финляндии, где собиралась вся семья [29]. Аналогичную функцию центральной зоны отдыха и общения выполнял и этот зал. К тому же — за счет обилия дерева во внутренней отделке — комната действительно рождает ассоциации с бревенчатым деревенским домом. В то же время пропорции комнаты не имеют ничего общего с обычным размером центральных помещений в сельских домах Финляндии.

Оформление выдержано в «национальном духе», с использованием открытых балочных конструкций. Деревянный потолок удерживает массивная центральная балка и ряд балок поменьше.

Доминантой гостиной служит выставленный на самом видном месте, «как трофей», знаменитый ковер «Пламя» (Liekki-ryijy) по рисунку Аксели Галлена-Каллелы. Этот традиционный финский ковер ручной работы — ryijy (рюйю) — является подарком художника Сааринену. В своих декоративно-прикладных произведениях Галлен-Каллела часто обращался к мотивам огня или декору, напоминающему языки пламени. Данный дизайн ковра он разработал для комнаты керамического завода Iris, показанной на Всемирной выставке 1900 года в Париже в знаменитом Финском павильоне, построенном по проекту Сааринена, Гезеллиуса и Линдгрена [29]. Не будет преувеличением назвать этот рюйю самым известным ковром в Финляндии. (В музее демонстрируется копия).

Обычно традиционные народные рюйю украшают лишь стены финского жилища, почему их и называют «одеждой для стен» [18]. Здесь же ковер хитроумным каскадом спускается со стены через диван на пол, соединяя все три плоскости. Такая задумка была не только оригинальна, но и практична, поскольку помогала сидящим на диване людям согреваться: ковром можно было не только укрыть ноги, но и укутаться почти по пояс [17].

Ковры рюйю традиционно представляли важный декоративный элемент сельского финского дома и позволяли максимально сохранять тепло в холодном климате. Но Галлен-Каллела, в отличие от мастеров из Ассоциации друзей финского ремесленного производства, не позволял себе просто копировать исторические образцы карельского текстиля, а шел по пути стилизации, создавая живой узор, лишенный четкой геометрии и симметрии [32]. Более темная нижняя часть ковра олицетворяет горячее пламя, которое, поднимаясь вверх, тает, превращаясь в струи белого дыма. Такое свободное движение соответствует не только природе самой стихии, но и свободному творческому подходу Галлена-Каллелы.

Важно также отметить, что в данном случае к декоративной функции ковра добавляется еще и символическая: в начале XX века рюйю стали настоящим культурно-политическим символом финского «северного модерна», олицетворяя поиски национальной идентичности ([23];[32]).

В углу гостиной стоит массивная изразцовая печь (камин) с круглыми рыжими «башнями», рождающими ассоциации со средневековой крепостью.

Всего в интерьерах виллы Виттреск можно увидеть 12 уникальных печей, яркость и разнообразие которых не оставят равнодушным ни одного посетителя.

С камином Большой гостиной связан любопытный обычай, о котором нам известно из воспоминаний Яна Сибелиуса. Возможно, это всего лишь байка, но бывавший в доме композитор утверждает, что на вечеринках архитекторов было принято поить каждого новоприбывшего до потери сознания, причем кольца на опоре камина якобы использовались для проверки трезвости: «Мало кто мог сравниться с хозяевами, которые после двух бутылок водки проверяли степень своей трезвости, стоя на одной ноге и держась за чугунное кольцо, вмонтированное в камин» [12].

Воспоминания гостившего в усадьбе немецкого искусствоведа и издателя Юлиуса Мейер-Грефе (Julius Meier-Graefe) рисуют картину менее бурного времяпрепровождения: «В большом круглом зале, где легко могла бы уместиться половина моей парижской квартиры, зажгли камин. В очаге пылали огромные, чуть не в человеческий рост стволы. Огонь озарял поблескивающие бурым изразцы камина с металлическими кольцами, и их дрожащее мерцание расходилось по большим углам и разновысотным сводам» [29].

Медный колпак для камина и некоторые другие металлические детали для интерьеров Виттреска выполнил Эрик Эрстрём (Eric Otto Woldemar Ehrström) ([5];[17];[19];[32]) — ученик Галлена-Каллелы, разносторонний художник, график и дизайнер, автор интересных работ по металлу, эмали и стеклу, длительное время гостивший в усадьбе с женой, также талантливой художницей, чей витраж мы вскоре увидим.

Напротив камина — светлый обеденный уголок с рядом прямоугольных окон, длинным диваном и столом [32].

Кажется, здесь всё еще живет дух ушедшей эпохи. Легко себе представить, как хозяева сидят вечером за столом, увлеченные беседой, а вокруг резвятся дети. Подвешенная на цепях лампа — подлинная, как и почти всё в этом помещении [42].

В оформлении этой зоны чувствуется влияние британского архитектора М. Х. Бейлли Скотта — приверженца концепции «тотального дизайна» [29]. Следуя заветам Уильяма Морриса, Скотт призывал строить дома, в которых есть теплота, индивидуальность и уют, сочетающиеся с экономичностью и комфортом [32]. Этот принцип он иллюстрировал в своих проектах интерьеров с укромными местечками у камина, обеденными уголками, балочными потолками и облицованными плиткой каминами ([32];[39]) (см., например, иллюстрацию 1 и иллюстрацию 2). Нетрудно заметить, что интерьеры виллы Виттреск воплощают те же принципы. Кроме того, в оформлении каминов и других изделий прикладного искусства, наполняющих интерьеры виллы, просматривается влияние югендстиля — вариации стиля модерн, которая получила развитие в Австрии и Германии [3].

Среди стоящих на подоконнике предметов есть элегантные подсвечники, а также медная и латунная посуда в стиле ар-нуво, созданная на рубеже XIX-XX века в Германии, на Вюртембергской фабрике металлоизделий (Württembergische Metallwarenfabrik, WMF) ([19];[42]).

Убранство интерьера удачно дополняет оригинальная по формам мебель, выполненная по эскизам самого Элиэля Сааринена.

Дубовый гарнитур, включающий стол, диван, кресла, а также книжный шкаф, напольные часы, глобус и карточный столик, был изготовлен в 1905-1906 годах в столярной мастерской Бомана (Nikolai Boman) в Турку ([14];[17];[33]). Часть предметов украшена интарсиями.

Большая деревянная люстра, напоминающая то ли корону, то ли колесо телеги, создана по проекту жены архитектора — Лои Сааринен, в 1903 году ([17];[29];[42]). Люстра имеет 24 свечи, по одной на каждый час суток. В 1950-х годах люстра была переведена на электричество.

Широкая открытая лестница с гладкими деревянными «колоннами» из бревен ведет на следующий этаж, куда мы поднимемся чуть позже.

Малая гостиная и столовая

К Большой гостиной примыкает столовая, состоящая из двух частей — обеденной зоны и зоны отдыха, или Малой гостиной (см. поэтажный план дома).

Малая гостиная — камерное полутемное помещение, значительно более интимное, чем Большая гостиная.

Если в интерьере Большой гостиной прослеживается влияние крестьянской архитектуры, то Малая гостиная несет отпечаток церковного зодчества.

Словно небольшая средневековая церковь, комната перекрыта сводами со стилизованной декоративной росписью. Линии сводов подчеркнуты причудливыми разноцветными узорами в виде фантастических растений. Отреставрированные в 2000 году стрельчатые оконные проемы со скругленными углами помогают создать «готическую» атмосферу. Пространство над камином также покрыто затейливыми узорами. Автор художественных росписей в интерьере виллы Виттреск точно не известен. Возможно, это был художник Вайно Бломстедт (Väinö Alfred Blomstedt), хотя иногда называют имя Галлена-Каллелы [32].

Невероятно красива «богатырская» печь с переливчатыми сине-зелёными изразцами. Вопреки распространенной точке зрения ([5];[18];[32]), разноцветные изразцы для чудесных печей виллы Виттреск были произведены не на заводе Iris в Порвоо, а на кафельной и фаянсовой фабрике Вильгельма Андстена (Wilhelm Andsténs fabrik) в Хельсинки ([17];[19];[22];[33]).

На печи демонстрируются эскизы навсегда утраченных интерьеров другой известной усадьбы — Суур-Мерийоки.

Как и в Большой гостиной, диван застелен традиционным финским ковром рюйю, уютно продолжающимся на полу. В отличие от культового ковра «Пламя», который мы видели в Большой гостиной, этот «сказочный» ковер или ковер «Сказка» (Satu-ryijy) выполнен по рисункам самого Элиэля Сааринена ([27];[29]) (вероятно, при участии Лои, которая, как мы помним, была дизайнером тканей). Ковер был создан во время очередного обновления интерьеров виллы, в 1914 году. В музее демонстрируется копия (1990).

На тканых квадратах представлены стилизованные изображения сцен из жизни усадьбы Виттреск, в том числе фигурки женщины и двух детей: это жена архитектора Лоя, изображенная в виде лесной феи среди цветов, дочь Пипсан в образе сказочной принцессы и сын Ээро в окружении волшебных зверей ([12];[17]). Также присутствует изображение башни, инициалы «ES» и год создания ковра. Башня встречается также на других предметах обстановки. Это эмблема Сааринена и его жилища, изначально придуманная архитектором в качестве фирменного знака для почтовой бумаги и потом неоднократно использованная им в творчестве, в частности, в витражах [29].

Сохранился акварельный эскиз Сааринена, показывающий, каким образом с помощью сложной разметки ковра достигается заполнение трехмерного объема угловой гостиной [23].

Комнату также украшает бронзовая скульптура Лои Сааринен «Четыре грации» — точнее, изготовленная в 1970-х годах копия оригинала, созданного для усадьбы Суур-Мерийоки в 1903-1904 годах ([19];[29];[42]).

Напомним, что жена архитектора была профессиональным скульптором: она училась в Париже, в Академии Коларосси [29].

На потолке — необычный шестигранный светильник, созданный в 1970-1971 годах по мотивам оригинала начала века [42].

В свое время помещение выполняло еще и функцию музыкальной комнаты, и здесь стояло фортепиано [17]. Сводчатые потолки обеспечивали чудесную акустику, а угловой диван превосходно подходил для наслаждения звуками музыки. Как мы уже рассказывали, в числе гостивших в доме композиторов были Ян Сибелиус, Роберт Каянус и Густав Малер.

Во второй части комнаты, столовой, потолок сплошь покрыт орнаментальными росписями, которые напоминают настоящий тканый ковер, создавая впечатление, будто потолок обтянут материей.

В столовой также находится обеденный стол со стульями и интереснейший витраж.

Украшенный резьбой дубовый гарнитур датируется 1918 годом.

На стульях видим уже знакомую эмблему Виттрестка — башню.

Почетное место в центре стола занимает сине-зеленая стеклянная чаша с волнообразными краями, созданная по дизайну талантливого художника Альфреда Финча (Alfred William Finch), который с конца XIX века работал керамистом на знаменитом заводе Iris в Порвоо [42].

Что касается витража в столовой, то он создан по проекту Ольги Гуммерус-Эрстрём (Olga Gummerus-Ehrström) — жены вышеупомянутого художника и дизайнера Эрика Эрстрёма. Талантливая чета несколько лет гостила в усадьбе Виттреск. Эрик обожал свою жену, придумывал для нее разные наряды и даже сам их шил, так что Ольга, или Олли, была самой красиво одетой женщиной в Хельсинки [34]. В 1927 году в результате несчастного случая Эрстрём потерял правую руку, после чего жена помогала мужу в работе.

Данный витраж на тему любовного треугольника был создан Ольгой Гуммерус-Эрстрём в 1904-1905 годах и называется «Соперники» или «Соперничество женихов» (Kilpakosijat) ([17];[19]; [41]). Он посвящен непростым личным отношениям обитателей дома: как мы помним из первой части заметки, брак Элиэля и Матильды Сааринен продолжался недолго, и вскоре после развода в 1904 году Элиэль женился на сестре Германа Гезеллиуса Лое, а Матильда в тот же день вышла замуж за Гезеллиуса. Именно эту историю рассказывает нам витраж, хотя его персонажи одеты в костюмы совершенно иной эпохи.

Если присмотреться, на заднем плане виден характерный силуэт здания на холме — нетрудно распознать в нем усадьбу Виттреск. Изображенный слева менестрель с гитарой — это сам Сааринен, а музыкант с флейтой с правой стороны — Герман Гезеллиус. В центре, в образе инфанты Маргариты с полотен Веласкеса, изображена Матильда Сааринен (во втором браке ставшая Матильдой Гезеллиус) ([17;][21];[41]).

Бра на пять свечей являются повторением оригинала 1915 года [42].

Обратите внимание на выполненный из эмали рельеф в виде башни в окружении сердец — снова эмблема Сааринена.

Цветочная комната

Поднимемся из Большой гостиной по деревянной лестнице-галерее на второй этаж, отведенный под личные комнаты хозяев и оформленный более светлых тонах и с меньшим уклоном в сторону финской версии модерна.

Первым делом попадаем в так называемую Цветочную комнату, также именуемую комнатой орхидей или просто оранжереей (см. поэтажный план дома).

Эта «дамская» комната, занимающая остекленный эркер с восточной стороны виллы, вся пронизана солнечным светом, а обилие гармоничной белоснежной мебели делает ее еще светлее.

Комната напоминает о страсти, которую Лоя Сааринен питала к садоводческому искусству. Мы уже рассказывали, что жена архитектора с удовольствием ухаживала за усадебным садом, а после льъезда в США часто писала сюда обстоятельные письма с наставлениями по поводу ведения хозяйства.

Свое увлечение Лоя не оставила и в Америке. Известно, например, что она участвовала в разработке проекта ландшафтных парков и садов образовательного комплекса Кренбрук.

Пока Сааринены жили в усадьбе Виттреск, Лоя Сааринен — помимо посадки прозаических хозяйственных растений — с удовольствием выращивала экзотические цветы, в том числе орхидеи, киноварные кливии, декоративную спаржу.

Прекрасные цветы, которые стараниями музейных смотрителей украшают комнату сегодня, вполне соответствуют предпочтениям хозяйки.

Длительное время вся обстановка комнаты ограничивалась лишь парой плетеных стульев да подставками для цветов.

Позднее появился белый гарнитур (диван, стол и стулья), который Элиэль Сааринен создал в том же стиле, что и мебель в соседней комнате — спальне, оформленной в 1910-х годах.

С тех пор светлая цветочная комната полюбилась обитателям виллы как место для уютных семейных завтраков в лучах яркого утреннего солнца [17].

Спальня Элиэля и Лои Сааринен

С цветочной комнатой соседствует хозяйская спальня (см. поэтажный план дома).

Часть интерьера этой комнаты (туалетный столик с зеркалом, стулья и, возможно, прикроватные тумбочки) относится к 1902-1903 годам [17].

Как и в остальных случаях, эти предметы мебели были созданы по проекту самого Сааринена.

Белая супружеская кровать и белый шкаф с закругленными плавными контурами появились во время обновления обстановки в 1910-х годах (изготовлены в столярной мастерской Бомана в Турку [42]). Одновременно с этим остальная мебель, изначально просто покрытая лаком, была перекрашена в белый цвет ([17];[21]).

Из характерных элементов модерна можно отметить резной декор мебели.

Так, туалетный столик украшают стилизованные изображения цветов и растений, тогда как на передней спинке кровати виднеется орнамент в виде башни в венке из бутонов роз (башня, как мы помним, была эмблемой усадьбы Виттреск и самого Сааринена).

Похожие стилизованные розы повторяются на вышивке, украшающей занавески и наволочки (аналогичный мотив вышивки мы уже видели на подушках и скатерти Цветочной комнаты).

В спальне также можно увидеть прекрасную изразцовую печь. Декоративные мотивы медных дверец разработаны Эриком Эрстрёмом, много работавшим в области дизайна по металлу [42].

Стены спальни ранее были оклеены обоями в мелкий сиреневато-розовый цветочек на зелёном фоне. В настоящее время здесь можно увидеть лишь небольшой фрагмент этих обоев, но в будущем планируется полностью воссоздать покрытие стен по историческому образцу.

Ванная комната

За спальней находится ванная — довольно аскетичная, но стильная, просторная и функциональная (см. поэтажный план дома).

Спокойные бело-зеленые тона, ощущение чистоты и гигиены и дневной свет, поступающий из небольших окон над умывальниками, создают комфортную домашнюю атмосферу.

Хотя ванная воспринимается как гармоничная часть виллы, обстановка в этой комнате лишь отчасти подлинная. Так, нынешняя ванна и некоторые другие предметы датируются началом 1950-х годов [17]. В то же время раковины, вешалки для полотенец и высокие узкие застекленные шкафчики по обеим сторонам от зеркала появились еще при Саариненах.

В те времена в ванной стоял водонагреватель. Вода подавалась в стоявший в подвале резервуар прямо из озера Виттреск с помощью дизельного насоса.

Детская спальня

В западном крыле дома, обращенном в сторону озера, находятся две комнаты, предназначенные для детей (см. поэтажный план дома). Первая из них — детская спальня. Несмотря на почти полное отсутствие меблировки (которая сводится к паре детских кроваток, стульчиков и изразцовой печи), комната очаровывает аурой гармонии и восхитительным видом на озеро.

Вся упомянутая обстановка, пусть и минимальная, является подлинной.

В этой комнате жили дети Саариненов: дочь Эва-Лиза (Пипсан) (1905-1979) (Eva-Liisa/Pipsan), ставшая дизайнером, и сын Ээро (Eero Saarinen) (1910-1961), впоследствии выдающийся американский архитектор. В начале 1910-х годов Пипсан переехала в отдельную «Розовую» комнату, которую мы вскоре увидим.

На стенах — фотографии из семейного архива Саариненов.

Известно, что в ходе крупной реставрации 1950-х годов окно детской спальни было расширено. Тогда же появилась стена между спальней и примыкающей игровой комнатой, и одновременно была устранена стена между спальней и соседним залом (холлом).

Игровая комната

Последнее помещение на втором этаже, которое мы осмотрим, — игровая, или комната для игр (см. поэтажный план дома).

Элиэль Сааринен обустроил ее для своих детей в 1908-1909 годах — собственно, изначально это была комната для одной только Пипсан, а после 1910 года, когда родился Ээро, здесь играли они оба.

Уютная игровая оформлена в солнечных желто-белых тонах и соответствует всем требованиям, которые предъявлялись к детским в начале XX века: обилие пространства и света, приспособленная для детей миниатюрная мебель, легкие для мытья поверхности и отсутствие острых углов ([17];[18]).

В убранстве интерьера заметны явные отголоски дизайна знаменитого шотландца Чарльза Ренни Макинтоша — представителя английской версии модерна (ар-нуво) ([3];[5];[17]). Мы уже говорили о том, что Сааринен и его товарищи с интересом читали английский журнал «Студио» (The Studio). Были они, разумеется, знакомы и с подробной статьей, посвященной творчеству шотландской «Четвёрки» (Чарльза Ренни Макинтоша, Джеймса Герберта Макнейра и их жен, сестёр-художниц Фрэнсис и Маргарет Макдональд), которая была опубликована в упомянутом журнале в 1897 году [29].

В комнате есть несколько примечательных элементов декоративно-прикладного искусства. Как всегда, внимание привлекает изразцовая печь, которая в данном случае еще и украшена росписью.

Печь, которую мы видим сегодня, является реконструкцией (не слишком точной) 1970-х годов (первоначальным автором фрески «Начало жизни» предположительно был художник Вайно Бломстедт) [42].

Еще одно украшение игровой — спускающийся со стены на пол традиционный финский ковер ручной работы, рюйю. Он был соткан по эскизам самого Сааринена. Над ним — эскиз уже знакомого нам витража Ольги Гуммерус-Эрстрём из столовой.

Тележка и маленькая складная ширма служили малышам для игр.

Полки для игрушек, шкафчики, столы и стулья — вся эта мебель не подлинная, а воссозданная по оригинальным проектам Сааринена.

Балкон

Вернувшись в детскую, можно выйти на открытый балкон-галерею, чтобы полюбоваться чудесным видом на озеро и окрестности и подышать свежим воздухом.

Мы могли видеть эту террасу снаружи, когда осматривали виллу со стороны озера.

Розовая комната

Поднимемся теперь еще выше: на третьем (мансардном) этаже нас встречает девичья Розовая комната (см. поэтажный план дома).

В 1910-х годах, когда дочь Элиэля и Лои Пипсан немного подросла, ей выделили отдельную спальню. Как нетрудно догадаться, название комнаты связано с цветочным орнаментом обоев.

Над кроватью можно увидеть пастельный портрет 15-летней Пипсан. Его написал в 1920 году друг семьи, венгерский скульптор Геза Мароти (Géza Maróti) (1875-1941), который часто гостил в усадьбе Виттреск. Он решил изобразить девушку в венгерском национальном костюме [42].

Пестроту стен оттеняет лаконичная печь с белым кафелем, белый потолок и белая деревянная мебель: стол, диван, четыре стула, комод, овальное настенное зеркало в белой раме.

Весь этот гарнитур создан по дизайну Сааринена в столярной мастерской Бомана в Турку [42]. Большой комод для умывания со временем был утерян, но его восстановили по историческим фотографиям [17].

Женственный мотив розы повторяется в декоре умывальника, ведерка и кувшина (вся керамика подлинная, это изделия финской марки Aluminia) [42].

Светильник, вероятно, создан по эскизам Лои Сааринен [43].

Спальня дедушки (комната для чтения)

По соседству с Розовой комнатой находится бывшая спальня дедушки — пастора Юхо Сааринена (Juho Saarinen) (1846-1920), отца Элиэля Сааринена. Интересно, что в 1910-х годах Юхо Сааринен служил пастором петербургской Финской церкви Св. Марии на Б. Конюшенной улице [45].

Эта просторное и светлое помещение, оформленное в мягких желтоватых тонах, сегодня обставлено как комната для чтения и отдыха.

Обстановку составляет стильная мебель (диван, тумбочка, шкаф, большой «взрослый» и маленький «детский» стол), напольный канделябр-семисвечник и непременная изразцовая печь.

Комната интересна еще и тем, что тут можно увидеть архивные фотографии, изображающие обитателей усадьбы Виттреск.

На одном снимке мы видим Армаса Линдгрена с женой Ирен и двумя дочерьми; на другом — семейство Сааринен (Элиэль и Лоя, Ээро и Пипсан, а также дедушка Юхо); на третьем — Германа Гезеллиуса и элегантную Матильду (первую жену Сааринена).

Мансардная комната

Последняя комната на этом этаже — мансардная (см. поэтажный план дома).

Оформление интерьера предельно аскетично (альков со спальным местом, спартанская кровать, скромная печь и рабочий стол со стульями), но вид на озеро и лес бесподобен.

Вероятно, это помещение предназначалось для работников архитектурного бюро Сааринена, Гезеллиуса и Линдгрена.

Кладовая (буфетная)

Спустившись обратно на первый этаж, оказываемся в небольшой каморке, служившей кладовой.

Это хозяйственное помещение примыкает к бывшей кухне (нынешнему сувенирному магазину и кассе) (см. поэтажный план дома).

Сегодня тут можно увидеть несколько изящных металлических предметов в стиле модерн, в том числе оригинальный фонарь, металлическую посуду (например, кофейник и ведерко для льда, изготовленные в начале XX века в Германии, на Вюртембергской фабрике металлоизделий ([19];[42])), а также небольшой комод-холодильник, с хитроумной конструкцией которого можно ознакомиться тут.

Отсюда наш путь ведет в библиотеку и архитектурную студию, занимающие не жилую, а рабочую часть виллы Виттреск — одноэтажный корпус между южным и северным крылом.

Архитектурная студия (ателье)

Обширное помещение студии напоминает нам, что Виттреск был не просто дачей, но еще и местом плодотворной работы архитекторов, где были созданы проекты многих ключевых построек эпохи финского национального романтизма (см. поэтажный план дома).

Как мы уже рассказывали, поначалу Элиэль Сааринен делил студию с Германом Гезеллиусом и Армасом Линдгреном, а после отъезда последнего в Хельсинки продолжал некоторое время сотрудничать с Гезеллиусом.

В студии находится большой подлинный камин и несколько крупных исторических фотографий, снятых на территории усадьбы.

Кроме того, интересно взглянуть на представленные здесь архитектурные проекты Элиэля Сааринена, в том числе разработанный им вскоре после прекращения партнерства с Гезеллиусом проект дачи доктора Винтера (Villa Winter) (1908), построенной на берегу Ладожского озера в Сортавале (дача, известная тем, что там часто бывал Рерих, по счастью, сохранилась, отреставрирована и сегодня превращена в отель).

Тут же можно увидеть проект небоскреба Chicago Tribune в Чикаго (1922), с которым 49-летний «ветеран» принял участие в конкурсе. Проект занял второе место и, хотя не был реализован, произвел впечатление на коллег как поистине новаторский и повлиял на будущие работы многих американских зодчих [44].

Стоящий возле камина гипсовый барельеф с изображением андрогинного ангела («Ангел воскресения») создал венгерский скульптор Геза Мароти, часто гостивший в усадьбе (барельеф выполнен после 1916 года).

Автор посвятил эту работу «обожаемой матери своей дочери» (FILIAE SUAE MATRI DILETTISSIMAE HOC OPUS DEDICAVIT GÉZA MARÓTI).

На полках демонстрируется разработанный Саариненом дизайн финских банкнот разных периодов.

Ведущую во двор дверь украшает барельеф, нижняя часть которого выполнена в виде трех стилизованных сердец, а верхняя напоминает закрученное спиралью стилизованное растение.

Как и многие другие металлические изделия в интерьере виллы, эта плакетка в технике металлопластики создана по дизайну Эрика Эрстрёма.

Библиотека и кабинет Сааринена

К студии примыкает более темная и укромная библиотека с рабочим кабинетом (см. поэтажный план дома).

Изначально здесь находилось пространство для отдыха и стоял бильярдный стол, но 1908 году эту зону отделили перегородкой от основного пространства студии и устроили личные кабинеты Сааринена и Гезеллиуса [17].

После смерти последнего (1916) кабинет перешел в полное распоряжение Сааринена, и он организовал библиотеку, переместив сюда массивный письменный стол и стул из гостиной и соорудив вдоль трех стен книжные полки. Вся мебель в комнате подлинная. На двери между книжными полками — уже знакомый нам по предыдущей комнате барельеф Эрика Эрстрёма.

Украшенный интарсиями стол, равно как и стул с вращающимся восьмиугольным сиденьем и оригинальной спинкой, изготовлен по дизайну Сааринена в 1907 году в мастерской Бомана в Турку.

Что касается представленных в библиотеке книг, то лишь около 20% из них относятся к началу XX века. Тем не менее, они дают представление о круге чтения хозяев.

Как и следовала ожидать, преобладает литература по искусству, причем многие книги и журналы — иностранные.

Как мы помним, Сааринен и его коллеги с интересом читали английский журнал «Студио». Кроме того, они выписывали немецкие журналы: «Декоративное искусство» (Dekorative Kunst) и «Немецкое искусство и дизайн» (Deutsche Kunst und Dekoration), в которых публиковались работы немецких, бельгийских, французских и других художников. Читали они и другие журналы по искусству, так что жизнь «в глуши» не мешала архитекторам всегда быть в курсе новейших течений [29].

На шкафах — разнообразные эскизы: усадьба Суур-Мерийоки (Сааринен, Гезеллиус и Линдгрен, 1901-1903), зал ожидания вокзала в Выборге (Сааринен, 1908-1913), царский зал ожидания вокзала в Хельсинки (Сааринен и Гезеллиус, 1906-1909), выставочный зал Arkadium в Хельсинки (Сааринен , 1908) (не реализован).

Особую прелесть библиотеке придает интимно огороженный уголок с диванами, камином и обилием подсвечников. Здесь не только проходили деловые встречи и совещания архитекторов, но и любили отдыхать с бокалом вина коллеги и ассистенты Сааринена. У камина часто собиралась и семья [17].

Сегодня здесь можно увидеть картину «Элиэль и Ээро Сааринен», написанную художником Вилхо Шёстрёмом (Wilho Sjöström) (масло, холст; 1919).

Практическая информация о посещении музея-усадьбы Виттреск: часы работы, стоимость билетов. Как добраться до музея-усадьбы Виттреск

Музей-усадьба Виттреск (Hvitträsk) находится в Киркконумми (Kirkkonummi), примерно в 30 км от Хельсинки. Посмотреть расположение комплекса на карте можно тут.

Часы работы музея. Музей-усадьба Виттреск открыта с 1 марта по 18 декабря со среды по воскресенье с 11:00 до 17:00. Во второй половине декабря, а также в январе и феврале музей закрыт. Музей также закрыт в некоторые праздничные дни. Советуем заранее уточнять режим работы на официальном сайте.

Часы работы кафе и ресторана Hvitträsk обычно совпадают с графиком работы музея. При желании можно уточнить их на сайте ресторана.

Цена билетов. Стоимость входного билета в музей-усадьбу Виттреск составляет 9 евро для взрослых и 6 евро для студентов и пенсионеров. Билет для детей от 7 до 17 лет стоит 3 евро; для детей младше 7 лет посещение бесплатно. Существует также семейный билет стоимостью 20 евро (для 2 взрослых и 1-4 детей).

Гулять по территории усадьбы Виттреск можно бесплатно. Платным является только посещение музейного здания — главного усадебного дома (квартиры и студии Сааринена) (см. план усадьбы).

Фотографировать внутри виллы Виттреск разрешено. Отдельная плата за это не взимается.

Отзывы других туристов о посещении музея-усадьбы Виттреск можно прочитать тут.

Как самостоятельно добраться до музея-усадьбы Виттреск?

Как уже было сказано, дача-студия Виттреск находится в Киркконумми. Официальный адрес комплекса: Hvitträskintie 166, Luoma (Kirkkonummi). Если у вас автомобиль, то приехать сюда не составит труда, тем более что на территории имеется бесплатная парковка (см. план усадьбы). Если же вы путешествуете без машины, то добраться до музея-усадьбы Виттреск тоже можно, хотя это и не так просто. Возможные варианты маршрутов с использованием общественного транспорта описываются ниже.

Имейте в виду, что поскольку в системе общественного транспорта Хельсинки HSL Киркконумми относится к 3 зоне (Three-zone extended regional ticket), заплатить за поездку придется 8 евро в одну сторону. Такой билет действителен в течение 100 минут, то есть вы можете свободно совершать пересадки. Срок действия отпечатан на самом билете. Приобрести билет можно в автомате или у водителя, цена в данном случае будет одинаковой. Единственное, срок действия билета, приобретенного в автомате, будет на 10 минут больше.

Общее время в пути на транспорте — около 1 часа. Плюс примерно полчаса пешком.

Для поиска расписания и подбора удобного маршрута рекомендуем пользоваться сервисом планирования маршрутов. В качестве пункта назначения следует указывать Luoma, Kirkkonummi. Это название ближайшей к музею автобусной остановки.

1. АВТОБУСНЫЙ ВАРИАНТ ДЛЯ ВЫХОДНЫХ ДНЕЙ. Ниже описан пример поездки для субботы (в воскресенье нужно будет делать пересадки на других остановках — сверьтесь с планировщиком маршрутов!).

В центре Хельсинки (удобнее всего на Камппи) необходимо сесть на автобус № 173 (направление — Upinniemi) и ехать примерно 30 минут до остановки Jorvaksenkuja (или другой — зависит от времени поездки; см. планировщик маршрутов). Там перейти дорогу (!) и пересесть на автобус № 911 (направление — Kauklahti). На этом автобусе нужно проехать примерно 10 минут до остановки Luoma. Теперь остаётся пройти пешком до музея-усадьбы Виттреск чуть меньше 2 км.

Маршрут достаточно очевиден, тем более что по пути встречаются указатели. Посмотреть пешеходную часть маршрута на карте можно тут.

ВНИМАНИЕ: для подготовки к поездке пользуйтесь вкладкой «Transfer maps» (Карты пересадок). Вы увидите подобные карты пересадок. В данном случае, например, хорошо видно, что для пересадки на второй автобус нужно будет перейти дорогу. Это важно, поскольку в данном случае мы, по сути, частично возвращаемся. Но в выходной день маршрут иначе не построить.

Обратно уехать удобнее всего так: сначала вернуться пешком на остановку Luoma, затем сесть на автобус № 911 и ехать до остановки Ingvalsby, после чего пересесть на автобус № 173 и ехать до центра Хельсинки (напомним, что это маршрут для субботнего дня; маршруты для других дней уточняйте с помощью планировщика маршрутов).

Заметим, что вышеописанный вариант дороги (туда и обратно) опробован нами лично. Всё получается ровно так, как описано. Транспорт ходит четко по расписанию. Чтобы не проехать свою остановку, следите по навигатору (если он у вас есть) или обратитесь за помощью к водителю. К сожалению, остановки не слишком заметны (столбик с небольшим синим флажком), а без требования водитель на них не останавливается. Планируйте маршрут заранее, внимательно смотрите расписание, чтобы не потерять драгоценное время! В выходные дни транспорт ходит редко!

ПРИМЕЧАНИЕ. Вместо автобуса № 173 подойдет автобус № 165N, хотя он ходит не слишком часто. От Камппи (направление — Espoonkartano) на нем нужно будет доехать до остановки Puikkari (или Hansakallio; это зависит от того, в какое время вы едете, — сверьтесь с планировщиком маршрутов!), а затем пересесть на автобус № 911 (направление — Kirkkonummi, то есть в данном случае дорогу переходить не надо, мы продолжаем движение в том же направлении) и ехать до остановки Luoma.

2. АВТОБУСНЫЙ ВАРИАНТ ДЛЯ БУДНИХ ДНЕЙ. В будние дни рекомендуем воспользоваться автобусом № 171 ВМЕСТО автобуса № 173 (171-й он ходит чаще, да и маршрут получается более логичным).

Сначала нужно будет доехать от Камппи на автобусе № 171 (направление — Kirkkonummi) до остановки Masalan kirjasto, затем пересесть на автобус № 911 (остановка называется Masala) (направление — Kauklahti) и ехать до остановки Luoma. Теперь остаётся пройти пешком до музея-усадьбы Виттреск чуть меньше 2 км.

3. ВАРИАНТ С ЭЛЕКТРИЧКОЙ И АВТОБУСОМ (возможен в любой день, кроме воскресенья). От главного вокзала Хельсинки можно доехать на электричке до станции Kauklahden asema, а там пересесть на автобус № 911 (остановка называется Hansakallio) (направление Kirkkonummi) и ехать до остановки Luoma.

♦♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Официальный сайт музея

2. Статья в Википедии о вилле Виттреск

3. Курбатов, Ю. И. Хельсинки: образы города. - Санкт-Петербург: Коло, 2013

4. Кириллов, В. В. Архитектура «северного модерна». - Москва: Эдиториал УРСС, 2001

5. Malcolm Quantrill. Finnish Architecture and the Modernist Tradition

6. Gennaro Postiglione. One Hundred Houses for One Hundred European Architects of the Twentieth Century

7. Выставка «Гости Виттреска»

8. Уютное вдохновение: вилла Э. Сааринена Виттреск

9. Фото студии в Виттреске в 1910-е гг.

10. О вырубке деревьев вокруг Виттреска

11. Музей-усадьба Виттреск (Финляндия, Эспоо), отзывы

12. Анастасия Углик, Ральф Айбл. Родовая усадьба Ээро Сааринена

13. Erik Tawaststjerna. Sibelius

14. Henry-Louis de La Grange. Gustav Mahler: Volume 3. Vienna: Triumph and Disillusion (1904-1907)

15. Отзыв об усадьбе Виттреск на блоге о путешествиях

16. Фотографии интерьера виллы Виттреск, архивные фотографии семьи Сааринен

17. Подробная история и описание усадьбы Виттреск на блоге Варвары Кольцовой 4m-history.blogspot.ru

18. Екатерина Дубровская. Виттреск: дом, как произведение искусства// Исторический журнал. - 2012. - № 6

19. Проект Partage Plus

20. Сайт ресторана Hvitträsk

21. Старинные и современные фотографии усадьбы Виттреск и ее обитателей

22. Усадьба-студия Виттреск: изразцовые печи

23. Julieanna Preston. Occupations of Interior Surface

24. Быстрова, Т. Ю. От национального романтизма к технической рациональности: Элиэль Готтлиб Сааринен (1873-1950) // Академический вестник УралНИИпроект РААСН. - 2012. - № 2. - С. 50-57

25. Биография Элиэля Сааринена

26. Арка в Сент-Луисе, проект Ээро Сааринена

27. Усадьба Виттреск: работа и любовь

28. Fabienne Chevallier. L'œuvre d'Eliel Saarinen en Finlande et la question de l'architecture nationale de 1898 à 1909

29. Лоя Сааринен в усадьбе Виттреск

30. Joanna Banham. Encyclopedia of Interior Design

31. Лоя и Элин Сааринен

32. Jeremy Howard. Art Nouveau: International and National Styles in Europe

33. Краткое описание усадьбы Виттреск

34. Художник и дизайнер Эрик Эрстрём

35. Изображение виллы Виттреск работы Эрика Эрстрёма

36. Ээро Сааринен и Хельсинки

37. Национальный романтизм в архитектуре Финляндии

38. Виттреск (Hvitträsk), фотоотчет в журнале v-murza

39. Проекты М. Х. Бейлли Скотта

40. Ильин А. В. Концепция «Идеального дома» в архитектуре английского «Движения искусств и ремесел» // Вестник Московского государственного университета культуры и искусств, выпуск № 6 (62) / 2014

41. Об однодневной экскурсии «Киркконумми - Виттрэск»

42. Каталог предметов обстановки виллы Виттреск с фотографиями и краткой информацией

43. Дом Сааринена: вилла Виттреск

44. Проект Элиэля Сааринена для офиса Tribune Tower

45. Кириков, Б. М. Архитектура петербургского модерна. Особняки и доходные дома. - СПб. : Коло, 2006

Хельсинки хорош не только классическим набором достопримечательностей, но и отличными возможностями загородных поездок. В окрестностях Хельсинки масса очаровательных мест — таких как, например, музей Дидрихсена, — где можно побыть наедине с природой и заодно открыть для себя новые грани финского искусства. Вилла Виттреск (Hvitträsk), расположенная в Киркконумми, примерно в 30 км от Хельсинки, — музей-заповедник, который обязательно стоит посетить всем любителям «северного модерна» и финской архитектуры вообще.

Эту дачу-студию на тихом берегу озера построили для себя в начале XX века три крупнейших представителя финского национального романтизма: архитекторы Элиэль Сааринен, Герман Гезеллиус и Армас Линдгрен. Теперь тут музей. Вы можете побродить по ухоженной территории с цветами, выйти к озеру и послушать тишину, а также посетить главный усадебный дом (виллу) — удивительно гармоничное жилище со стильным авторским интерьером и оригинальной архитектурой, умело вписанной в природный ландшафт. Всё здесь дышит спокойствием и красотой, настраивая на созерцание. Природа живописна, а воздух чист.

В этой заметке мы поделимся своими впечатлениями и фотографиями от поездки в музей-усадьбу Виттреск под Хельсинки, а также немного расскажем об истории этого замечательного места.

Нам удалось побывать на вилле Виттреск ранней весной, когда музейный сезон еще только начинается и можно в полном одиночестве бродить по гостеприимным комнатам, умиляться нежным первоцветам в усадебном саду и любоваться синей гладью озера, только недавно освободившегося ото льда.

Добираться до музея своим ходом непросто, поэтому поездка потребовала тщательного планирования, но благодаря пунктуальному финскому транспорту всё прошло идеально. Погода тоже не подвела. День выдался на редкость гармоничным, соединив в себе природно-оздоровительный отдых с культурным.

Если вы еще не знаете, куда съездить в окрестностях Хельсинки, приглашаем последовать нашему примеру и посетить усадьбу Виттреск. Можете быть уверены, что получите двойное удовольствие: от прекрасных художественных произведений и живописного пейзажа, который их окружает.

- Практическую информацию о посещении музея-усадьбы Виттреск (как добраться, часы работы, сколько стоят билеты и проч.) вы найдёте в конце публикации.

- Подробное описание и фотографии интерьеров виллы можно найти во второй части отзыва.

История усадьбы Виттреск

Дом-студия архитекторов

Загородная усадьба (вилла) Виттреск (Hvitträsk) — настоящая жемчужина финского национального романтизма («северного модерна»), прекрасный пример жилища, неразрывно связанного с окружающей природой и воплощающего идеи синтеза искусств. На сегодняшний день этот уникальный дом-мастерская признан одним из шедевров европейской архитектуры и интерьерного дизайна начала XX века.

Возможность любоваться этим шедевром тем ценнее, что другой интереснейший образец загородного жилища по проекту Сааринена, Гезеллиуса и Линдгрена — усадьба Суур-Мерийоки — в настоящее время утрачен (здание было разрушено в 1941 году). Среди других заслуживающих внимания домов-студий эпохи национального романтизма в Финляндии можно назвать усадьбы таких культурных деятелей, как скульптор Эмиль Викстрём («Висавуори»), композитор Ян Сибелиус («Айнола») и художник Аксели Галлен-Каллела («Калела» и «Тарваспяя»).

Как же появилась вилла Виттреск и чем она знаменита?

Благодаря сенсации, которую Финский павильон архитектурного бюро Gesellius-Lindgren-Saarinen произвел на Всемирной выставке 1900 года в Париже, трое выпускников Гельсингфорсского (Хельсинкского) политехнического института — Элиэль Сааринен (1873-1950), Герман Гезеллиус (1874-1916) и Армас Линдгрен (1874-1929) — завоевали поистине всемирную известность и признание ([1];[3];[32]). После этого триумфа у талантливой троицы появилось несколько крупных заказов, а заодно и средства на то, чтобы спроектировать и построить собственный дом-студию.

Название усадьбы «Виттреск», похрустывающее на языке, словно сухая еловая веточка, — не финское, а шведское. Оно переводится со старошведского как «Белое озеро» (hvitträsk; в современном написании — vitträsk). Усадьба расположена в живописной уединенной местности на высоком берегу одноименного озера. Название самого озера, по одной из версий, связано с высоким содержанием соли в его водах ([14];[15]).

В 1901 году друзья-архитекторы приобрели здесь участок земли — имение Marievik, и в ближайшие несколько лет поросший соснами утёс украсился целым комплексом строений ([1];[3];[17];[18]). Это было убежище от шума городской жизни, которое молодые зодчие построили для себя, своих родных и близких, друзей и помощников.

Архитектурное трио предпочло не присоединяться к знаменитому творческому сообществу, сформировавшемуся к тому времени на берегах озера Туусуланярви, к северу от столицы (там, в частности, находились усадьбы Пекки Халонена, Яна Сибелиуса и Ээро Ярнефельта) ([18];[27]), а остановило свой выбор на более укромном районе к западу от Хельсинки. Свою роль в этом, видимо, сыграла исключительная красота пейзажей вокруг озера Виттреск и тишина, располагающая к сосредоточенной работе.

Место для загородной усадьбы было выбрано очень удачно: с одной стороны, невероятно живописная изолированная местность, нетронутая природа и возможность жить и работать вдали от столичной суеты, с другой — наличие необходимых транспортных связей. Дело в том, что, несмотря на уединенность, район не был оторван от цивилизации: рядом проходила железная дорога, что позволяло быстро добраться до Хельсинки. Сообщение по воде тоже присутствовало. Как ни стремились архитекторы к тишине и покою, они не могли себе позволить жить как отшельники: необходимо было контролировать ход работ на различных объектах и общаться с клиентами ([17];[18];[27]).

Уже в первый год был готов флигель — так называемая Малая вилла (по-фински Pieni huvila, по-шведски Lilla villan) (на фото ниже показана ее угловая башня), а в 1903 году было завершено строительство главного усадебного дома, и усадьба стала обитаема.

Каждый из архитекторов проектировал свою часть дома ([14];[18];[28]). Южное крыло главного здания заняли Элиэль Сааринен и его жена Матильда (Mathilda Gyldén) (1877-1921), Армасу Линдгрену с семьей досталось северное крыло, а на Малой вилле — там, где сейчас находится кафе и ресторан, — стал жить холостяк Герман Гезеллиус со своей сестрой Лоей (Луизой) (Louise или Loja Saarinen/Gesellius) (1879-1968), которая недавно вернулась из Парижа, где изучала скульптуру ([1];[2]; [28];[29]).

Примерно до 1906 года продолжалось оформление интерьеров коврами, декоративной живописью, мебелью и витражами. В этих работах архитекторам активно помогал художник Аксели Галлен-Каллела [14].

Напоминаем, что подробное описание интерьера виллы и фотографии комнат вы найдете в отдельной заметке.

В 1903-1905 годах усадьба Виттреск служила компаньонам одновременно и домом, и студией их легендарного архитектурного бюро. Собственно офис размещался в одноэтажном корпусе, соединявшем две жилые части главного здания [17]. Именно в этом загородном ателье были разработаны проекты таких знаковых финских построек эпохи национального романтизма, как Национальный музей (1901-1912; проект Гезеллиуса, Сааринена и Линдгрена) и Центральный железнодорожный вокзал Хельсинки (1904-1914; проект Сааринена). Другие сотрудники бюро также проживали в усадьбе [1].

Несмотря на идиллическую атмосферу, общие идеалы и творческие устремления обитателей усадьбы, их отношения — профессиональные и личные — складывались непросто. В 1903 году брак Элиэля и Матильды распался. Впрочем,  развод не стал для них трагедией: Элиэль очень скоро женился на сестре Гезеллиуса — Лое и прожил с ней до конца своих дней, а Матильда вышла замуж за Гезеллиуса и тоже была рядом с ним до его смерти. Так эти четверо нашли друг друга и свое счастье. Обе свадьбы сыграли в один день, в марте 1904 года ([1];[17]).

Гостивший в усадьбе композитор Густав Малер не совсем не точно, но очень живо описал эту любовную рокировку: «Эти два архитектора, два очень симпатичных молодых человека, женаты на таких же юных молодых женщинах и живут очень весело вместе. Правда, где-то примерно год назад они заскучали и поменялись женами, и вот уже год живут всё так же весело» [12].

Однако содружество архитекторов подходило к концу. Уже в 1905 году Линдгрен с женой и детьми переехал обратно в Хельсинки: работа требовала его постоянного присутствия в столице, да и творческие разногласия всё больше подтачивали отношения в триумвирате ([17];[18]). Этот год стал последним в истории существования архитектурного бюро Gesellius-Lindgren-Saarinen ([1];[2]).

После распада бюро

С 1905 по 1916 год усадьба Виттреск оставалась домом и мастерской двух архитекторов: Элиэля Сааринена и Германа Гезеллиуса. Они продолжали сотрудничество до 1907 года, после чего каждый занялся самостоятельной практикой [27]. Гезеллиус с Матильдой после отъезда Линдгрена перебрались в северное крыло главного дома, где заменили мебель и переделали интерьеры в соответствии со своими потребностями (у них с Матильдой не было детей) [18]. Сааринен с Лоей по-прежнему жили в южном крыле. В их браке родилось двое детей: дочь Эва-Лиза (Пипсан) (1905-1979) (Eva-Liisa/Pipsan), ставшая дизайнером, и сын Ээро (Eero Saarinen) (1910-1961), впоследствии — выдающийся американский архитектор ([17];[29]). (Тот факт, что Виттреск является домом, где родился и вырос всемирно известный Ээро Сааринен, уже в наши дни сыграл роль в решении сохранить и бережно отреставрировать усадьбу).

В 1912 году Гезеллиус заболел и в 1916 году скончался от рака, а Матильда уехала в Париж, и вся усадьба перешла во владение Сааринена ([1];[6];[11]). После того как Виттреск полностью перешел в его распоряжение, Сааринен добавил к вилле ряд наружных элементов, в том числе лоджии и террасы по своему вкусу [5]. Лоя увлеченно занималась садоводством ([27];[29]).

В 1923 году Сааринен, на волне интереса, вызванного его проектом на конкурсе офиса Chicago Tribune в Чикаго, а также под влиянием ухудшающейся экономической обстановки в Финляндии, переехал с семейством в США [25]. Финский зодчий стал профессором архитектуры Мичиганского университета, а затем долгие годы работал в уникальном образовательном центре дизайна и архитектуры Кренбрук (Cranbrook): проектировал многочисленные здания этого комплекса, преподавал, а в 1932 году возглавил в Кренбруке Академию искусств ([24];[29]). Лоя тем временем открыла собственную студию авторского текстиля.

Несмотря на успешную карьеру в США, усадьба Виттреск была для Саариненов самым дорогим местом на земле. Они постоянно вспоминали об оставленном гнезде и волновались, как во время их отсутствия ведутся дела, в каком состоянии поддерживается дом и сад. На хозяйстве оставались сестра Лои, Ольга, и приятели Саариненов — Йоханнес и Рита Эквист, и в своих обстоятельных письмах Лоя давала указания относительно того, что посадить, какой персонал нанять и что приготовить к их летнему приезду ([27];[29]).

Элиэль и Лоя не могли забыть уютных комнат своей финской виллы и исправно возвращались сюда каждое лето — до 1946 года. При этом формально усадьба Виттреск оставалась их летней резиденцией до 1949 года ([1]; [5]; [18];[27];[28];[29]).

Гостеприимный дом

Рассказ об истории виллы Виттреск будет неполным, если не затронуть приятную тему усадебного быта и развлечений. Архитекторы Элиэль Сааринен, Герман Гезеллиус и Армас Линдгрен, может, и любили относительное уединение, но с удовольствием принимали у себя друзей, устраивали застолья и вечеринки, и их дом всегда был открыт для гостей.

Усадьба в течение целого десятилетия являлась одним из центров художественной жизни не только Хельсинки, но и всей Финляндии [3].

В широкий интернациональный круг гостивших в доме творческих личностей входило немало интеллектуалов и выдающихся деятелей из самых разных областей искусства. Здесь бывали такие знаменитости, как австрийский композитор Густав Малер, финские композиторы Ян Сибелиус и Роберт Каянус, финский художник Аксели Галлен-Каллела, шведский скульптор Карл Миллес, венгерский скульптор и архитектор Геза Мароти, русский писатель Максим Горький, немецкий критик Юлиус Мейер-Грефе ([6];[7];[13];[14];[27];[29]). Приезжали и любители искусства, жившие на соседних виллах.

Мейер-Грефе остался под впечатлением от широты интересов своих финских друзей («Мы говорили о Финляндии, “Калевале”, а также о Бёрдсли, Морисе Дени и Европе» [29]), а Густава Малера вилла очаровала романтическим расположением среди лесов, восхитительным интерьером, добротой и щедрым гостеприимством хозяев [14]. В главной гостиной виллы Галлен-Каллела написал портрет композитора.

В усадьбе подолгу гостили Эрик Эрстрём (Eric Otto Woldemar Ehrström) и его жена Ольга Гуммерус-Эрстрём (Olga Gummerus-Ehrström). Ученик Галлена-Каллелы, Эрстрём был невероятно разносторонним художником и дизайнером, и Сааринен привлекал его к работам над оформлением комнат в усадьбах Виттреск и Суур-Мерийоки [5]. Ольга Гуммерус-Эрстрём также была талантливой художницей. Во время осмотра интерьеров виллы мы сможем увидеть разработанные Эрстрёмом чудесные художественные изделия из металла, а также интригующий витраж по эскизам Ольги Гуммерус-Эрстрём.

Гостей Виттреска привлекала сердечная атмосфера загородной виллы, интересные собеседники, красивая природа и вкусные угощения. Хозяева готовили блюда из местных даров природы — грибов и ягод, озерной рыбы. Фирменным десертом Лои Сааринен считался черничный пирог ([17];[27]). Не обходилось и без хорошей выпивки. Сибелиус в шутку или всерьез писал о заведенной в усадьбе традиции поить каждого новоприбывшего до потери сознания: «Мало кто мог сравниться с хозяевами, которые после двух бутылок водки проверяли степень своей трезвости, стоя на одной ноге и держась за чугунное кольцо, вмонтированное в камин» [12].

В обычные дни в усадьбе тоже не скучали, благо здесь всегда постоянно присутствовало большое веселое общество: напомним, что, помимо самих архитекторов и их семей, под одной крышей жили их коллеги и ассистенты. Многие друзья и члены семьи архитекторов одновременно являлись партнерами или клиентами их бюро. Все эти люди не только вместе работали, но и отдыхали. Усадебный быт оживляли разнообразные увеселения и затеи, о которых свидетельствуют сохранившиеся архивные фотографии. Спортивные занятия на озере Виттреск (источник [11]):

Семьи Элиэля Сааринена и Гезы Мароти на лыжной прогулке (источник [17]):

Обитатели Виттреска играли в бильярд и салонные игры, уважали спорт: зимой катались на лыжах и коньках, летом катались на лодках и рыбачили, играли в бадминтон и теннис ([7];[11];[17]) (источник фото: [19]).

Виттреск становится музеем

В 1949 году, за год до своей смерти, Сааринен продал любимую усадьбу чете Вуорио (Vuorio). После банкротства последней, в 1968 году, усадьбой завладел банк — Kansallis-Osake-Pankki, у которого ее через год выкупил фонд семьи Вуорио. В 1969 году состоялся аукцион движимого имущества, южное крыло главного здания решено было преобразовать в музей, а Малая вилла стала рестораном. В северном крыле позднее разместилась гостиница [1].

В 1971 году усадьба Виттреск открылась для публики как музей, а еще через десять лет была выкуплена финским государством. В 1996 году в комплексе начались ремонтные и реставрационные работы; в 1997-1998 годах был отреставрирован музейный сад. В 1999 году музей закрылся на реконструкцию.

В 2000 году музей-усадьба Виттреск был передан Национальному совету по сохранению памятников древности (Museovirasto) и открыт для публики после завершения работ. Значительную часть подлинной обстановки удалось вернуть на свое место [2]. Недостающие предметы мебели, а также напольное покрытие и обои были воссозданы по историческим фотографиям и чертежам [17]. Описание и фотографии интерьеров виллы вы найдете во второй части отзыва.

В 2002 году северное крыло было модернизировано и приспособлено для проведения семинаров и конференций [1].

Музей-усадьба Виттреск является филиалом Национального музея Финляндии.

Самостоятельная экскурсия по усадьбе Виттреск. Архитектура зданий

Предлагаем теперь вместе с нами прогуляться по усадьбе, а потом заглянуть в главный дом-студию, где теперь устроен музей с подлинными интерьерами в стиле финского «северного модерна». (Описание и фотографии интерьеров виллы вы найдете во второй части отзыва).

Собственно говоря, побродить по территории усадьбы Виттреск, не заходя в главное музейное здание, можно бесплатно. И хотя мы всячески рекомендуем потратиться на билет и оценить дивные интерьеры, осмотреть постройки снаружи и оценить их с разных ракурсов тоже очень интересно.

Не упустите возможности обойти вокруг виллы и спуститься к озеру: природа здесь завораживает своей красотой и чистотой!

Загородный комплекс Виттреск занимает территорию около 16 гектаров [27]. На участке расположены главное усадебное здание (южное крыло которого занимает музей, а северное — конференц-центр), Малая вилла (ныне кафе и ресторан), парковка, хозяйственные постройки, а также сауна. Чуть поодаль находится могила архитекторов Элиэля Сааринена и Германа Гезеллиуса. Все эти объекты хорошо видны на плане усадьбы Виттреск:

Комплекс имеет свободную асимметричную планировку и соотнесен соотнесены по высоте с перепадами неровного рельефа ([5];[18];[24]). Основная часть усадьбы выстроена вокруг внутреннего двора, превращенного в ряд садовых террас с разнообразными цветами, кустарниками и зарослями винограда. Двор является неотъемлемой частью всего ансамбля — завершенного архитектурно-ландшафтного комплекса. Подобная группировка построек вокруг главного двора характерна для традиционной финской фермы и одновременно и напоминает о средневековом доме-замке ([5];[18]).

Если посмотреть на дом со стороны двора, может показаться, что он совсем невелик, однако, оказавшись внутри, убеждаешься, как обширна на самом деле вилла. Благодаря хитроумной планировке архитекторы умело «спрятали» внутри скромной постройки десятки комнат! (Подробное описание и фотографии интерьеров виллы Виттреск можно найти во второй части отзыва).

Особая прелесть усадьбы Виттреск — в том, как безукоризненно сооружения вписаны в ландшафт, как тесно они связаны с камнями, озером, лесом (к сожалению, сильно поредевшим в последнее время из-за масштабной вырубки [10]).

Крайне важную роль при этом играет выбор материалов, умение подчеркнуть их естественную природу с учетом окружающей виллу первозданной красоты.

Главное усадебное здание, расположенное на высоком лесистом утёсе с видом на озеро Виттреск, было построено в 1902-1903 годах. Эта изысканная вилла в стиле финского «северного модерна» (национального романтизма) прославила имена Сааринена, Гезеллиуса и Линдгрена и стала важным толчком к развитию нового архитектурного течения в Финляндии ([4];[18]).

Как мы помним, на первых порах здание служило общей мастерской и жилищем Сааринена и Линдгрена, которые занимали, соответственно, южное и северное крыло, соединенные центральным одноэтажным корпусом архитектурной студии (бюро), имевшим отдельный вход со стороны двора. Гезеллиус сначала жил в отдельном флигеле, а после отъезда Линдгрена сменил его в северном крыле. С 1916 года на вилле жила только семья Сааринена, и чудесные интерьеры, которые мы позже увидим, относится именно к их квартире (расположенной в южном крыле).

В основании постройки — массивная каменная кладка из природного гранита. «Случайные» вкрапления в нее необработанных валунов намекают на стихийные силы природы. Стены частично оштукатурены, а вверху имеют колоритное покрытие «чешуйчатым» гонтом (дранкой). Дополнительную живописность вилле придают разнообразные лестницы, эркеры, террасы и балконы.

Дверь северного крыла рождает ассоциации с рыцарскими замками.

Рядом с северным крылом разбит небольшой очаровательный сад.

Сейчас середина апреля, снег уже сошел, и из-под земли показали свои головки крокусы и подснежники.

В дальнем конце сада, на возвышенности среди высоких сосен, стоит уютная деревянная беседка.

Вся пронизанная солнцем, она рисует в воображении идиллические картины летних семейных чаепитий с видом на озерную даль.

Доминантой северного крыла некогда служила высокая квадратная башня, увенчанная верхушкой со шпилем [5]. Эта обитая деревом башня была утрачена при пожаре 1922 года [27], и теперь ее можно увидеть лишь на старых фотографиях (источник фото: [21]). Снабженная башней, усадьба Виттреск еще больше походила на романтический средневековый замок. Обликом этой башни — и всей усадьбы с ее обильным использованием дерева и свободной планировкой — была навеяна архитектура ряда других построек в стиле «северного модерна», расположенных восточнее, в Старофинляндии. Среди них — дача писателя Л. Н. Андреева в Ваммелсуу, автором которой был стажировавшийся у Сааринена Андрей Оль ([32];[45]).

Через некоторое время после пожара, в 1929-1936 годах, пострадавшее северное крыло отстроили заново по проекту сына Элиэля Сааринена — юного зодчего Ээро Сааринена (1910-1961) ([1];[6];[17]).

Исследователи называют усадьбу Виттреск «самой романтичной» из построек Сааринена и его коллег ([4];[24];[28]). Действительно, этот проект во многом является отсылкой к прошлому Финляндии и гимном ее природе. Он неразрывно связан с традицией за счет использования натуральных строительных материалов и элементов народного зодчества. Архитекторы отдают предпочтение природному камню и дереву, и в этом ощутимо влияние карельских традиций, а также идея «древнего» замка ([3];[18]).

При этом создатели усадьбы избегают прямого подражания. Характерно, например, что ни планировка, ни отдельные элементы архитектуры Виттреска не могут быть сведены к образцам карельского зодчества, опубликованным в известнейшей работе финских архитекторов Ю. Бломстедта (Yrjö Blomstedt) и В. Суксдорфа (Victor Sucksdorff) «Карельские постройки и формы декора» (1900) [28]. Да, дерево в то время было «модным» строительным материалом, но единого стиля загородной деревянной виллы не существовало, и ничто не мешало зодчим обращаться к самым разным мотивам и направлениям, тем более что круг интересов Сааринена, Гезеллиуса и Линдгрена был весьма широк.

Проектируя собственный дом-мастерскую, они не только опирались на строительные традиции карельских деревень, но и учитывали достижения ведущих архитекторов Европы того времени. Можно, например, отметить творчество англичан Филипа Спикмена Уэбба (Philip Speakman Webb), Ричарда Нормана Шоу (Richard Norman Shaw), Чарльза Френсиса Войси (Charles Francis Voysey) и других представителей Движения искусств и ремёсел (Arts & Crafts), которые уделяли большое внимание использованию местных строительных материалов и заботились о связи помещений дома с участком [3]. Известно, что Элиэль Сааринен и двое его друзей-архитекторов с интересом читали популярный английский журнал «Студио» (The Studio), в котором публиковались проекты усадебных построек упомянутых авторов ([4];[6];[28]).

К английской и американской архитектурной традиции восходит, например, покрытие стен виллы гонтом [17]. Одновременно этот элемент может считаться данью местной традиции: в средние века в Финляндии подобные деревянные пластины использовались для покрытия церковных крыш, а в XIX веке этот не требующий особых затрат метод был воспринят народной сельской архитектурой, особенно на западе Финляндии [28]. В высокой черепичной крыше усматривают сходство с сельскими постройками Северной Европы и США ([17];[24]). Другими характерными англосаксонскими чертами в облике виллы могут считаться формы дымоходов, арочные дверные проемы и обилие террас ([17];[18]).

Как видите, неординарное жилище вобрало в себя целый букет архитектурных влияний, с легкостью соединяя элементы разных эпох и регионов — от крестьянских карельских домов, средневековых замков, церквей и построек в стиле викингов до европейских шале и американских вилл.

Интересный сплав архитектурных стилей демонстрирует также Малая вилла с примыкающими к ней хозяйственными постройками, стоящая напротив главного усадебного дома, по другую сторону двора (см. план усадьбы).

Напомним, что изначально Малая вилла служила жилищем Германа Гезеллиуса.

Нижняя часть постройки представляет собой массивный цоколь из грубого гранита, а верхняя выполнена в виде бревенчатого сруба, воплощающего традиции и дух карельского народного зодчества. Фольклорные мотивы придают дому вид сказочной избушки. С угла имеется круглая башенка со «шлемом» — очередная отсылка к средневековым мотивам.

Фасад заднего корпуса полностью покрыт гонтом. Такую же живописную «чешуйчатую» отделку имеет выступающий объем открытой веранды с колоннами.

Сейчас в здании открыто кафе и ресторан Hvitträsk со столиками как внутри, так и на открытой террасе.

Предлагаем теперь спуститься по крутой деревянной лестнице от главного усадебного дома к озеру, на берегу которого расположился обязательный атрибут финского жилища — сауна.

Сауна усадьбы Виттреск, выполненная в виде традиционной бревенчатой постройки, была построена по проекту известного финского архитектора Рейма Пиетиля (Reima Pietilä) в 1973-1975 годах [5], то есть когда комплекс уже был превращен в музей.

В настоящее время любой желающий может арендовать сауну [20], вволю попариться и искупаться в прохладном озере.

У сауны — пристань, где приятно медитировать, наслаждаясь видом на озеро и сосны. Весна в этом году ранняя, и озеро уже почти очистилось ото льда.

Вода в озере чистейшая, кругом ни души — лишь солнце и тишина убаюкивают и настраивают на мечтательное настроение.

Со стороны озера особенно хорошо видно, почему виллу так часто сравнивают со средневековым замком. Отсюда она действительно воспринимается как неприступная твердыня.

«Средневекового» ощущения добавляют массивные двери.

Пройдя вдоль «озерного» фасада, видим лестницу, которая приведет нас к живописной террасе южного крыла. В этом же месте есть второй спуск к озеру — тропинка (более длинная, но зато не такая крутая, как лестница).

В этой части усадьбы та самая «слитность с ландшафтом», которая так удавалась финским архитекторам, достигает апогея: настолько стираются грани между рукотворным и природным, что уже трудно понять, появились ли эти сооружения по воле архитекторов или же были частью пейзажа испокон веков.

Массы каменистого основания дома и отвесные стены террасы вырастают как будто бы прямо из скалы.

Поднимаясь на террасу, не пропустите причудливый барельеф «Вечность» известного финского художника Аксели Галлена-Каллелы [21].

В нижней части террасы устроен подвал, а на самой террасе Сааринен и его друзья когда-то устраивали банкеты под открытым небом.

Могилы архитекторов Сааринена и Гезеллиуса

Элиэль Сааринен (1873-1950), Герман Гезеллиус (1874-1916) и Лоя Сааринен (Гезеллиус) (1879-1968) похоронены рядом с усадьбой Виттреск, на склоне лесистого холма над озером.

Чтобы попасть к захоронениям, нужно сначала пройти по глинистой местности немного под горку, а затем спуститься по неказистой лестнице.

Раньше спуск к могилам обрамляли шеренги вековых деревьев. К сожалению, в последние годы пейзаж пострадал от масштабной — и не всегда обоснованной — вырубки [10]. Единственный плюс в том, что озеро стало просматриваться лучше.

На гладко отполированном граните у могилы выбита надпись с девизом Сааринена: «Труд есть ключ к творческому росту человеческого духа». На вмонтированной в скалу плите высечены имена усопших.

Для справки: поворот к могилам находится по правую руку от дороги, ведущей ко входу в усадьбу, и отмечен указателем (впрочем, не слишком приметным). Чтобы лучше сориентироваться, стоит посмотреть расположение могил на плане усадьбы.

Практическая информация о посещении музея-усадьбы Виттреск: часы работы, стоимость билетов. Как добраться до музея-усадьбы Виттреск

Музей-усадьба Виттреск (Hvitträsk) находится в Киркконумми (Kirkkonummi), примерно в 30 км от Хельсинки. Посмотреть расположение комплекса на карте можно тут.

Часы работы музея. Музей-усадьба Виттреск открыта с 1 марта по 18 декабря со среды по воскресенье с 11:00 до 17:00. Во второй половине декабря, а также в январе и феврале музей закрыт. Музей также закрыт в некоторые праздничные дни. Советуем заранее уточнять режим работы на официальном сайте.

Часы работы кафе и ресторана Hvitträsk обычно совпадают с графиком работы музея. При желании можно уточнить их на сайте ресторана.

Цена билетов. Стоимость входного билета в музей-усадьбу Виттреск составляет 9 евро для взрослых и 6 евро для студентов и пенсионеров. Билет для детей от 7 до 17 лет стоит 3 евро; для детей младше 7 лет посещение бесплатно. Существует также семейный билет стоимостью 20 евро (для 2 взрослых и 1-4 детей).

Гулять по территории усадьбы Виттреск можно бесплатно. Платным является только посещение музейного здания — главного усадебного дома (квартиры и студии Сааринена) (см. план усадьбы).

Фотографировать внутри виллы Виттреск разрешено. Отдельная плата за это не взимается.

Отзывы других туристов о посещении музея-усадьбы Виттреск можно прочитать тут.

Как самостоятельно добраться до музея-усадьбы Виттреск?

Как уже было сказано, дача-студия Виттреск находится в Киркконумми. Официальный адрес комплекса: Hvitträskintie 166, Luoma (Kirkkonummi). Если у вас автомобиль, то приехать сюда не составит труда, тем более что на территории имеется бесплатная парковка (см. план усадьбы). Если же вы путешествуете без машины, то добраться до музея-усадьбы Виттреск тоже можно, хотя это и не так просто. Возможные варианты маршрутов с использованием общественного транспорта описываются ниже.

Имейте в виду, что поскольку в системе общественного транспорта Хельсинки HSL Киркконумми относится к 3 зоне (Three-zone extended regional ticket), заплатить за поездку придется 8 евро в одну сторону. Такой билет действителен в течение 100 минут, то есть вы можете свободно совершать пересадки. Срок действия отпечатан на самом билете. Приобрести билет можно в автомате или у водителя, цена в данном случае будет одинаковой. Единственное, срок действия билета, приобретенного в автомате, будет на 10 минут больше.

Общее время в пути на транспорте — около 1 часа. Плюс примерно полчаса пешком.

Для поиска расписания и подбора удобного маршрута рекомендуем пользоваться сервисом планирования маршрутов. В качестве пункта назначения следует указывать Luoma, Kirkkonummi. Это название ближайшей к музею автобусной остановки.

1. АВТОБУСНЫЙ ВАРИАНТ ДЛЯ ВЫХОДНЫХ ДНЕЙ. Ниже описан пример поездки для субботы (в воскресенье нужно будет делать пересадки на других остановках — сверьтесь с планировщиком маршрутов!).

В центре Хельсинки (удобнее всего на Камппи) необходимо сесть на автобус № 173 (направление — Upinniemi) и ехать примерно 30 минут до остановки Jorvaksenkuja (или другой — зависит от времени поездки; см. планировщик маршрутов). Там перейти дорогу (!) и пересесть на автобус № 911 (направление — Kauklahti). На этом автобусе нужно проехать примерно 10 минут до остановки Luoma. Теперь остаётся пройти пешком до музея-усадьбы Виттреск чуть меньше 2 км.

Маршрут достаточно очевиден, тем более что по пути встречаются указатели. Посмотреть пешеходную часть маршрута на карте можно тут.

ВНИМАНИЕ: для подготовки к поездке пользуйтесь вкладкой «Transfer maps» (Карты пересадок). Вы увидите подобные карты пересадок. В данном случае, например, хорошо видно, что для пересадки на второй автобус нужно будет перейти дорогу. Это важно, поскольку в данном случае мы, по сути, частично возвращаемся. Но в выходной день маршрут иначе не построить.

Обратно уехать удобнее всего так: сначала вернуться пешком на остановку Luoma, затем сесть на автобус № 911 и ехать до остановки Ingvalsby, после чего пересесть на автобус № 173 и ехать до центра Хельсинки (напомним, что это маршрут для субботнего дня; маршруты для других дней уточняйте с помощью планировщика маршрутов).

Заметим, что вышеописанный вариант дороги (туда и обратно) опробован нами лично. Всё получается ровно так, как описано. Транспорт ходит четко по расписанию. Чтобы не проехать свою остановку, следите по навигатору (если он у вас есть) или обратитесь за помощью к водителю. К сожалению, остановки не слишком заметны (столбик с небольшим синим флажком), а без требования водитель на них не останавливается. Планируйте маршрут заранее, внимательно смотрите расписание, чтобы не потерять драгоценное время! В выходные дни транспорт ходит редко!

ПРИМЕЧАНИЕ. Вместо автобуса № 173 подойдет автобус № 165N, хотя он ходит не слишком часто. От Камппи (направление — Espoonkartano) на нем нужно будет доехать до остановки Puikkari (или Hansakallio; это зависит от того, в какое время вы едете, — сверьтесь с планировщиком маршрутов!), а затем пересесть на автобус № 911 (направление — Kirkkonummi, то есть в данном случае дорогу переходить не надо, мы продолжаем движение в том же направлении) и ехать до остановки Luoma.

2. АВТОБУСНЫЙ ВАРИАНТ ДЛЯ БУДНИХ ДНЕЙ. В будние дни рекомендуем воспользоваться автобусом № 171 ВМЕСТО автобуса № 173 (171-й он ходит чаще, да и маршрут получается более логичным).

Сначала нужно будет доехать от Камппи на автобусе № 171 (направление — Kirkkonummi) до остановки Masalan kirjasto, затем пересесть на автобус № 911 (остановка называется Masala) (направление — Kauklahti) и ехать до остановки Luoma. Теперь остаётся пройти пешком до музея-усадьбы Виттреск чуть меньше 2 км.

3. ВАРИАНТ С ЭЛЕКТРИЧКОЙ И АВТОБУСОМ (возможен в любой день, кроме воскресенья). От главного вокзала Хельсинки можно доехать на электричке до станции Kauklahden asema, а там пересесть на автобус № 911 (остановка называется Hansakallio) (направление Kirkkonummi) и ехать до остановки Luoma.

♦♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Официальный сайт музея

2. Статья в Википедии о вилле Виттреск

3. Курбатов, Ю. И. Хельсинки: образы города. - Санкт-Петербург: Коло, 2013

4. Кириллов, В. В. Архитектура «северного модерна». - Москва: Эдиториал УРСС, 2001

5. Malcolm Quantrill. Finnish Architecture and the Modernist Tradition

6. Gennaro Postiglione. One Hundred Houses for One Hundred European Architects of the Twentieth Century

7. Выставка «Гости Виттреска»

8. Уютное вдохновение: вилла Э. Сааринена Виттреск

9. Фото студии в Виттреске в 1910-е гг.

10. О вырубке деревьев вокруг Виттреска

11. Музей-усадьба Виттреск (Финляндия, Эспоо), отзывы

12. Анастасия Углик, Ральф Айбл. Родовая усадьба Ээро Сааринена

13. Erik Tawaststjerna. Sibelius

14. Henry-Louis de La Grange. Gustav Mahler: Volume 3. Vienna: Triumph and Disillusion (1904-1907)

15. Отзыв об усадьбе Виттреск на блоге о путешествиях

16. Фотографии интерьера виллы Виттреск, архивные фотографии семьи Сааринен

17. Подробная история и описание усадьбы Виттреск на блоге Варвары Кольцовой 4m-history.blogspot.ru

18. Екатерина Дубровская. Виттреск: дом, как произведение искусства// Исторический журнал. - 2012. - № 6

19. Проект Partage Plus

20. Сайт ресторана Hvitträsk

21. Старинные и современные фотографии усадьбы Виттреск и ее обитателей

22. Усадьба-студия Виттреск: изразцовые печи

23. Julieanna Preston. Occupations of Interior Surface

24. Быстрова, Т. Ю. От национального романтизма к технической рациональности: Элиэль Готтлиб Сааринен (1873-1950) // Академический вестник УралНИИпроект РААСН. - 2012. - № 2. - С. 50-57

25. Биография Элиэля Сааринена

26. Арка в Сент-Луисе, проект Ээро Сааринена

27. Усадьба Виттреск: работа и любовь

28. Fabienne Chevallier. L'œuvre d'Eliel Saarinen en Finlande et la question de l'architecture nationale de 1898 à 1909

29. Лоя Сааринен в усадьбе Виттреск

30. Joanna Banham. Encyclopedia of Interior Design

31. Лоя и Элин Сааринен

32. Jeremy Howard. Art Nouveau: International and National Styles in Europe

33. Краткое описание усадьбы Виттреск

34. Художник и дизайнер Эрик Эрстрём

35. Изображение виллы Виттреск работы Эрика Эрстрёма

36. Ээро Сааринен и Хельсинки

37. Национальный романтизм в архитектуре Финляндии

38. Виттреск (Hvitträsk), фотоотчет в журнале v-murza

39. Проекты М. Х. Бейлли Скотта

40. Ильин А. В. Концепция «Идеального дома» в архитектуре английского «Движения искусств и ремесел» // Вестник Московского государственного университета культуры и искусств, выпуск № 6 (62) / 2014

41. Об однодневной экскурсии «Киркконумми - Виттрэск»

42. Каталог предметов обстановки виллы Виттреск с фотографиями и краткой информацией

43. Дом Сааринена: вилла Виттреск

44. Проект Элиэля Сааринена для офиса Tribune Tower

45. Кириков, Б. М. Архитектура петербургского модерна. Особняки и доходные дома. - СПб. : Коло, 2006

Недавно мы рассказали о Художественном музее Дидрихсена в Хельсинки — уютной художественной галерее, где скульптура и архитектура гармонично сливаются с окружающей природой. Музей размещается на острове Куусисаари, почти на берегу моря. Место уединенное и очень тихое. Лучшего и не придумаешь, чтобы неторопливо наслаждаться искусством и северными пейзажами.

До последнего времени музей был закрыт на реконструкцию, и вот вновь стал доступен для туристов, причем почти сразу после открытия «выстрелил» неординарным событием: выставкой Эдварда Мунка «Танец жизни». Прелесть выставки — в любопытном подборе экспонатов, среди которых есть как известные шедевры художника, так и редкости, не всегда знакомые даже его поклонникам. Всего представлено около 50 произведений Мунка, живописных и графических. Важность события заключается еще и в том, что это первая за последние 15 лет выставка работ великого норвежского экспрессиониста в Финляндии.

Во время последнего приезда в Хельсинки нам совершенно неожиданно удалось побывать на выставке «Танец жизни», и теперь мы готовы рассказать о наиболее интересных моментах экспозиции и поделиться сделанными фотографиями (как ни странно, несмотря на строгие меры безопасности, фотосъемка на выставке не запрещена).

Выставка невелика (всего демонстрируется около 50 работ), но даёт неплохое представление о творчестве Мунка (как живописном, так и графическом) и знакомит с основными этапами его жизни. На долю Эдварда Мунка (1863-1944) выпало много невзгод: болезни, потери близких, неудачи, страхи — и все эти переживания смог передать в своем искусстве. Особенно близки по духу ему были Кьеркегор и Достоевский, книги которого он зачитывал до дыр. В своем творчестве Мунк тоже старался проникнуть в «мистическое царство души». Он изображал обнаженные эмоции, чувства отчуждения, отчаяния, утраты. Трагический мир его произведений сильно воздействует и на сегодняшнего зрителя. «Без тревоги и болезней я — как корабль без руля... Мои страдания — неотъемлемая часть меня и моего искусства. Они неотделимы от меня», — писал норвежский художник. В каком-то смысле можно считать, что Мунк стал продолжателем напряженно страстного искусства Ван Гога.

В гостях у коллекционера

Музей Дидрихсена, в котором до февраля 2015 года будет проходить выставка Эдварда Мунка, находится в 20 минутах езды на автобусе от Центрального вокзала Хельсинки (подробнее о том, как добраться). От остановки шагаем направо, следуя указателю. Несколько минут — и мы на месте.

На подходе к вилле Гуннара Дидрихсена, в которой как раз и размещается музей, любуемся разнообразными произведениями современных скульпторов: финских и не только. В частности, музей славится крупнейшей в скандинавских странах коллекцией работ Генри Мура. Скульптуры сопровождают нас на всем пути к дому. Всяческие инсталляции также можно увидеть в другой части парка виллы, у побережья.

Итак, мы у входа. Заполненный водой бассейн, уютная гостиная (библиотека) с камином, книжными полками, гостеприимными креслами и даже фонтаном — всё создаёт впечатление, будто хозяева по-прежнему живут в этом доме. Видимо, нынешние владельцы — дети основателей музея, датского бизнесмена и коллекционера Гуннара Дидрихсена (1903-1992) и его жены, — решили максимально сохранить прежнюю обстановку, знакомую им с детства.

Подробнее об истории музея, его основателях и их коллекции читайте в отдельной заметке.

Среди прочих вещей, постоянно присутствующих в комнате, нельзя не заметить необычный скульптурный портрет покойных хозяев. Композицию «Мария-Луиза и Гуннар Дидрихсен» (1985) создала финский скульптор Лайла Пуллинен.

На время выставки Эдварда Мунка гостиная пополнилась привнесенными экспонатами, которые, однако же, превосходно вписались в интерьер и воспринимаются совершенно естественно.

Мы видим, например, портретный бюст Мунка (1886), а также бюст Рольфа Стенерсена. Последний был биржевым брокером, коллекционером и меценатом, другом и финансовым советником Мунка. Он также написал биографию художника (1944; переведена на русский и выпущена в 1972 году в серии «Жизнь в искусстве»). Изображение Стенерсена не случайно присутствует на выставке: большинство представленных на обозрение картин относятся как раз к его коллекции, которой теперь распоряжается Музей Мунка в Осло.

Рядом висит небольшой портрет Эдварда Мунка (1895), который написал известный художник Аксели Галлен-Каллела. С финским коллегой Мунк познакомился и подружился в Берлине, где оба они вращались в интернациональном кружке символистов, куда входили, в частности, Густав Вигеланн, Август Стриндберг, Станислав Пшибышевский и его жена Дагни Юль, Кристиан Крог и его жена Ода Крог. Все эти деятели, скандинавские и не только, были завсегдатаями артистического кафе «У черного поросенка». В 1895 году, также в Берлине, состоялась совместная выставка Мунка и Галлена-Каллелы.

На этом основные экспонаты гостиной Дидрихсенов заканчиваются, и можно переходить собственно к выставке. Но перед этим не пропустите оригинальную забаву: попытайтесь представить себя персонажем самой известной картины Мунка — «Крик». Ни одну из существующих версий этой «иконы экспрессионизма» на выставку не привезли (если не считать литографию), и в качестве компенсации посетителям предоставлена возможность самостоятельно «войти в картину». Достаточно встать на специальный коврик, состроить гримасу на выбор — и ваше искаженное лицо появится на экране с репродукцией «Крика», в точности на месте головы этой охваченной ужасом фигуры.

Необычная интерактивная инсталляция под названием «Это я?» была изначально сделана для другой выставки (то была выставка на тему психического здоровья «Heureka Goes Crazy», проходившая в музее «Эврика», недалеко от Хельсинки), а теперь перекочевала сюда. В такой развлекательной форме создатели «живой репродукции», видимо, хотели показать, что чувства одиночества и отчаяния не чужды ни одному человеку и мунковский «Крик» универсален.

Прежде чем идти дальше, можно заглянуть в туалет. Этот уголок тоже выглядит как часть обитаемого жилого дома, а не музея. При входе — книги из собрания Гуннара Дидрихсена и его фотопортрет. Вид из окна на улицу умиротворяет.

В гостиной Дидрихсенов так хорошо, что хочется остаться подольше, утонув в мягких креслах. Но нам пора переходить в собственно музейную часть дома, где и разместилась выставка.

Выставочные залы. Картины и графика Мунка

Пройдя через металлодетектор (обычное дело во многих европейских музеях, но для Финляндии подобные меры безопасности — нечто экстраординарное), оказываемся непосредственно в выставочных залах.

Костяк выставки, как уже было сказано, составили произведения из коллекции Рольфа Стенерсена, предоставленные Музеем Мунка в Осло. Также своими экспонатами поделились Национальная галерея Осло, Художественный музей Гётеборга, стокгольмская галерея Тиля (Тильская галерея), стокгольмский Музей принца Евгения Вальдемарсудде, Художественный музей Турку и Художественный музей Атенеум.

Среди наиболее известных работ Мунка из собрания Стенерсена на выставке можно увидеть полотна «Танец жизни» и «Меланхолия».

Картина «Танец жизни» (1921) дала заглавие всей выставке. Строго говоря, картин под таким названием у Мунка несколько. Например, в Национальной галерее Осло можно увидеть самый ранний (и самый известный) «Танец жизни» 1899-1900 года — одну из ключевых картин мунковского цикла «Фриз жизни», посвященного темам любви, страха и смерти. Существует также довольно схожий с ним вариант 1925 года. В данном же случае перед нами третья версия — «Танец жизни» 1921 года. Как пишет в своей биографии Эдварда Мунка его друг Рольф Стенерсен, картина была написана специально для него.

Хотя она и отличается от двух вышеназванных вариантов большей резкостью мазков, контрастностью цветов и расширенным, вытянутым по горизонтали форматом, тема в ней звучит всё та же: жизненный танец-круговорот, «высший ритм природы». Как и в других картинах с аналогичным названием, тут нашли отражение мотивы невинности, эротического влечения, ревности, печали и отчаяния. А еще эту композицию часто трактуют как метафору трех стадий жизни женщины. Сначала она изображена полной надежд, в светлом платье среди цветов, затем — в красном одеянии, в компании мужчины, и наконец, — в черном платье, замкнувшаяся в своем одиночестве. Фактически на полотне запечатлен пейзаж города Осгордстранд, берег Осло-фьорда. Однако, как и во многих других картинах Мунка, грань между изображением реальности и символом здесь стирается.

У картины «Меланхолия» (1911) тоже существует более ранний вариант 1899-1900 года. Вообще-то название «Меланхолия» Мунк часто давал своим картинам, в том числе изображавшим задумчивую мужскую фигуру на берегу фьорда или безутешную семью, собравшуюся в комнате умирающего ребенка.

Но в данном случае мы видим другой сюжет — одинокую женщину. Причем конкретную женщину: на этом полотне Мунк изобразил свою сестру Лауру, которая с подросткового возраста страдала душевным заболеванием (шизофренией). «Болезнь, безумие и смерть были ангелами у моей колыбели и с тех пор сопровождали меня всю жизнь», — писал Мунк.

Картина производит тяжелое впечатление: невидящие черные глаза, кривой рот, ощущение холода, неуюта и полнейшего одиночества. Лаура сидит, замкнутая в своей болезни, застывшая и безмолвная, словно истукан. Интересно, что психически больные люди на картинах Мунка часто смотрят прямо на зрителя, тогда как обычно художники того времени изображали безумие с помощью отвлеченного, направленного в сторону взгляда.

«В своей вечной глухой скорби она не узнавала собственную сестру, которая с любовью обращалась к ней, — она ничего не понимала — ее взгляд был лишен мысли», — вспоминал Мунк. За спиной Лауры в окне, лишенном занавесок, виден пейзаж зимнего фьорда, замерзшего, как и ее мозг. Цветок на круглом столе и скатерть — более живые и дышащие, чем эта женщина. Красный рисунок скатерти тоже символичен: он похож на живую ткань (особенно в первой версии картины). Некоторые исследователи считают, что рисунок напоминает сеть кровеносных сосудов, человеческие легкие, извилины или образец тканей головного мозга — и таким образом символизирует травмированную психику героини.

Известно, что у Мунка были непростые отношения с женщинами: они его одновременно привлекали и пугали, он боялся оказаться в их власти. На эту тему им создано множество произведений, в том числе завораживающая картина «Вампир». Из-под кисти Мунка вышло несколько вариантов этой композиции. На выставке демонстрируется версия 1893 года, которую предоставил Художественный музей Гётеборга. Картина изображает объятие мужчины и женщины с огненно-рыжими волосами на угрожающе-темном фоне, полном зловещих теней. Кажется, что женщина утешает отчаявшегося мужчину, так что сюда скорее подошло бы название «Сострадание» или «Утешение». В отличие от многих других женских образов Мунка, этот кажется не столько демоническим, сколько исполненным нежности.

И действительно — оказывается, сам художник никогда не называл картину «Вампир». Это наименование приклеилось позднее, несмотря на протесты Мунка, который называл ее «Любовь и страдание» («Любовь и боль») и утверждал, что женщина всего лишь целует, а не кусает мужчину в шею. (Вообще Мунк часто позволял торговцам и критикам давать названия своим картинам). Когда полотно впервые показали публике (дело было в Берлине), то оно вызвало возмущение (некоторые увидели в таком изображении страсти извращенные, садомазохистские мотивы; другие сочли, что тут отражены впечатления художника от визитов к проституткам). Несколько десятилетий спустя нацисты окрестили картину образцом «дегенеративного искусства».

Собственно, работы Мунка нередко вызывали скандальную реакцию и нападки критиков. Еще одним примером может служить картина «Больной ребенок» («Больная девочка») (1907), предоставленная на выставку Тильской галерей. Это одна из самых известных картин Мунка; он неоднократно повторял ее, варьируя мазки и краски. Композиция существует не менее чем в шести версиях. Самый ранний вариант «Больной девочки» был создан в 1885-1886 годах и находится в Национальной галерее Осло. В отличие от него, данная версия отличается более яркой, интенсивной цветовой гаммой.

На картине мы видим сестру Мунка Софи. Она умерла от туберкулёза в возрасте 15 лет, в 1877 году (через несколько лет после того, как от той же болезни скончалась мать). «В нашем роду только болезни и смерть. Мы с этим родимся», — говорил художник. Облагороженное смертью лицо девушки повернуто к свету, оно словно сливается с ним, превращается в свет. Для этой картины Мунку позировала полуголодная 12-летняя рыжеволосая девочка, «чахоточно-красивая», с иссиня-белой кожей и хрупким лицом. Рядом с умирающей сестрой, в образе собственной матери, он запечатлел свою тетку, Карен Бьёльстад. Именно она взяла на себя ведение хозяйства в семье Мунков после смерти сестры.

Сам Мунк считал картину «Больная девочка» переломным моментом в своем творчестве, разрывом с реалистическим искусством. Но публика оказалась не готова к этой революции. Первый вариант картины, показанный на Осенней выставке в Осло в 1886 году, ошеломил современников и вызвал бурю критики. Критик Андреас Ауберт писал: «„Больная девочка“ в ее теперешнем виде — это испорченный, наполовину уже стертый набросок. Это неудача».

Сам Мунк позднее вспоминал: «Ни одна другая картина не вызвала в Норвегии такого возмущения. Когда в день открытия выставки я вошел в зал, где она висела, то увидел людей, столпившихся перед картиной. До меня долетели крики и смех». Подобные сцены повторялись потом еще не раз. Казалось, критики соревновались друг с другом в колкости оскорблений. «Они едят на завтрак свежеубитого молодого художника», — с горечью писал Мунк. Позднее картину признали первым шедевром экспрессионизма. Но до этого было еще далеко. Долгие годы молчаливый норвежец был вынужден бороться за свободу творчества, сталкиваясь с непониманием, осмеянием, презрением. Это больно ранило Мунка. С первых лет творчества на него сыпались обвинения в незавершенности и бесформенности его работ. Да, они выглядели скорее как незаконченные наброски, если сравнивать с академическими салонными образцами, но суть как раз в том, что художник намеренно создавал шероховатые, грубые, а не прилизанные, доведенные до совершенства полотна; он хотел передать эмоцию, состояние человека, а не детали его плоти.

Малоизвестная картина «Кабаре» (1885-1886) из коллекции Стенерсена — одно из ранних произведений Мунка. Видимо, здесь нашли отражения впечатления юного художника от поездки в Париж, которую он совершил в 1885 году. В то же время картина — как ни удивительно — имеет отношение к «Больной девочке», являясь своеобразным побочным продуктом творческих поисков и мучительного самоанализа того периода.

История создания картины такова. Под влиянием своего старшего товарища писателя-анархиста Ханса Егера Мунк начал своеобразную терапию самокопания: стал вести записи воспоминаний и наблюдений над собой («препарировать душу») и выплескивать глубоко зарытую прошлую боль, подавленные эмоции в «картинах души», первой из которых как раз и стала «Больная девочка». Пытаясь найти единственно правильную форму выражения своего горя по умершей сестре, Мунк создал несколько «сырых» вариантов этой композиции. Один из них вызвал у него самого такое отвращение своей излишней театральностью и патетичностью, что юный художник перевернул холст и написал на обратной стороне намеренно грубую сцену в кабаре. Танцующая канкан девушка занимает в композиции то же место, что и умирающая Софи, а там, где Мунк изобразил безутешную мать, метавшуюся по полу, появились вожделенно уставившиеся на сцену господа в цилиндрах. Обе героини освещены аналогичным образом, а для придания композиции глубины Мунк использовал один и тот же прием: бутылку, поставленную на стол на переднем плане. В картине «Кабаре» это бутыль с вином, в наброске к «Больной девочке» — с лекарством (в итоговом варианте «Больной девочки» место бутылки занял стакан). Вряд ли можно было избрать более выразительный и циничный способ, чтобы «наказать» себя за чрезмерную экстатичность неудачного варианта картины, противопоставив ей приземленную пошлую реальность.

Проникнутая бесприютной меланхолией картина небольшого формата «Лунный свет. Средиземное море» («Лунная ночь на Средиземном море») (1891-1892) из собрания Национальной галереи Осло — чистый пейзаж, однако, как всегда у Мунка, это не просто картина природы, но еще и отражение психологического состояния художника. Очевидно, картина была написана под воздействием его поездок во Францию (в 1889 году Мунк получил стипендию и отправился учиться в Париж, а в 1891 году по новой стипендии поехал в Ниццу). Береговые пейзажи всегда удавались Мунку особенно хорошо. В основном он, конечно, писал любимую норвежскую природу вокруг Осло-фьорда, но такое впечатление, что черты северной природы просматриваются даже в этом виде французской Ривьеры. Волнообразная линия соединяет воедино передний и дальний план, береговую растительность и горы, простирающиеся за гладью освещенного луной залива.

Картина «На веранде» (1902) из собрания Национальной галереи Осло покоряет особенным задумчивым настроением и яркими осенними красками. Другое ее название — «Дождь».

Дождливая погода и на картине «Лето» (1889) из коллекции Стенерсена. По сравнению с осенью, лето у Мунка предстает более блеклым, пастельным сезоном.

А вот совсем другой жанр: картина «Купальщики» (1907-1908) с изображением обнаженных мужчин на морском берегу — довольно провокативная работа в сезанновской манере. Она была написана Мунком, когда от городской суеты он сбежал на Балтийское побережье, в Варнемюнде. Там он провел полтора года, с небольшими перерывами на поездки в Париж и Берлин. Жизнь в Варнемюнде была для Мунка периодом продуктивной работы, однако личный кризис художника вскоре достиг критической точки. Он много пил. Его мучила депрессия и мания преследования, и в октябре 1908 года Мунк покинул курорт, будучи вынужден согласиться пройти лечение в частной копенгагенской клинике профессора Даниеля Якобсона.

Во время пребывания в Варнемюнде Мунк охотно рисовал не только женскую обнаженную натуру, но и мужскую. Позирующие на берегу голые мужчины — неслыханно! Это вызвало скандал среди консервативной публики маленького немецкого курорта (как-никак дело было за 60 лет до массового увлечения немцев нудизмом). Одного из позировавших даже уволили со службы. Сейчас картина «Купальщики» находится в собрании Художественного музея Атенеум. Дом, в котором Мунк жил в Варнемюнде (Haus Am Strom 53), отлично сохранился и раз в неделю открыт для туристов.

Еще один пляжный мотив, на этот раз с женским телом, — написанная несколькими годами ранее картина «Венера» (1904-1905) (из коллекции Стенерсена). Женщины всегда завораживали Мунка. Изображать обнаженную женскую натуру художник начал под влиянием своих товарищей из круга скандинавской богемы, призывавших к нарушению табу. В одном из писем (1885) молодой художник даже признавался другу, что намерен в будущем рисовать одних только женщин. Конечно, это было преувеличением, но отношения между мужчинами и женщинами всегда оставались одной из главных тем его творчества. Женат Мунк никогда не был. У него было множество коротких романов. Однако ни одну свою связь с женщинами он не вспоминал с радостью или благодарностью.

Особая глава в творчестве Мунка — монументальная живопись. В данном жанре норвежский художник работал мало, и эта часть его наследия не всем по вкусу. Возможно, причина в том, что в таком масштабе теряется авторская манера и интимность интонации. Но и назначение у подобных фресок совершенно другое: публичное, идеологическое. В 1905 году Норвегия получила независимость, и Мунк стал поистине национальным художником, хотя широкая публика и продолжала относиться к нему неоднозначно. В 1909 году он получил заказ на создание росписей для актового зала университета в Осло, над которым работал до 1911 года. Темы для двух основных декоративных панно, «История» и «Солнце», художник нашел среди пейзажей городка Крагерё, где снял дом в 1908 году.

На выставке можно познакомиться с вариантом одной из этих монументальных композиций — «История» (1914; коллекция Стенерсена). Здесь Мунк попытался в доступных широкой аудитории формах рассказать о своей стране. Мы видим могучий дуб — древо жизни, под которым сидит старик-рыбак в красной шапке (символ свободы), рассказывающий мальчику о Норвегии и ее истории. За их спинами — типично норвежский пейзаж, суровый и холодный: голая земля, море, синее небо, прибрежные скалы. Норвежский народ добывает себе пропитание на скудной почве и борется с холодом, подобно этому дубу.

На выставке неплохо представлена портретная живопись Мунка. Портреты вообще играли важную роль в творчестве художника. Первыми его моделями были члены собственной семьи, друзья и знакомые — в основном коллеги по цеху. Но с началом XX века Мунк стал получать всё больше заказов от своих покровителей, друзей и коллекционеров, и портретная живопись превратилась для него в основной источник дохода.

Как и в случае с картинами других жанров, при работе над портретами Мунк часто делал несколько вариантов одного и того же произведения, варьируя технику, гамму или формат. Его портреты — это не просто попытка уловить внешнее сходство, но в первую очередь экспрессивные произведения, в которых художник, сродни Ибсену и другим писателям своего времени, анализирует личность модели, стремится выявить какие-то ее скрытые черты. Среди прочих особенно запоминается «Портрет Ингер Барт» (1921) из коллекции Стенерсена. Ингер Барт (Inger Desideria Barth) (1885-1950) была женой личного друга Мунка — врача Петера Барта (Peter Christian Barth) (1872-1941), который и заказал этот портрет. Мунк, по обыкновению, написал не одну версию (в данном случае лишь две; вторая одно время хранилась в гамбургском Кунстхалле, потом была конфискована немцами, а затем перешла в частные руки). На портрете Ингер Барт Мунк, используя довольно ограниченную палитру красок, создал очень живой, лиричный, мягкий образ.

Портрет «Макс Линде в морском костюме» (1904; коллекция Стенерсена) изображает доктора Макса Линде — состоятельного любекского офтальмолога, близкого друга Мунка и одного из первых покупателей его картин. Макс Линде (Max Linde) (1862-1940) вошел в историю как покровитель художников и коллекционер (особенно он любил Родена и французских импрессионистов). Мунк неоднократно изображал на своих картинах доктора Линде и его семью, а также их усадьбу с парком в Любеке и морские виды ганзейского города и окрестностей. В 1902-1907 годах норвежец часто и подолгу гостил у врача на вилле. Линде очень ценил Мунка и называл его «художником будущего». На портрете, который мы видим на выставке, Мунк изобразил доктора Линде в яхтенном костюме: таково было желание семьи. За внешностью уверенного, подтянутого спортсмена проглядывает эмпатичная, меланхоличная личность человека, восприимчивого к искусству. В художественном музее Бенхаус (Behnhaus) в Любеке по сей день хранится часть картин Мунка из коллекции Макса Линде, в том числе знаменитый шедевр «Сыновья доктора Линде».

Еще один интересный образец портретного творчества Мунка — «Портрет Густава Шифлера» (1908) из собрания Художественного музея Атенеум. Густав Шифлер (Gustav Schiefler) (1857-1935) был гамбургским юристом, судьей, меценатом, коллекционером и художественным критиком, покровителем экспрессионистов и группы «Мост». В его доме с 1895 года собирались художники и интеллектуалы: Эдвард Мунк, а также Эрнст Людвиг Кирхнер и Карл Шмидт-Ротлуф (работы этих основателей группы «Мост» Мунк считал радикальными, но они привлекали его своей необычностью). В 1902 году, увидев у Макса Линде коллекцию графики Мунка, Шифлер был так потрясен, что через некоторое время выпустил полный каталог графических работ норвежца.

Также на выставке демонстрируется портрет Торвальда Торгерсена (1886; коллекция Стенерсена). Торвальд Торгерсен (Thorvald Torgersen) (1862-1943) был норвежским художником, но вошел в историю искусств не столько своими собственными работами, сколько портретами, написанными с него коллегами. В частности, Мунк создавал его портреты трижды: в 1881, 1882 и 1886 годах.

Картину «Старик» (1902) прислал на выставку Художественный музей Гётеборга. На ярко-желтом фоне, очерченный интенсивным кобальтовым контуром, изображен неизвестный пожилой мужчина, видимо, рыбак. Мунку превосходно удалось передать черты его обветренного лица и фактуру черной куртки.

Спустимся теперь этажом ниже. Здесь посетители могут посмотреть 50-минутный фильм о жизни и творчестве художника (на английском языке). Расписание сеансов вывешено рядом.

Кроме того, в отдельном зале на нижнем этаже вывешены графические работы Мунка. Графика Мунка — это целый мир. Художник очень много и плодотворно работал в разных графических техниках. В частности, он считается одним из главных мастеров в истории европейской гравюры на дереве (ксилографии). Мунк часто создавал графику на сюжеты собственных живописных произведений, но подходил к этой работе творчески: экспериментировал с техниками, комбинировал цвета и варьировал композицию, всё больше отходя от детализированного первоначального образа к обобщению. Будучи в первую очередь живописцем, Мунк любил делать гравюры и литографии в цвете, причем цвет у него всегда символичен, несет экспрессивную функцию.

Чтобы создавать полноценные цветные гравюры, художник изобрел новый способ: он распиливал доску по основным контурам на несколько частей, каждый кусок покрывал своим цветом, снова складывал их, как пазл, и печатал. Это давало ему возможность с одной доски сделать многоцветный отпечаток, причем он часто варьировал краски, поэтому часто можно встретить разные по цветовым сочетаниям варианты одних и тех же мунковских гравюр. Мунк одним из первых художников своего времени начал работать в продольной (обрезной) гравюре на дереве. Он также заметил, что сама фактура древесных волокон может быть использована как значимый элемент композиции, и использовал это открытие в своих работах. Он лично, со всей тщательностью подбирал породу дерева.

Революционным было и то, что Мунк сам резал свои доски: обычно автор рисунка и резчик были разными лицами. Сам процесс резания доски был для него видом творчества. Недаром художник выставлял свои доски наряду с оттисками, как отдельные произведения искусства.

Одно из главных украшений зала графики — гипнотизирующая литография «Дама с брошью. Эва Мудоччи (Мадонна)» (1903) (из собрания Музея принца Евгения Вальдемарсудде). Эва Мудоччи (Eva Mudocci) — романтичный итальянизированный псевдоним Эвангелины Маддок (Evangeline Muddock) (1883?-1953), дочери британского писателя Джеймса Маддока. Темноволосая красавица Мудоччи была талантливой скрипачкой. Мунк познакомился с ней, видимо, в 1902 году и снова встретил в 1903 году в Париже. Завязался страстный роман, но отношения омрачало болезненное поведение невротичного художника. Они неоднократно расставались и воссоединялись, но связь, как и другие романы Мунка, закончилась ничем. Встречи и переписка с Мудоччи продолжались с перерывами до 1908-1909 года. В этот период Мунк пережил несколько нервных срывов и в итоге, как мы уже знаем, был более чем на полгода помещен в психиатрическую клинику в Копенгагене.

Эва Мудоччи выступала в дуэте с родившейся в Дании английской пианисткой Беллой Эдвардс (Bella Edwards) (1866-1954), которой одно время — безответно — увлекался Григ. Поговаривали о лесбийских наклонностях Беллы и ее связи с Мудоччи. Мунк запечатлел совместную игру скрипачки и пианистки на литографии «Скрипичный концерт» (1903) (также из собрания Музея принца Евгения Вальдемарсудде).

Недавно, в 2012 году, имя Мудоччи вновь появилось в прессе: появилась информация о том, что Мунк, возможно, был отцом двойняшек, родившихся у скрипачки в 1908 году, хотя художник и не знал об их существовании. До недавнего времени считалось, что у него не было детей.

Среди других графических работ — варианты знаменитых тем, которые Мунк варьировал многократно в самых разных техниках, от масляной живописи до гравюры. Это, в частности, офорт «Поцелуй» (1895) (из собрания Музея принца Евгения Вальдемарсудде) — две слившиеся в поцелуе обнаженные фигуры влюбленных, очерченные мягким контуром на фоне окна.

Мунк воспринимал жизнь трагически — так сложилась его судьба, и таков был склад его характера, поэтому в его творчестве мы тщетно будем искать изображения безмятежности и счастья, зато очень много картин и графики на тему смерти, болезни и страха, горя и одиночества.

Эти мотивы нашли отражение в литографии «Поцелуй смерти» (1899) и офорте «Мертвая мать» («Ребенок и смерть») (1901) (обе — из стокгольмской галереи Тиля).

В литографии «Больной ребенок» (1896) (из галереи Тиля) мы видим ту же умирающую девочку, что и на одноименной картине, только на этот раз крупным планом — всё внимание сосредоточено на ее профиле, изображенном на фоне белой подушки. Монохромная гамма разбавлена тревожно-красным цветом, что еще больше усиливает болезненное впечатление страха и опасности. Взгляд больной обращен к смертоносной темной массе, которая, кажется, уже не оставляет шансов жизни и как бы засасывает героиню. Эта литография печаталась в различных цветовых вариантах и очень высоко котируется в творческом наследии Мунка.

На выставке показаны и графические варианты других знаменитых картин из Национальной галереи Осло: офорты «Ночью» (1902) (вариант картины «Переходный возраст»), «На другой день» (1895), литография «Пепел» (1899) (всё из галереи Тиля).

Галерея Тиля, владеющая крупнейшим собранием графики Мунка за пределами Норвегии, также порадовала поклонников художника знаменитой литографией «Мадонна» (1895). Этот мотив существует в нескольких вариантах и первоначально назывался «Любящая женщина» или «Женщина в акте любви» («Женщина в экстазе»). От картины маслом литография отличается красноватой рамой с изображением извивающихся сперматозоидов (олицетворение мужского желания) и беспомощной фигуркой скелетообразного эмбриона, испуганно зажавшегося в нижнем левом углу. На лице обнажённой женщины с распущенными волосами блуждает странная усмешка. Полузакрытые глаза и поза указывают на любовный акт. Мягко изгибающиеся линии вокруг ее тела создают овальную змеевидную форму, напоминающую ореол, а вокруг головы светится красный «нимб», который вместе с названием картины рождает религиозные аллюзии, создающие удивительный контраст с явно эротической темой полотна. Позировала Мунку для этой двусмысленной «иконы чувственности» его любовница — норвежка Дагни Юль, жена писателя Станислава Пшибышевского.

Еще одна известная литография Мунка — «Автопортрет с рукой скелета» (1895) (предоставлена Художественным музеем Турку). Она также создана в берлинский период и отражает озабоченность художника темой смерти. Столкнувшись со смертью уже в раннем детстве, причем не раз, Мунк думал о конечности существования постоянно. Усугубляло его тревогу также и состояние собственного здоровья, физического и душевного. Интроверсия и поглощенность мыслями о смерти часто прослеживается в его исповедальных автопортретах.

На этом автопортрете белый воротничок и выделяющаяся на черном фоне голова придают 32-летнему художнику сходство со священником. Написанные сверху имя и год воспринимаются как эпитафия, тем более что они перекликаются с memento mori — рукой скелета в нижней части литографии. Возможно, толчком к созданию такого необычного автопортрета послужило открытие рентгеновских лучей: это случилось как раз 1895 году. Мунк находился в то время в Париже и был свидетелем новой моды: среди европейской публики приобрели популярность «рентгеновские вечеринки», во время которых актеры исполняли «танцы скелетов»; а в уличных киосках любой желающий мог приобрести собственный «рентгеновский портрет», сделанный через деревянную пластину, в результате чего на нем были одновременно видны кости человека и рисунок древесного волокна. В каком-то смысле этот автопортрет можно считать пророчеством, которое исполнилось в 1902 году, когда Мунк, получивший пистолетную рану в результате ссоры с отвергнутой любовницей Туллой Ларсен, оказался в больнице, чтобы сделать рентген кисти, куда попала пуля.

Литография «Крик» (1895) (из галереи Тиля) воспроизводит формы одноименной картины, первый вариант которой был создан в 1893 году. Известно, что сам Мунк изначально называл композицию по-немецки, Der Schrei der Natur, то есть «Крик природы». На литографической версии он сделал немецкую надпись: «Ich fühlte das große Geschrei durch die Natur» («Я почувствовал страшный крик природы»). Мунк заставляет поверхность листа словно вибрировать звуковыми волнами, пронизывающими пространство. Человеческая фигура с искаженным лицом предельно обобщена, беспола. Персонаж обхватил голову руками, его рот раскрыт в беззвучном вопле, а волнообразные линии пейзажа словно повторяют контуры фигуры, обвивая ее чудовищными извилинами. Всё индивидуальное из этого лица вытравлено, оно воплощает весь человеческий ужас и отчаяние.

Довольно неожиданный образец позднего творчества Мунка — картина «Собака» (1927) (коллекция Стенерсена), которая представлена в одном зале с графическими работами. Небольшая картина написана маслом на деревянной доске и трогает выразительными печальными глазами. Мунк нечасто изображал животных, хотя в его доме-студии Экели (Ekely) близ Осло, где он отшельником жил и работал с 1916 года до самой смерти, было много разной живности, в том числе несколько собак: их художник особенно любил (за исключением злобного соседского пса, на которого Мунк рисовал карикатуры и который стал причиной страшной ссоры с соседом). Рассказывают, что Мунк даже в кино ходил с собакой. Если она начинала лаять, он сразу же уходил из кинотеатра: значит, фильм не по душе четвероногому другу.

Еще одним ярким пятном среди графики Мунка выглядит малоизвестная картина, бывшая некогда частью диптиха «Клеопатра и раб» (1916-1918) из коллекции Стенерсена. Изначально обе стороны были написаны на одном холсте, но затем художник разрезал его пополам и оформил в виде отдельных картин. На полотне изображен африканец Султан Абдул Карим, которого Мунк в 1916 году на время нанял слугой, шофером и моделью (это был чернокожий артист из гастролировавшего в Осло немецкого цирка). Родственник Мунка норвежский художник Людвиг Равенсберг, который и подбросил ему эту идею, цинично записал в своем дневнике: «Теперь у Мунка в Экели полный зверинец. Негр Султан, медведь и две свиньи».

На этом наше знакомство с выставкой работ Мунка завершено. Приходите на выставку сами и приводите друзей!

Насладиться творчеством великого норвежского экспрессиониста в музее Дидрихсена в Хельсинки можно будет до 1 февраля 2015 года.

♦♦♦♦♦♦♦

См. также:

- Эдвард Мунк в Национальной галерее (Осло, Норвегия)

- Музей Дидрихсена в Хельсинки: архитектура виллы, коллекция Дидрихсенов и парк скульптур

♦♦♦♦♦♦♦

Практическая информация: как добраться до музея, сколько стоят билеты

Художественный музей Дидрихсена (Didrichsenin taidemuseo) в Хельсинки находится на острове Куусисаари (Kuusisaari), по адресу Kuusilahdenkuja, 1. Посмотреть расположение музея на карте Хельсинки можно тут.

До музея Дидрихсена можно добраться на автобусах № 194 или 195, которые отправляются от главного вокзала Хельсинки (площадь Elielinaukio), с платформы 36.

Ехать 20 минут.

Проездные билеты можно приобрести заранее в автомате (за 2,5 евро) либо у водителя (за 3 евро). Подробнее об общественном транспорте в Хельсинки читайте тут. Расписание автобусов можно посмотреть тут. Автобусы ходят достаточно часто.

Ехать нужно до остановки Kuusisaarenkuja. Остановка находится на главном шоссе, от которого вправо отходит улица, где расположен музей.

Около остановки будет указатель, следуя которому нужно будет пройти до музея буквально пару минут (мимо парковки).

Режим работы музея Дидрихсена: со вторника по воскресенье с 11:00 до 18:00.

Цена входного билета для взрослых 13 евро; для пенсионеров и студентов — 8 евро; для посетителей старше 75 лет и младше 7 лет — бесплатно.

Фотографировать на выставке разрешается бесплатно (без вспышки).

Официальный сайт Художественного музея Дидрихсена в Хельсинки: didrichsenmuseum.fi

Обратите внимание, что из-за строгих мер безопасности в музее будет проводиться проверка металлодетектором. В выставочные залы не позволяется проносить напитки, еду, острые предметы, а также крупные сумки и рюкзаки (всё это можно оставить в запирающихся шкафчиках на входе). Для верхней одежды есть гардероб у кассы.

В музее есть сувенирный магазин. В настоящее время там можно купить массу различных сувениров, посвященных творчеству Эдварда Мунка.

♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Официальный сайт Художественного музея Дидрихсена в Хельсинки: didrichsenmuseum.fi и пресс-релиз

2. Стенерсен, Рольф. Эдвард Мунк. 1863-1944 : пер. с норв. / Р. Стенерсен; Послесл. И. Я. Цагарелли. - М.: Искусство, [1972]. - 155 с.

3. Вайль, П. Л. Гений места

4. Эдвард Мунк. Статья в Википедии

5. Франк Хёйфёдт. Эдвард Мунк: «...Солнце! Садилось».//Журнал «Третьяковская галерея», 2013 (Специальный выпуск. НОРВЕГИЯ - РОССИЯ: НА ПЕРЕКРЕСТКАХ КУЛЬТУР)

6. Edvard Munch: Beyond The Scream

7. Edvard Munch at the Tate Modern: A modern man

8. Munch & Kirchner. Katalog

9. Sue Prideaux. Edvard Munch: Behind the Scream

10. Shelley Wood Cordulack. Edvard Munch and the Physiology of Symbolism

11. О докторе Максе Линде и пребывании Мунка в Любеке

12. О работе Мунка в Варнемюнде

13. Е. Левитин. Гравюры Мунка

14. Munch: The Problem With Women. Эдвард Мунк и женщины

15. О возможных потомках Мунка

16. Atle Næss: Munch. Отрывок из биографии (Нэсс Атле: Эдвард Мунк. Биография)

17. Edvard Munch: Misery of the man in the mirror

18. Munch! — Nietzsche, Thiel and Scandinavia’s greatest artist

19. Lill-Ann Körber. Badende Männer: Der nackte männliche Körper in der skandinavischen Malerei und Fotografie des frühen 20. Jahrhunderts. Мужская обнаженная натура в скандинавской живописи и фотографии начала XX века

20. Ketil Bjornstad. The Story of Edvard Munch

Часовня тишины Камппи (Kampin kappeli/Kamppi Chapel of Silence) — маленький заповедник спокойствия посреди оживленной площади Наринкка, близ станции метро и торгового центра Kamppi и автовокзала Хельсинки. По внешнему виду и не догадаешься, что же это за безоконная конструкция, до того необычна ее архитектура, напоминающая то ли деревянную чашу, то ли яйцо, то ли корабль (возможно, даже космический).

Часовня тишины — не только квинтэссенция минималистичного финского дизайна (проект даже отмечен престижной архитектурной премией!), но и особое по замыслу место: она задумана как кокон уединения и покоя, убежище для тихой молитвы или доверительной беседы, дающее всем нуждающимся передышку от городского шума и суеты.

Часовня тишины и ее философия. Оазис спокойствия в центре Хельсинки

Хельсинки, может быть, и не самая крупная европейская столица, но и этот город порой слишком утомляет. Убежище от толчеи и суматохи финны и гости города могут теперь найти в часовне тишины Камппи, построенной в 2012 году на площади Наринкка (Narinkka/Narinkkatori) по проекту местного архитектурного бюро K2S.

Строго говоря, это даже не совсем часовня, а место для исцеления душ: богослужения и иные религиозные церемонии тут не проводятся (только периодические молебны), зато дежурят социальные работники, священники и психологи, готовые с утра до вечера поговорить с каждым желающим о его проблемах и оказать помощь.

Часовня тишины Камппи не имеет привязки к определенному вероисповеданию. Здесь рады видеть любого, независимо от его религиозности и мировоззрения.

Кто и когда построил часовню тишины? Краткая история часовни

Часовня тишины Камппи, иначе называемая часовней или капеллой молчания, была построена в рамках программы «Хельсинки: Мировая столица дизайна – 2012» (World Design Capital). Это почетное звание столица Финляндии получила по решению Международного совета по промышленному дизайну (ICSID).

Инициатива строительства часовни на площади Наринкка исходила от Департамента городского планирования Хельсинки, который и стал организатором архитектурного конкурса. В качестве заказчика выступило объединение приходов Хельсинки (Helsingin seurakuntayhtymä). В планировании будущей деятельности часовни также приняли участия союзы приходов Эспоо и Вантаа. В настоящее время часовня находится в совместном управлении приходов Хельсинки и городского Департамента социального обеспечения.

Часовня в процессе строительства (фото с сайта [19]):

Проект необычной деревянной часовни в центре Хельсинки разработали финские архитекторы Микко Сумманен, Киммо Линтула и Нико Сирола (Mikko Summanen, Kimmo Lintula, Niko Sirola) из архитектурного бюро K2S.

Архитектурно-дизайнерское решение постройки вызвало интерес специалистов еще до ее возведения. В 2010 году проект, на тот момент еще не реализованный, был отмечен международной архитектурной премией International Architecture Awards. Данный конкурс организуется Чикагским атенеумом, музеем архитектуры и дизайна (Chicago Athenaeum Museum of Architecture and Design).

Из-за своей необычной формы и близости к торговому району часовня тишины завоевала невероятную популярность среди жителей Хельсинки и туристов сразу же после открытия. За первые полгода ее посетило около 250 тыс. человек [20].

Многие посещают часовню, чтобы полюбоваться оригинальным дизайном и впитать умиротворяющую атмосферу, но немало и тех, кто приходит удовлетворить духовные потребности: помолиться или получить духовную и психологическую помощь.

Журналисты назвали часовню тишины новой архитектурной достопримечательностью Хельсинки и отметили, что этот проект «доказывает, какой захватывающей и волнующей может быть современная архитектура в ее лучших проявлениях» [2].

Так скромное по размерам сооружение превратилось в одну из самых посещаемых культовых построек в Финляндии.

Часовня тишины Камппи как пример современной финской архитектуры

Часовня тишины Камппи интересна не только своим замыслом, но и неординарным архитектурным решением, а также особенной атмосферой.

Лютеранская церковь Финляндии вообще благосклонно относится к современной архитектуре. Пример тому — знаменитая Церковь в скале (Темппелиаукио) (1969). Но проект часовни тишины примечателен тем, что это не только и не столько культовая постройка, сколько духовный и социальный центр, плод сотрудничества церкви с городскими властями [3]. Не случайно в часовне можно поговорить и со священником, и с социальным работником. Это совершенно новая концепция, которая нашла отражение в архитектуре и символике сооружения (источник фото: [10]).

По словам главного архитектора Микко Сумманена, архитектуру и геометрию часовни определило именно ее назначение и градостроительное положение, а не религиозные традиции [3]. «Традиционные церкви испытывают сейчас трудности во всех западных странах. Требуется найти новые формы общения с людьми и оказания им помощи. В случае с часовней Камппи эта цель достигается за счет создания общедоступного пространства тишины и созерцания рядом с одним из самых бойких деловых районов Финляндии» [3].

Необычна как форма здания, так и выбор материала. В XXI веке, когда всюду господствует стекло, бетон и пластик, в центре европейского города вдруг появляется объект деревянного зодчества, пусть и футуристических очертаний.

Надо сказать, что в последнее время дерево вновь приобретает в Финляндии популярность в качестве строительного материала. Причина — в привлекательных строительных свойствах древесины и ее репутации экологичного материала с минимальным уровнем вредных выделений [16].

В соответствии с традициями национальной финской архитектуры, вся древесина, использованная для отделки фасада и интерьера часовни, — местная. Она доставлена из лесов, расположенных в радиусе 200 км от строительной площадки [8]. Экологичность дизайна проявилась еще и в низком потреблении энергии, что достигается за счет плотной изоляции, продуманной системы освещения, вентиляции и кондиционирования.

Изгибающийся фасад крохотной часовни сконструирован из рядов горизонтальных гнутых еловых реек и обработан нанотехнологичным прозрачным пигментированным воском. Каркас здания составлен из массивных балок из клеёного соснового бруса.

Возведение часовни оказалось весьма нетривиальной задачей для компании Vahanen, которая занималась проектированием строительных конструкций [15]. Часовня отличается от стандартных зданий. Ее форма уникальна, и все элементы и их сочленения должны были изготавливаться по индивидуальным меркам.

Форму часовни тишины и ее символику можно трактовать по-разному: кто-то сравнивает ее с Ноевым ковчегом. Кто-то говорит о деревянной чаше, цветочном горшке или «вазе для души». Архитектор Микко Сумманен отмечает, что из-за специфической фактуры фасада часовня напоминает борт корабля [7]. Еще одна распространенная версия — сравнение с яйцом.

Яйцеобразная форма прекрасно подходит для культовых сооружений. Известно же, что представление о яйце как одном из важнейших религиозных символов существовало уже в глубокой древности, в языческие времена. Во многих мировых культурах яйцо считается символом новой жизни, плодовитости и возрождения [20].

Где находится часовня тишины?

Часовня тишины имеет в плане форму яйца и расположена к юго-востоку от торгового центра Kamppi и к северу от улицы Simonkatu — одной из главных городских артерий. Ситуационный план и вид сверху:

Авторы проекта осознанно выбрали для часовни расположение в гуще бурлящего района Камппи, на южной стороне площади Наринкка (Narinkka/Narinkkatori), в непосредственной близости от станции метро Kamppi и одноименного торгового центра (см. расположение часовни на карте).

Камппи — деловой и торговый центр Хельсинки, один из самых оживленных районов города, и смысл часовни — подарить спокойствие и уединение посреди этой толчеи и суеты, хоть ненадолго сбежать из мира торговых центров, банков и офисов. Благодаря обтекаемой форме, часовня органично слилась с городским ландшафтом и, несмотря на свой небольшой размер, превратилась в смысловой центр окружающей застройки [7].

Подойти к часовне можно с любой стороны. Если идти с улицы Simonkatu, попадаешь на небольшой сквер перед площадью Наринкка. Оттуда нужно спуститься на уровень ниже по лестнице, ко входу в часовню (источник фото: [13]).

Два входа расположены в стеклянных фасадах, обращенных, соответственно, к площади Наринкка и Стеклянному дворцу (Lasipalatsi).

На наружной стене одного из фасадов — равноконечный греческий крест.

Планировка и интерьер часовни тишины

Здание занимает площадь 352 кв. м и включает собственно часовню с сакристией (они занимают основной яйцеобразный деревянный объем), а также низкую T-образную в плане бетонную пристройку-цоколь, где располагается фойе, офис, приемная, гардероб, туалет и другие помещения. Фойе используется как информационное и выставочное пространство. Здесь также проходят встречи со священниками и социальными работниками.

План часовни тишины и ее конструкция (источники [11] и [12]):

Сама интересная и атмосферная часть — это, разумеется, сам храм тишины, овальный центральный зал, куда мы попадаем из бледного бетонного фойе (коридора), служащего своего рода тамбуром между двумя мирами. Входим в часовню через деревянную дверь (источник фото [18]):

Часовня очень лаконично обставлена и совсем невелика по площади, при этом высота главного зала составляет 11,5 м. Стены изнутри обшиты светлым деревом — черной ольхой. По сравнению с фактурным ребристым фасадом, они более гладкие, что, по утверждению архитектора, призвано создавать несильный, но ощутимый контраст [7]. Скромная мебель выполнена из ясеня.

Обилие дерева в интерьере само по себе настраивает на мирный лад, успокаивает, привносит теплое интимное настроение. Здесь можно помолиться, поставить свечку или просто отдохнуть несколько минут в тишине, восстановить душевное равновесие, сосредоточиться и удовлетворить стремление к уединению. Такое стремление свойственно многим людям, особенно финнам: самодостаточность — важная часть финского менталитета. Финнам нравится быть в одиночестве, наедине с природой [5].

Посидеть внутри часовни можно просто на деревянной скамье, а можно взять одну из мягких серых подушек, сделанных в форме камней. Подушки напоминают огромные валуны с финского побережья — еще одна деталь, которая переносит в спокойный мир природы.

Окон, как уже отмечалось, в часовне нет. Свет мягко струится по изогнутым стенам через потолочный люк, вырезанный по всему периметру.

Потолок сделан из гипсокартона. При недостатке естественного освещения задействуются скрытые под потолком лампы (источник фото: [22]).

Из-за обтекаемой формы пространства и необъяснимой магии света у многих посетителей создается ощущение, будто они находятся внутри яйца, в укромном безопасном месте, защищенном от внешних бурь и суеты. Этому впечатлению способствует и окружающая тишина: в соответствии с концепцией часовни как места уединенного созерцания особое внимание строители уделяли звукоизоляции [15]. В итоге удалось создать место, в котором человек чувствует себя огражденным от городского шума, тогда как на самом деле всего в паре метров от него гремят машины и трамваи, разговаривают и спешат по делам горожане и туристы.

Некоторым часовня изнутри напоминает большую сауну, и это понятно: в интерьере почти всё сделано из дерева. Но сходство с сауной на самом деле глубже: дело в том, что для многих финнов сауна является ритуальным, почти сакральным пространством [5]. Пара ступеней перед входом в сауну — и суета жизни остается за порогом. Определенно, тут есть нечто общее с посещением церкви или часовни.

Нехитрая обстановка часовни тишины ограничивается скамьями, свечами и простым деревянным алтарем с крестом и Евангелием. Серебряный алтарный крест создал финский мастер Антти Ниеминен (Antti Nieminen); автор дизайна литургического текстиля — Тийна Уймонен (Tiina Uimonen) [20]. В определенные дни на алтарь водружают серебряную купель, созданную по дизайну того же Ниеминена (источник фото: [12]).

Крест на алтаре присутствует, потому что мы всё-таки находимся в христианской часовне (как-никак ее финансируют лютеранские приходы Хельсинки). Несмотря на это, в часовне рады всем: приходить сюда в поисках мира и тишины могут представители любых конфессий и даже те, кто не относит себя ни к какой религии (источник фото: [12]).

В нашем суматошном мире, где нечасто выдаются моменты покоя и тишины, радостно найти место, созданное, чтобы подарить людям немного умиротворения. Видимо, в этом, помимо новаторского дизайна, и заключается причина невероятной популярности часовни.

Практическая информация о посещении часовни тишины в Хельсинки (адрес, режим работы и т.п.)

Адрес часовни тишины Камппи (Kampin kappeli): Simonkatu 7, Helsinki.

Часовня тишины Камппи находится в центре города, в районе Камппи (Kamppi). Часовня расположена на углу площади Наринкка (Narinkka/Narinkkatori), у входа в торговый центр Kamppi и одноименную станцию метро, рядом с автовокзалом Хельсинки. Два входа в часовню расположены в стеклянных фасадах, обращенных, соответственно, к площади Наринкка и Стеклянному дворцу (Lasipalatsi). Посмотреть местоположение часовни тишины Камппи на карте Хельсинки можно тут.

Часы работы часовни тишины Камппи: часовня открыта для посещения по будним дням с 08:00 до 20:00; в субботу и воскресенье с 10:00 до 18:00.

Вход в часовню бесплатный.

Фотографировать в часовне тишины разрешается, но без вспышки.

В часовне не проводятся богослужения, венчания, крещения и прочие церковные обряды, но сюда можно прийти для проведения личной беседы с представителем прихода (священником) или социальным работником. Можно поставить свечку, купить открытки.

Расписание молебнов, концертов и других мероприятий приводится на официальном сайте часовни тишины Камппи.

Отзывы о часовне тишины Камппи (в том числе на русском языке) можно почитать тут.

 ♦♦♦♦♦♦♦

Куда сходить и что посмотреть в Хельсинки

Музеи Хельсинки

- Музей Атенеум

- Городской музей Хельсинки

- Художественный музей Амоса Андерсона

- Художественный музей Дидрихсена

- Художественный музей Синебрюхова

- Национальный музей Финляндии

Церкви и соборы Хельсинки: это стоит посмотреть

- Кафедральный собор Святого Николая (Helsingin tuomiokirkko)

- Православный Успенский собор

- Церковь в скале (Темппелиаукио)

- Часовня тишины Камппи

- Старая церковь Хельсинки (Vanhakirkko)

- Церковь Св. Иоханнеса (Иоанна) (Johanneksenkirkko)

- Церковь Каллио

Интересная архитектура и интерьеры в Хельсинки: это стоит посмотреть

- Здания в стиле финского модерна (национального романтизма) в Хельсинки

- Здание Национальной библиотеки

Бассейны и аквапарки Хельсинки

- Бассейн в скале Itäkeskus

- Исторический бассейн Yrjönkatu

Другое: концертные и оперные театры

- Опера Хельсинки

- Концерты органной музыки в церквях Хельсинки (например, в Старой церкви и кафедральном соборе)

♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Церкви и часовни Хельсинки

2. Часовня тишины Камппи, статья в Википедии

3. Современное место для молитвы: часовня тишины Камппи

4. Храм тишины в Хельсинки

5. Архитектура и тишина

6. Слушать музыку и тишину

7. Микко Сумманен о работе своего архитектурного бюро

8. Часовня тишины Камппи: архитектура, фотографии, чертежи

9. План часовни тишины Камппи

10. Часовня тишины Камппи на сайте архитектурного бюро k2s

11. Конструкция часовни тишины Камппи

12. Часовня тишины Камппи: архитектура, фото, чертежи

13. Краткое описание и чертежи часовни тишины Камппи

14. Фотографии интерьера и экстерьера часовни тишины Камппи

15. Компания Vahanen о строительстве часовни тишины Камппи

16. Финские строители возвращаются назад, к деревянному строительству

17. Путеводитель по интересным местам Хельсинки: часовня тишины

18. Часовня тишины Камппи на сайте о деревянном зодчестве

19. Строительство часовни тишины Камппи, чертежи

20. Место спокойствия: часовня тишины Камппи и ее символика

21. Хельсинки: Мировая столица дизайна – 2012

22. Детальные фотографии и чертежи часовни тишины Камппи

23. Убежище от шума: часовня Камппи

Художественный музей Дидрихсена в Хельсинки (Didrichsenin taidemuseo) — очень интересное место со своей особенной атмосферой. Это частная художественная галерея, расположенная на модернистской вилле среди задумчивой северной природы острова Куусисаари (Kuusisaari). Хотя музей находится не так уж далеко от центра города — всего каких-то 20 минут езды на автобусе от вокзала (подробнее о том, как добраться, читайте тут), — он незаслуженно мало знаком российским туристам.

По неизвестной причине музей Дидрихсена почти никогда не упоминается в путеводителях по Хельсинки, туристических проспектах и рекламных брошюрах. Тем не менее, он входит в десятку самых популярных художественных музеев Финляндии, и здесь регулярно проходят выставки выдающихся художников и скульпторов, причем не только финских. Пример тому — выставка работ Эдварда Мунка, которая продлится до февраля 2015 года. Своими впечатлениями от выставки мы поделимся в отдельной заметке, а сегодня наш рассказ — о супругах Дидрихсен, их коллекции и замечательной вилле.

Как родился музей Дидрихсена. Искусство национальное и интернациональное

Музей родился из любви двух людей — и их любви к искусству. Он был основан Гуннаром Дидрихсеном (Gunnar Didrichsen) (1903-1992) и его женой Марией-Луизой, урожденной Гранфельт (Marie-Louis Granfelt) (1913-1988).

Датский бизнесмен Гуннар Дидрихсен впервые приехал в Финляндию в 1927 году и, увидев огромный потенциал этого региона, решил остаться здесь жить и наладить свое дело. В 1928 году он основал компанию Trans-Meri Ab, которая специализировалась на производстве технохимических изделий (компания существует и поныне и теперь называется просто Transmeri). Дидрихсен руководил предприятием в течение 60 лет — до 1988 года.

Дидрихсен познакомился с Марией-Луизой в 1938 году и вскоре влюбился в эту невысокую энергичную девушку. Период ухаживаний был интенсивным и беззаботным. Оба были прекрасными танцорами и, несмотря на разницу в росте, поражали окружающих слаженностью движений. В апреле 1939 года, всего через несколько месяцев после знакомства, Гуннар и Мария-Луиза поженились.

Объединила их не только любовь, но и страсть к искусству, благо процветающий бизнес позволял коллекционировать картины и скульптуры. При этом у супругов было такое правило: покупать то или иное произведение только в том случае, если оно нравится обоим. Первым совместным приобретением четы стала картина Пекки Халонена «Обед» («Трапеза в избе») (Ateria) (1889), которую они купили в 1942 году.

Ядро коллекции сформировалось в 1950-1960-х годах. Большинство произведений для своего собрания Дидрихсены приобретали у европейских галерей, но кое-что покупали и непосредственно у самих художников: так было, например, в случае с Генри Муром, Робертом Якобсеном и Соней Делоне. Интересно, что когда в 1966 году в хельсинкском музее Атенеум проходила выставка Василия Кандинского (одним из ее организаторов была Мария-Луиза), то было поставлено следующее условие: как минимум три работы художника должны быть проданы в Финляндии. В итоге одну из них (гуашь) купили как раз Дидрихсены. Кроме того, в 1967 году они приобрели у вдовы Кандинского красочный осенний пейзаж Мурнау.

Открытие Художественного музея Дидрихсена для публики состоялось в 1965 году. На торжестве присутствовал президент Финляндии и другие официальные гости. Открытие нового музея широко освещалось в прессе и на телевидении. Оно стало крупным событием в культурной жизни Хельсинки, тем более что количество художественных галерей в городе в то время было значительно меньше, чем сегодня.

Хозяйка дома и сама не была обделена вниманием журналистов. Мария-Луиза была женщиной общительной, любила устраивать званые обеды и вечера с игрой в бридж. Благодаря тонкому вкусу, умению вести беседу и — не в последнюю очередь — элегантным нарядам от лучших мировых модельеров, она часто становилась героиней светской хроники.

Госпожа Дидрихсен проявляла интерес к неординарным художественным произведениям и нередко могла предсказать, какое искусство станут ценить в ближайшем будущем. Вместе с мужем она нередко выбирала для коллекции вещи, которые тогда считались спорными, а сегодня всемирно признаны.

Поначалу Дидрихсены коллекционировали предметы традиционного финского искусства (Аксели Галлен-Каллела, Пекка Халонен, Ээро Ярнефельт, Алвар Кавен, Магнус Энкель, Хелена Шерфбек), но с 1960-х годов переключились на современное интернациональное искусство (Пикассо, Фернан Леже, Генри Мур, Джакометти, Миро, Кандинский), которое и по сей день остается главным достоянием музея, его основной «фишкой». Коллекция работ Генри Мура является крупнейшей в скандинавских странах.

Из современных финских авторов в коллекции представлены Рейдар Сярестёниеми, Лайла Пуллинен, Юхани Линноваара, Эйла Хильтунен.

Гуннар Дидрихсен увлекался не только изобразительным искусством, но и литературой, а также музыкой. Часть его собрания книг можно увидеть в библиотеке. Кроме того, он собрал замечательную коллекцию марок и медалей. А поскольку Гуннар и его супруга были любителями музыки, в музее часто устраивались концерты.

Уникальность музея еще и в том, что здесь хранится единственная в Финляндии коллекция искусства доколумбовой эпохи. Также на нижнем этаже находится собрание восточного искусства (преимущественно китайского).

В 1970-х годах коллекция Дидрихсенов продолжала расширяться, а музей приобрел мировую известность. В начале 1990-х годов был проведен ремонт, расширено выставочное пространство. После смерти Гуннара и Марии-Луизы дело родителей продолжили их четверо детей.

Весной 2013 года в музее началась обширная реконструкция, после завершения которой он вновь открыл свои двери в 2014 году.

В ходе этих работ был благоустроен и парк скульптур вокруг виллы.

В результате реконструкции комплекс стал еще больше напоминать популярный датский музей современного искусства «Луизиана» (Louisiana), который тоже известен парковыми скульптурами и видом на море. Основатель «Луизианы» Кнуд В. Йенсен был хорошим другом Гуннара Дидрихсена. Из-за сходства архитектуры, природы и художественных коллекций музей Дидрихсена даже называют «мини-Луизианой».

Сегодня в Художественном музее Дидрихсена 2–3 раза в год проводятся временные выставки.

Напоминаем, что до февраля 2015 года можно посетить выставку Эдварда Мунка.

Архитектура виллы Дидрихсена. Творение Вильо Ревелла

Вилла, в которой разместился музей, интересна и сама по себе — как пример гармонично вписанной в ландшафт современной архитектуры.

В 1940-х семья Дидрихсенов жила в центре Хельсинки — на улице Merikatu 1, с видом на парк Кайвопуйсто (Kaivopuisto). Но в 1950-х годах коллекционеры захотели переехать поближе к природе и построить собственный дом, для чего пригласили знаменитого архитектора и дизайнера Алвара Аалто (многие читатели, наверное, помнят его библиотеку в Выборге).

Обратившись к Алвару Аалто, Дидрихсены мечтали получить дом в духе знаменитой виллы Майреа (Villa Mairea), возведенной Аалто для Гарри и Майры Гулликсен в 1938-1939 годах в Ноормаркку (район города Пори).

Аалто, сославшись на загруженность, от предложения отказался, но порекомендовал Вильо Ревелла (Viljo Revell) (1910-1965). Как выразился Аалто, Ревелл — «единственный, кто способен сделать проект так же хорошо, как я». К тому времени Ревелл не только успел поработать помощником Аалто, но и сам был уже состоявшимся мастером. Наиболее знаменитыми произведениями Вильо Ревелла являются Стеклянный дворец в Хельсинки (1935, в соавторстве) и особенно — ратуша Торонто (1966), хотя архитектор и не дожил до завершения ее строительства. По сей день день Ревелл — один из всемирно известных финских архитекторов.

Вилла Дидрихсенов на острове Куусисаари была построена по проекту Ревелла в 1958-1959 годах. В 1964-1965 году архитектор добавил к вилле специальное музейное крыло, куда и была перенесена художественная коллекция. Тогда-то и возникла идея демонстрации собрания широкой публике, и уже в следующем году, как мы знаем, музей открылся для всех желающих.

Вильо Ревелл был терпелив, вдумчив и обладал даром предвидения: он чувствовал, в каком направлении будет развиваться архитектура, и опережал свое время в решении технических проблем. Его здания отличались четкими прямыми линиями, были прогрессивны, но при этом всегда строились для людей, были удобны для проживания.

После Второй мировой войны Ревелл стал поклонником «интернационального стиля». Представители этого направления строили здания, составленные из геометрических форм, а их излюбленным материалом был бетон. Апогеем этой новой поэтики стал зародившийся в Великобритании под влиянием Ле Корбюзье брутализм, подчеркивавший грубую обнаженную структуру бетона. Бетон не шлифовали и никак не облицовывали, а намеренно оставляли шероховатым, со следами опалубки. Здание музея Дидрихсена стилистически относят как раз к архитектуре «бетонного брутализма». Как и другие здания в этом стиле, оно отличается подчеркнутой горизонтальностью. При этом оно гораздо легче, прозрачнее — и, конечно, миниатюрнее, — чем характерные для брутализма угрюмые и тяжеловесные сооружения типа «колбасного дома» Makkaratalo в центре Хельсинки (тоже проект Ревелла).

Вильо Ревелл разработал не только проект самого дома, но и дизайн интерьера виллы, включая почти всю мебель и даже такие мелочи, как шкафчик для ликера (на фотографии ниже), дверные ручки, аквариум. Вся мебель изготавливалась из тикового дерева. Технических новинок и находок была масса. Например, во время обеда в столовой хозяйка могла незаметно для гостей вызвать горничную, нажав ногой на кнопку в полу. Кухню оборудовали самой современной бытовой техникой из Америки, а в зимнем саду установили одну из первых в Финляндии систем для плавного регулирования уровня яркости освещения (диммеров).

Замысел Ревелла состоял в том, чтобы гармонично объединить три элемента: искусство, архитектуру и природу. Благодаря большим окнам — один из главных источников освещения — интерьер перетекает в парковый ландшафт, стирается четкая граница между внутренним и внешним пространством.

Вместо клумб парк украшают современные скульптуры.

Вместо цветов — скульптуры

Коллекция Дидрихсенов представлена не только в музейном здании, но и вокруг него. Чтобы увидеть этот парк скульптур, даже не обязательно покупать входной билет в музей.

По парку можно побродить совершенно бесплатно. Всего в парке — около 15 современных скульптур, как из собственной коллекции музея, так и из других фондов.

К числу произведений из собственной коллекции музея относятся работы Генри Мура, Бернарда Медоуза, Лайлы Пуллинен, Эйлы Хильтунен, Ээро Хииронена. Эти скульптуры, созданные из разных материалов, ведут диалог с архитектурой дома и окружающей природой.

История парка восходит к 1961 году, когда архитектор виллы, Вильо Ревелл, предложил установить у входа в музей скульптуру Генри Мура. Как мы уже знаем, сегодня музей Дидрихсена в Хельсинки располагает крупнейшей в скандинавских странах коллекцией работ Генри Мура. Сначала была приобретена «Лежащая фигура на пьедестале» (Reclining figure on pedestal) (1960) (ее можно увидеть у бассейна), а затем — «Атомная энергия» («Атом») (Atom piece / Nuclear Energy) (1964) (у входа в музей), изображающая нечто среднее между ядерным грибом и черепом человека, символизируя этическую двойственность атомной бомбы.

Первый вариант этой скульптуры Генри Мур создал в 1963 году по просьбе Чикагского университета. С помощью данного памятника университет хотел увековечить работу Ферми в области ядерной физики. Изначально скульптура называлась Atom Piece («Атомный фрагмент»), но затем Мур переименовал ее в Nuclear Energy («Атомная энергия»), поскольку в английском языке слова piece («фрагмент») и peace («мир») звучат одинаково.

Генри Мур был другом архитектора Ревелла, и, пожалуй, наиболее известным примером их сотрудничества может служить ратуша Торонто, перед зданием которой Ревелл счел необходимым водрузить монументальную абстрактную скульптуру Мура «Лучник». Позднее Мур выполнил «Лучника» меньшего масштаба, уже из мрамора, и Дидрихсены ее приобрели для своей коллекции. Всего в музее на сегодняшний день более десятка работ Генри Мура.

Вокруг виллы Дидрихсенов много и другой интересной современной скульптуры: например, недалеко от входа в музей у парковки установлена композиция «Крещендо» (Crescendo) (1982) — работа скульптора Эйлы Хильтунен (она автор знаменитого памятника Сибелиусу), посвященная Марии-Луизе Дидрихсен (In Memoriam Marie-Louise Didrichsen).

Из работ, временно украшающих парк, отметим скульптуры «Мама Африка» (Тилла Кекки, 2008) и «На волнах» (Йенни Тиеахо, 2013).

Последняя напоминает модель корабля викингов и органично смотрится на фоне живописной природы острова. Ладья до того здорово вписывается в ландшафт, что даже жалко, что через какое-то время ее заменят другой инсталляцией.

В парке виллы, в тихом месте с видом на море, есть скромная могила супругов Дидрихсен. Надгробный памятник «Пустая гробница» создал в 1985 году финский скульптор Арво Сийкамяки.

Памятник не случайно так называется: имеется информация [2], что в соответствии с желанием супругов их прах был развеян над гладью моря, у побережья рядом с виллой. Впрочем, сама надгробная композиция была заказана еще при жизни Марии-Луизы, которая скончалась от рака в 1988 году.

♦♦♦♦♦♦♦

См. также:

- Выставка Эдварда Мунка в Музее Дидрихсена в Хельсинки

♦♦♦♦♦♦♦

Практическая информация: как добраться до музея, сколько стоят билеты

Художественный музей Дидрихсена (Didrichsenin taidemuseo) в Хельсинки находится на острове Куусисаари (Kuusisaari), по адресу Kuusilahdenkuja, 1. Посмотреть расположение музея на карте Хельсинки можно тут.

До музея Дидрихсена можно добраться на автобусах № 194 или 195, которые отправляются от главного вокзала Хельсинки (площадь Elielinaukio), с платформы 36.

Ехать 20 минут.

Проездные билеты можно приобрести заранее в автомате (за 2,5 евро) либо у водителя (за 3 евро). Подробнее об общественном транспорте в Хельсинки читайте тут. Расписание автобусов можно посмотреть тут. Автобусы ходят достаточно часто.

Ехать нужно до остановки Kuusisaarenkuja. Остановка находится на главном шоссе, от которого вправо отходит улица, где расположен музей.

Около остановки будет указатель, следуя которому нужно будет пройти до музея буквально пару минут (мимо парковки).

Режим работы музея Дидрихсена во время проведения выставок: со вторника по воскресенье с 11:00 до 18:00.

Цена входного билета для взрослых 13 евро; для пенсионеров и студентов — 8 евро; для посетителей старше 75 лет и младше 7 лет — бесплатно.

Фотографировать на выставке разрешается бесплатно (без вспышки).

Официальный сайт Художественного музея Дидрихсена в Хельсинки: didrichsenmuseum.fi

Обратите внимание, что из-за строгих мер безопасности в музее будет проводиться проверка металлодетектором. В выставочные залы не позволяется проносить напитки, еду, острые предметы, а также крупные сумки и рюкзаки (всё это можно оставить в запирающихся шкафчиках на входе). Для верхней одежды есть гардероб у кассы.

В музее есть сувенирный магазин. В настоящее время там можно купить массу различных сувениров, посвященных творчеству Эдварда Мунка.

♦♦♦♦♦♦♦

Куда сходить и что посмотреть в Хельсинки

Музеи Хельсинки

- Музей Атенеум

- Городской музей Хельсинки

- Художественный музей Амоса Андерсона

- Художественный музей Дидрихсена

- Художественный музей Синебрюхова

- Национальный музей Финляндии

Церкви и соборы Хельсинки: это стоит посмотреть

- Кафедральный собор Святого Николая (Helsingin tuomiokirkko)

- Православный Успенский собор

- Церковь в скале (Темппелиаукио)

- Часовня тишины Камппи

- Старая церковь Хельсинки (Vanhakirkko)

- Церковь Св. Иоханнеса (Иоанна) (Johanneksenkirkko)

- Церковь Каллио

Интересная архитектура и интерьеры в Хельсинки: это стоит посмотреть

- Здания в стиле финского модерна (национального романтизма) в Хельсинки

- Здание Национальной библиотеки

Бассейны и аквапарки Хельсинки

- Бассейн в скале Itäkeskus

- Исторический бассейн Yrjönkatu

Другое: концертные и оперные театры

- Опера Хельсинки

- Концерты органной музыки в церквях Хельсинки (например, в Старой церкви и кафедральном соборе)

♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Официальный сайт Художественного музея Дидрихсена в Хельсинки

2. Могила Дидрихсенов в Хельсинки

3. Парк скульптур виллы-музея Дидрихсена в Хельсинки

4. Художественный музей Дидрихсена, статья в Википедии

5. Гуннар и Мария-Луиза Дидрихсен

6. О компании Transmeri и ее создателе Гуннаре Дидрихсене

Художественный музей Атенеум обладает самой обширной в Финляндии коллекцией картин, скульптур и графики, начиная с произведений 1750-х годов до работ середины XX века — от живописи эпохи рококо до экспериментальных художественных течений. В фондах музея насчитывается свыше 4300 картин и более 750 скульптур. Представлены самые разнообразные жанры и эпохи искусства: портреты и сцены охоты периода романтизма, пейзажи художников дюссельдорфской школы и «профранцузские» работы рубежа XIX-XX вв.; образцы реализма, символизма, импрессионизма, экспрессионизма и, разумеется, шедевры золотого века финской живописи.

Постоянная экспозиция музея Атенеум занимает третий этаж здания (там же устраиваются небольшие тематические экспозиции), а на втором этаже проходят временные выставки (план залов). В этой заметке мы расскажем о некоторых наиболее интересных и известных картинах и скульптурах в коллекции Атенеума, а также об их авторах: знаменитых финских художниках и скульпторах. Подробнее об истории музея Атенеум и архитектуре музейного здания можно прочитать тут. Там же приводится полезная информация о стоимости билетов, часах работы и порядке посещения музея Атенеум. Внимание: далеко не всегда в музее одновременно можно увидеть все знаменитые произведения.

Работы финских скульпторов

Начнем нашу прогулку по музею Атенеум прямо от входа.

В вестибюле нас встречает мраморная группа «Аполлон и Марсий» (1874) работы знаменитого финского скульптора Вальтера Рунеберга (Walter Magnus Runeberg) (1838-1920), автора памятников Юхану Рунебергу и императору Александру II в Хельсинки. Отец скульптора, поэт Юхан Рунеберг, представитель национально-романтического направления в литературе, внедрял в финскую культуру идеалы греческой и римской цивилизации, в том числе ценность храбрости и преданности. Его сын продолжил выражать эти идеалы, но уже средствами скульптуры. В 1858-62 гг. Вальтер Рунеберг учился в Копенгагене в Академии художеств под руководством датского скульптора Германа Вильгельма Биссена, ученика знаменитого Торвальдсена — всемирно признанного мастера неоклассической скульптуры. В 1862-1876 гг. Рунеберг работал Риме, продолжая изучать классическое наследие.

В этой скульптурной группе Рунеберг изобразил бога света Аполлона, побеждающего своим искусством сатира Марсия, олицетворяющего темноту и приземленность. Фигура Аполлона выполнена в духе античных идеалов, тогда как этому образу явно противопоставляется барочно-диковатый пастух Марсий. Композиция первоначально предназначалась для украшения нового Студенческого дома Хельсинки и была заказана женским обществом, но затем дамы, видимо, решили, что в скульптуре Рунеберга многовато обнаженной натуры. Так или иначе, в итоге произведение преподнесли в дар Художественному обществу Финляндии — так оно и оказалось в коллекции музея Атенеум.

При входе в основные выставочные залы Атенеума на третьем этаже можно увидеть еще несколько интересных работ финских скульпторов. Особенно привлекательно выглядят мраморные и бронзовые скульптуры, изящные статуэтки и вазы работы Вилле Валлгрена (Ville Vallgren) (1855–1940). Вилле Валлгрен был одним из первых финских скульпторов, решивших после получения базового образования в Финляндии продолжать обучение не в Копенгагене, а в Париже. На его выбор повлиял известный художник Альберт Эдельфельт, тоже уроженец города Порвоо. Эдельфельт помогал импульсивному земляку и в других жизненных и профессиональных вопросах: например, именно с его помощью Валлгрен получил заказ на выполнение знаменитого фонтана «Хавис Аманда» (1908) на бульваре Эспланада в Хельсинки.

Вилле Валлгрен, проживший во Франции почти 40 лет, более всего известен своими чувственными женскими фигурами в стиле ар-нуво. Однако на раннем этапе творчества он часто изображал юношей и придерживался более классического стиля (примерами могут служить поэтичные мраморные скульптуры «Эхо» (1887) и «Мальчик, играющий с крабом» (1884), в которых Валлгрен соединяет человеческих персонажей и мир природы).

В конце XIX века Вилле Валлгрен приобрел всемирную известность как замечательный мастер декоративных статуэток, а также ваз, погребальных урн и слезниц, украшенных фигурами скорбящих девушек-плакальщиц. Но с не меньшей убедительностью бонвиван Валлгрен изображал и радости жизни, в том числе кокетливых и соблазнительных женщин, таких как та же Хавис Аманда. Помимо вышеупомянутой скульптуры «Мальчик, играющий с крабом» (1884), на третьем этаже музея Атенеум можно увидеть бронзовые произведения Вилле Валлгрена: «Слезница» (1894), «Весна (Возрождение)» (1895), «Двое молодых людей» (1893) и ваза (ок. 1894). Эти утонченные работы с идеально проработанными деталями невелики по размеру, но производят сильное эмоциональное впечатление и запоминаются своей красотой.

Вилле Валлгрен прошел длительный путь к карьере скульптора, но, однажды найдя свое направление и заручившись поддержкой профессионалов, стал одним из самых уважаемых и всемирно признанных художников в истории финского искусства. Например, он был единственным финном, получившим за свое творчество медаль «гран-при» на Всемирной выставке в Париже (это произошло в 1900 году). Впервые Валлгрен привлек к себе внимание коллег и критиков во время Всемирной выставки 1889 года, где был представлен его рельеф «Христос». В очередной раз финский скульптор заставил о себе говорить во время символистских парижских салонов Rose + Croix в 1892 и 1893 годах. Женой Валлгрена была шведская художница и скульптор Антуанетта Рострём (Antoinette Råström) (1858-1911).

Золотой век финского искусства: Альберт Эдельфельт, Аксели Галлен-Каллела, Ээро Ярнефельт, Пекка Халонен

В одном из самых обширных залов на третьем этаже музея Атенеум представлены классические картины золотого века финской живописи, в том числе работы друга Вилле Валлгрена — Альберта Эдельфельта (Albert Edelfelt) (1854-1905), наиболее широко известного в мире финского художника.

Внимание зрителей обязательно привлекает сказочная картина «Королева Бланка» (1877) — одна из самых популярных и любимых картин в Финляндии, настоящий гимн материнству. Печатные репродукции этой картины и вышивки с ее изображением можно встретить в тысячах домов по всей стране. Источником вдохновения для Эдельфельта послужил рассказ Захариаса Топелиуса  «Девять серебряников» (De nio silverpenningarna), в котором средневековая королева Швеции и Норвегии Бланка Намюрская развлекает песенками своего сына — принца Хакона Магнуссона, будущего супруга Маргариты I Датской. Результатом этого брака, организованного как раз королевой Бланкой, стал союз Швеции, Норвегии и Дании — Кальмарская уния (1397-1453). Обо всех этих будущих событиях и поёт миловидная Бланка своему маленькому сыну.

В эпоху создания данного полотна историческая живопись считалась наиболее благородным видом искусства и была востребована образованными слоями финского общества, поскольку национальная идентичность в тот период только начинала формироваться. Альберту Эдельфельту было всего 22 года, когда он решил создать картину на тему средневековой скандинавской истории, и «Королева Бланка» стала его первой серьезной работой. Художник стремился оправдать ожидания своего народа и воплотить историческую сцену максимально живо и достоверно (во время написания картины Эдельфельт жил в тесной мансарде в Париже и по настоянию своего учителя Жана-Леона Жерома изучал костюмы того периода, читал книги о средневековой архитектуре и мебели, посещал средневековый музей Клюни). Посмотрите, с каким мастерством выписаны сияющий шелк платья королевы, медвежья шкура на полу и многие другие детали (медвежью шкуру художник специально брал напрокат в универмаге). Но главным в картине, по крайней мере для современного зрителя (да и для самого Эдельфельта, больше всех на свете любившего свою мать), остается ее теплое эмоциональное содержание: лицо матери и жесты ребёнка, которые выражают любовь, радость и близость.

В качестве модели для королевы Бланки послужила красивая 18-летняя парижанка, а для принца позировал хорошенький итальянский мальчик. Картина «Королева Бланка» была впервые представлена публике в 1877 году на Парижском салоне, имела большой успех и была растиражирована по французским художественным изданиям. Затем ее показали в Финляндии, после чего полотно было продано Авроре Карамзиной. Впоследствии картина оказалась в коллекции магната Ялмара Линдера, который подарил ее музею Атенеум в 1920 году.

Другим примером раннего творчества  Альберта Эдельфельта в музее Атенеум служит горестная картина «Похороны ребёнка» («Перевозка гроба») (1879). Мы уже говорили, что в молодости Эдельфельт собирался стать историческим живописцем; к этому он готовил себя во время обучения в Антверпене, а затем и в Париже. Но к концу 1870-х годов его идеалы изменились, он сдружился с французским художником Бастьеном-Лепажем и стал проповедником пленэрной живописи. Следующие работы Эдельфельта являются уже реалистическим отображением крестьянского быта и живой жизни родной земли. Но картина «Похороны ребёнка» не просто отражает сцену повседневной жизни: она передает одну из фундаментальных человеческих эмоций — горе.

В тот год Эдельфельт впервые побывал на даче, которую снимала его мать в поместье Хайкко близ Порвоо (впоследствии художник приезжал в эти красивые места каждое лето). Картина была полностью написана на пленэре, для чего крупное полотно пришлось прикрепить к прибрежным валунам, чтобы оно не трепетало на ветру. «Не думал, что писать картины на открытом воздухе так трудно», — сообщал Эдельфельт одному из друзей. Эдельфельт набрасывал обветренные лица жителей архипелага Порвоо, не раз выезжал с рыбаками в море и даже специально поставил в своей мастерской распиленную рыбацкую лодку для точного воспроизведения деталей. Картина Эдельфельта «Похороны ребёнка» была выставлена на Парижском салоне 1880 года и отмечена медалью 3-й степени (впервые финский художник удостоился такой чести). Французские критики отмечали разнообразные достоинства картины, в том числе и то, что она лишена излишней сентиментальности, но отражает то достоинство, с каким персонажи принимают неизбежное.

Совсем иным, солнечным и беззаботным настроением проникнута картина Альберта Эдельфельта «Люксембургский сад» (1887). Когда Эдельфельт писал это полотно, он был уже весьма известной фигурой в парижском художественном мире. Очарованный парижскими парками с многочисленными детьми и няньками, радующимися хорошей погоде, он решил запечатлеть эту красоту. К тому времени живописец уже жил в Париже более десяти лет, и даже странно, что эта картина — единственная его крупная работа с изображением парижской жизни. Вероятно, это связано с жесткой конкуренцией среди художников: в этой среде было проще выделиться, работая над более «экзотическими» финскими сюжетами. Картина «Люксембургский сад» необычна еще и тем, что в ней Эдельфельт использовал многие приемы импрессионизма. В то же время, в отличие от импрессионистов, он работал над этим полотном  более года, причем как на пленэре, так и в мастерской. Работа часто затормаживалась по банальным причинам: из-за плохой погоды или опоздания моделей. Самокритичный Эдельфельт неоднократно переделывал полотно, внося изменения вплоть до последнего момента, когда произведение уже пора было везти на выставку.

Картина была впервые показана на выставке в Galerie Petit в мае 1887 года. Самого Эдельфельта результат не очень удовлетворил: на фоне цветовых взрывов в картинах французских импрессионистов его полотно выглядело, как ему показалось, анемичным, «жидким». Однако критиками и публикой работа была принята хорошо. Впоследствии данная картина стала своего рода символом тесных связей финского искусства — и Эдельфельта в частности, — с Парижем, который в ту эпоху был эпицентром художественной вселенной.

Картину «Женщины у церкви в Руоколахти» (1887) Альберт Эдельфельт написал в своей летней мастерской в Хайкко — там он создал почти все свои произведения на тему народной жизни. Хотя картина отражает впечатления от поездки в Восточную Финляндию, известно, что моделями для картины были женщины из Хайкко (сохранились фотографии, на которых они позируют Эдельфельту в его студии). Как и другие крупные композиции, эта создавалась не в одночасье, всегда делались тщательные предварительные наброски. Тем не менее, главной целью художника всегда оставалось достижение спонтанного, живого эффекта «моментального снимка».

Рядом с работами Альберта Эдельфельта в музее Атенеум можно увидеть картины другого представителя золотого века финского искусства, Ээро Ярнефельта (Eero Järnefelt) (1863-1937). После окончания обучения в Финляндии Ярнефельт поехал в Санкт-Петербург, где учился в Академии художеств у своего дяди Михаила Клодта, сблизился с Репиным и Коровиным, а затем отправился продолжать образование в Париж. Несмотря на зарубежные влияния, в творчестве Ярнефельта нашли отражение поиски национальной самобытности, стремление подчеркнуть своеобразный характер родной культуры (подробнее о творчестве Ээро Ярнефельта читайте тут).

Ярнефельт наиболее известен как портретист и автор величественных пейзажей местности Коли и окрестностей озера Туусуланярви, где находилась его вилла-студия «Сувиранта» (по соседству располагался дом «Айнола», где жил композитор Сибелиус со своей женой — сестрой Ярнефельта).

Но самым важным и известным произведением Ээро Ярнефельта, безусловно, является картина «Под ярмом» («Выжигание леса») (1893) (другие варианты названия — «Спину гнущие для денег», «Подневольный труд»). Сюжет полотна связан со старинным методом земледелия, который заключается в выжигании леса для получения пахотных земель (так называемое подсечно-огневое земледелие). Картина была создана летом 1893 года на ферме Rannan Puurula в местечке Лапинлахти, в области Северный Саво. В тот год мороз вторично погубил урожай. Ярнефельт работал на ферме одной состоятельной семьи и наблюдал тяжелые условия жизни и труда безземельных рабочих, которые получали плату за свою работу только в случае, если урожай был хорошим. Параллельно Ярнефельт делал зарисовки горящего лесного пейзажа, изучал поведение огня и дыма, а также снимал на фотопленку сельских жителей, которые в итоге стали главными героями его картины.

Прямо на зрителя смотрит только один персонаж картины: это девочка, на время прервавшая работу и взирающая на нас с выражением упрека. Ее живот распух от голода, лицо и одежда почернели от копоти, а вокруг ее головы Ярнефельт изобразил дым, напоминающий нимб. Художник написал этот образ с 14-летней девочки по имени Йоханна Кокконен (Johanna Kokkonen), прислуги на ферме. Человек на переднем плане — Хейкки Пуурунен (Heikki Puurunen), брат фермера, а на заднем плане изображен сам владелец фермы.

Глядя на картину, можно буквально почувствовать жар огня, услышать приглушенный шум пламени и хруст веток.  Картина имеет несколько трактовок, но главным ее смыслом видится жесткая критика угнетаемого народа. Девочка с картины стала обобщенным образом всех бедных и голодных детей, всех обездоленных людей Финляндии. Полотно было впервые представлено публике в 1897 году.

Целый большой зал в музее Атенеум посвящен творчеству еще одного знаменитого представителя золотого века финского изобразительного искусства — Аксели Галлена-Каллелы (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Как и другие крупные финские художники того периода, он учился в Париже. Особого внимания парижской публики Галлен-Каллела удостоился во время Всемирной выставки 1900 года, когда выполнил по мотивам финского эпоса «Калевала» ряд фресок для финского павильона.

Во время обучения в Париже Галлен-Каллела часто зарисовывал сценки, подмеченные им на улицах и в кафе. Примером творчества этого периода является картина «Обнаженная» («Без маски») (Démasquée) (1888) — чуть ли не единственное эротическое полотно в творчестве Галлена-Каллелы. Известно, что оно было создано 23-летним художником по заказу финского коллекционера и благотворителя  Фритьофа Антелля, который хотел пополнить свое собрание сексуально откровенных картин. Однако когда Антелль увидел полотно, то отказался его брать, видимо, сочтя картину слишком непристойной даже для своего вкуса.

На картине изображена обнаженная парижанка (по-видимому, проститутка), сидящая в мастерской художника на диване, покрытом традиционным финским ковром. Картина дает представление о богемном стиле жизни, но в то же время намекает на то, что его радости чреваты гибелью, падением. Художник изображает символизирующую невинность лилию, которой противопоставляется подчеркнуто чувственная модель и гитара, чья форма дополнительно усиливает эротическое ощущение. Женщина выглядит одновременно соблазнительной и пугающей. Распятие, статуя Будды и старинный финский ковер рюйю, изображенные по соседству с самодовольной женской плотью, намекают на поругание святого. На столе на заднем плане осклабился череп — частый элемент в картинах жанра Ванитас, напоминающих зрителю о бренности земных удовольствий и неизбежности смерти. Полотно Démasquée было впервые выставлено в музее Атенеум в 1893 году.

Множество более поздних работ Галлена-Каллелы посвящено «Калевале». При изображении таких героев финского эпоса, как Вяйнямёйнен и Лемминкяйнен, художник применяет особенный стиль, жесткий и выразительный, полный неподражаемо ярких красок и стилизованных орнаментов. Из этого цикла стоит отметить потрясающую картину «Мать Лемминкяйнена» (1897). Хотя картина является иллюстрацией к эпосу, она имеет более глобальное, универсальное звучание и может считаться своего рода северной Пьетой. Эта пронзительная песня материнской любви — одно из самых потрясающих произведений Галлена-Каллелы на тему «Калевалы».

Мать Лемминкяйнена — весёлого парня, ловкого охотника и соблазнителя женщин — находит своего сына у черной реки Смерти (реки Туонела), где он пытался подстрелить священного лебедя. Лебедь изображен в темной воде на заднем плане, а на каменистом берегу рассыпаны черепа и кости и прорастают цветы смерти. В «Калевале» рассказывается, как мать прочесывает длинными граблями воду, выгребает все кусочки и заново складывает из них сына. С помощью заклинаний и мазей она оживляет Лемминкяйнена. На картине изображен момент, который предшествует воскрешению. Кажется, всё пропало, но солнечные лучи проникают в царство мертвых, даря надежду, а пчела несет жизнетворный божественный бальзам для воскресения героя. Темные, приглушенные цвета усиливают ощущение неподвижности этого подземного мира, а интенсивный кроваво-красный мох на камнях, мертвенно-бледная белизна растений и кожи Лемминкяйнена контрастируют с божественно-золотистым цветом пчелы и проливающихся с небес лучей.

Для этой картины художнику позировала его собственная мать. Ему удалось создать весьма реалистичный образ с живым, напряженным взглядом (это подлинная эмоция: Галлен-Каллела специально заговорил с матерью о чем-то печальном, вызвав ее слезы). В то же время картина отличается стилизацией, что позволяет создать особую мифическую атмосферу, ощущение того, что события происходят «по ту сторону» реальности. Для усиления эмоционального воздействия Галлен-Каллела использовал темперу вместо масляных красок. Мощную композицию помогают создать упрощенные формы, четкие контуры фигур и крупные цветовые плоскости. Чтобы лучше передать мрачное настроение картины, художник обустроил в своем доме-студии в Руовеси абсолютно черную комнату, единственным источником освещения в которой был потолочный люк. Кроме того, он сфотографировал себя лежащим на полу обнаженным и использовал эти снимки, когда писал фигуру Лемминкяйнена.

Совсем в ином, идиллическом и почти фривольном стиле выдержан триптих Галлена-Каллелы «Легенда об Айно» (1891). Композиция посвящена сюжету из «Калевалы» о юной девушке Айно и старом мудреце Вяйнямёйнене. Айно по решению родителей должна была быть отдана замуж за Вяйнямёйнена, но она сбегает от него, предпочитая утопиться. На левой части триптиха показана первая встреча старика и девушки, облаченной в традиционный карельский наряд, в лесу, а на правой мы видим печальную Айно. Готовясь броситься в воду, она плачет на берегу, внимая призывам играющих в воде морских дев. Наконец, центральное панно изображает финал истории: Вяйнямёйнен выезжает на лодке в море и рыбачит. Поймав маленькую рыбку, он не узнаёт в ней утонувшую по его вине девушку и бросает рыбу обратно в воду. Но в этот момент рыба превращается в Айно — русалку, которая смеется над упустившим ее стариком и затем исчезает в волнах навсегда.

В начале 1890-х годов Галлен-Каллела был сторонником натурализма, и ему обязательно требовались подлинные модели для всех фигур и предметов на картине. Так, для образа Вяйнямёйнена с его длинной красивой бородой художнику позировал житель одной из карельских деревень. Кроме того, художник засушивал окуней, чтобы добиться максимально точного изображения напуганной стариком рыбы. Даже серебряный браслет, который блестит на руке Айно, существовал в действительности: Галлен-Каллела подарил это украшение своей молодой жене Мэри. Она же, очевидно, послужила моделью для Айно. Пейзажи для триптиха были зарисованы художником во время медового месяца в Карелии.

Композицию обрамляет деревянная рама с орнаментами и цитатами из «Калевалы», написанными рукой самого Галлена-Каллелы. Этот триптих стал отправной точкой движения национального романтизма в Финляндии — финского варианта ар-нуво. Первую версию данной картины художник выполнил в Париже в 1888-89 гг. (сейчас она принадлежит Банку Финляндии). Когда картину впервые представили в Хельсинки, она была встречена с большим энтузиазмом, и Сенат решил заказать новый вариант за государственный счет. Такая идея выглядит вполне естественно на волне движения фенноманов, идеализировавших и романтизировавших финскую нацию. К тому же, искусство воспринималось как мощное средство выражения финских национальных идеалов. В это же время начались экспедиции художников в Карелию в поисках «настоящего финского стиля». Карелия виделась единственным нетронутым краем, где сохранились следы «Калевалы», и сам Галлен-Каллела воспринимал этот эпос как рассказ о минувших временах национального величия, как образ утраченного рая.

Картина Галлена-Каллелы «Проклятие Куллерво» (1899) повествует о еще одном герое «Калевалы». Куллерво был юношей необычайной силы, сиротой, который был отдан в рабство и отправлен в глушь пасти коров. Злая хозяйка, жена кузнеца Ильмаринена, дала ему в дорогу хлеб, в который был спрятан камень. Попытавшись разрезать хлеб, Куллерво сломал нож, единственную память об отце. Разъяренный, он собирает новое стадо из волков, медведей и рысей, которые раздирают хозяйку. Куллерво бежит из рабства и возвращается домой, узнав, что его родные живы. Однако на этом злоключения Куллерво не заканчиваются. Бесконечная спираль мести уничтожает не только его вновь обретенную семью, но и его самого. Сначала он встречает и соблазняет девушку, которая оказывается его сестрой, и из-за этой греховной связи сестра кончает жизнь самоубийством. Вскоре умирают и все его родные. Тогда Куллерво убивает себя, бросившись на меч.

На картине Галлена-Каллелы представлен эпизод, когда Куллерво еще служит пастухом (на заднем плане видно его стадо, а впереди изображен хлеб с запеченным камнем). Юноша трясет кулаком и клянется отомстить своим врагам. Художник изобразил разъяренного героя на фоне солнечного пейзажа ранней осени, но на заднем плане уже сгущаются тучи, а налитая красным рябина служит предостережением, пророчеством грядущих кровопролитий. В этой картине трагедия соединяется с красотой карельской природы, а герой-мститель может в каком-то смысле рассматриваться как символ финского боевого духа и возрастающего национального самосознания. С другой стороны, перед нами портрет гнева и разочарования, бессилия человека, который воспитывался у чужих людей, истребивших его семью, в атмосфере насилия и мести, и это наложило трагический отпечаток на его судьбу.

Подробнее о творчестве Галлена-Каллелы читайте тут.

Завершим этот раздел рассказом о творчестве еще одного яркого представителя финского национального романтизма в живописи, известного художника финского золотого века — Пекки Халонена. Пекка Халонен (Pekka Halonen) (1865-1933) приобрел известность в 1890-х годах, показав себя непревзойденным мастером зимних пейзажей. Одним из шедевров этого жанра является картина «Молодые сосенки под снегом» (1899), считающаяся примером финского японизма и ар-нуво в живописи. Мягкий пушистый снег, покрывающий саженцы, играя разными оттенками белого, создает мирную атмосферу лесной сказки. Туманный воздух пропитан холодной зимней мглой, а пышные снежные пласты подчеркивают хрупкую красоту молодых сосен. Деревья вообще были одним из излюбленных мотивов в творчестве Пекки Халонена. На протяжении всей жизни он с увлечением изображал деревья в разные времена года, причем особенно любил весну, но всё же более всего прославился именно как мастер зимних пейзажей — немногие живописцы осмеливались творить на морозе. Пекка Халонен же не страшился зимы и работал на открытом воздухе в любую погоду на протяжении всей жизни. Сторонник работы на пленэре, он с презрением относился к художникам, которые «смотрят на мир через окно». На картинах Халонена ветви трескаются от мороза, деревья прогибаются под тяжестью снежных шапок, солнце отбрасывает на землю голубоватые тени, а лесные жители оставляют следы на мягком белом ковре.

Зимние пейзажи стали своего рода национальным символом Финляндии, и Пекка Халонен выполнил дюжину полотен на тему финской природы и народного быта для павильона Финляндии на Всемирной выставке в Париже 1900 года. К этому циклу относится, например, картина «У проруби» («Стирка на льду») (1900). Интерес к изображению «северной экзотики» пробудился у Халонена, когда он учился у Поля Гогена в Париже в 1894 году.

Как правило, художники золотого века финской живописи происходили из городского среднего класса. Другое дело — Пекка Халонен, который был выходцем из семьи просвещенных крестьян и ремесленников. Он родился в Лапинлахти (Восточная Финляндия) и довольно рано заинтересовался искусством — причем не только живописью, но и музыкой (мать художника была одаренной исполнительницей на кантеле; она же привила сыну бережное отношение и любовь к природе, и позднее эта любовь превратилась почти в религию). Учиться живописи юноша начал несколько позже своих ровесников, но после четырехлетнего обучения в школе рисования Художественного общества Финляндии и отличного ее окончания Халонен смог получить стипендию, позволившую ему отправиться на учебу в Париж — художественную Мекку того времени. Сначала он занимался в Академии Жюлиана, а затем, в 1894 году, начал брать частные уроки у Поля Гогена вместе со своим другом Вяйно Блумстедом. В этот период Халонен познакомился с символизмом, синтетизмом и даже теософией. Знакомство с новейшими художественными течениями, впрочем, не привело его к отказу от реалистической манеры, да и яркую палитру Гогена он не позаимствовал, однако под влиянием Гогена Халонен стал глубоким знатоком японского искусства и начал собирать копии японских гравюр.

Например, в его работах часто фигурирует изогнутая сосна — популярный мотив в японском искусстве. Кроме того, во многих картинах Халонен уделяет особое внимание деталям, декоративному узору ветвей или особому рисунку снега, да и сама тема зимних пейзажей — не редкость в японском искусстве. Также для Халонена характерно предпочтение вертикальных узких холстов типа «какэмоно», асимметричных композиций, крупных планов и необычных ракурсов. В отличие от многих других пейзажистов, он писал не типичные панорамные виды сверху; его пейзажи написаны глубоко в лесу, близко к природе, где деревья буквально обступают зрителя, приглашая его в свой молчаливый мир. Именно Гоген вдохновил Халонена к открытию своего собственного стиля в изображении природы и призвал искать свои темы в национальных корнях. Как и Гоген, Халонен стремился найти с помощью своего искусства нечто первичное, изначальное, но только если француз искал свой идеал на тихоокеанских островах, то финский художник стремился возродить «утраченный рай» финского народа в девственных лесах, священных дебрях, описанных в «Калевале».

Творчество Пекки Халонена всегда отличали поиски мира и гармонии. Художник считал, что «искусство не должно раздражать нервы, как наждачная бумага, — оно должно создавать ощущение мира». Даже изображая крестьянский труд, Халонен добивался спокойных, уравновешенных композиций. Так, в работе «Пионеры в Карелии» («Прокладка дороги в Карелии») (1900) он представил финских крестьян как независимых, разумных работников, которым не требуется прилагать чрезмерных усилий для выполнения работы. Кроме того, художник подчеркивал, что стремился к созданию общего декоративного впечатления. Это был его ответ современникам, которые критиковали нереалистичное «безмятежное воскресное настроение» картины и удивлялись слишком чистой одежде работников, малому количеству стружек на земле и странному появлению лодки посреди леса. Но у художника был совсем иной замысел. Пекка Халонен хотел создать не картину тяжелой изнурительной работы, а передать спокойный размеренный ритм крестьянского труда.

Большое влияние на Халонена также оказали поездки в Италию (1896-97 и 1904 г.), в том числе шедевры раннего Ренессанса, которые он увидел во Флоренции. Впоследствии Пекка Халонен со своей женой и детьми (всего у пары родилось восемь детей) переезжает к озеру Туусула, тихие живописные окрестности которого служили неистощимым источником вдохновения и плодотворной работы вдали от Хельсинки, «источника всего прозаичного и безобразного». Здесь, катаясь на лыжах по озеру, художник присмотрел место для своего будущего дома, и в 1899 году пара купила участок на берегу, где через несколько лет вырос дом-студия Пекки Халонена — вилла, названная им Халосенниеми (Halosenniemi) (1902). Это уютное деревянное жилище в национально-романтическом духе было спроектировано самим художником. Сегодня в доме размещается музей Пекки Халонена.

Финские символисты

Один из самых интересных разделов в коллекции музея Атенеум — неповторимые работы Хуго Симберга и других финских символистов.

В отдельном зале музея Атенеум выставлена знаменитейшая картина «Раненый ангел» (1903) финского художника Хуго Симберга. На этом меланхоличном полотне изображена странная процессия: двое угрюмых мальчиков несут на носилках одетую в белое девочку-ангела с завязанными глазами и раненым крылом. Фоном картины служит оголённый пейзаж ранней весны. В руке у ангела букетик подснежников, первых цветов весны, символов исцеления и новой жизни. Шествие возглавляет одетый в черное мальчик, напоминающий гробовщика (вероятно, это символ Смерти). Взгляд другого мальчика обращен к нам, проникая прямо в душу зрителя и напоминая о том, что темы жизни и смерти имеют отношение к каждому из нас. Павший ангел, изгнание из рая, размышления о смерти — все эти темы особенно волновали художников-символистов. Сам художник отказывался предлагать какие-то готовые интерпретации картины, предоставляя зрителю самому делать выводы.

Хуго Симберг работал над этой картиной длительное время: первые наброски встречаются в его альбомах с 1898 года. Некоторые эскизы и фотографии отражают отдельные фрагменты композиции. Иногда ангела везут на тачке, иногда в виде носильщиков представлены не мальчики, а маленькие дьяволята, в то же время центральной всегда остается фигура ангела, а задний план — реальным пейзажем. Процесс работы над картиной был прерван, когда Симберг серьезно заболел: художник с осени 1902 до весны 1903 года лечился в больнице Института диаконисс в Хельсинки (Helsingin Diakonissalaitos) в районе Каллио. У него было тяжелое нервное заболевание, усугублявшееся сифилисом (от которого художник впоследствии и умер).

Известно, что Симберг фотографировал своих моделей (детей) в мастерской и в парке Эляйнтарха, располагающемся рядом с вышеупомянутой больницей. Изображенная на картине тропинка существует и сегодня — она пролегает у берега залива Тёёлёнлахти. Во времена Симберга парк Эляйнтарха был популярным местом отдыха представителей рабочего класса. Кроме того, там располагалось множество благотворительных учреждений, в том числе женская школа для слепых и приют для инвалидов. Симберг неоднократно наблюдал за обитателями парка, когда гулял там весной 1903 года, отправляясь от тяжелой болезни. Видимо, в ходе этих долгих прогулок идея картины оформилась окончательно. Помимо философских интерпретаций картины «Раненый ангел» (символа изгнания из рая, заболевшей человеческой души, беспомощности человека, разбитой мечты), некоторые видят в ней олицетворение болезненного состояния художника и даже конкретных физических симптомов (по некоторым сведениям, Симберг также страдал от менингита).

Картина Симберга «Раненый ангел» имела большой успех сразу же после ее завершения. Презентация состоялась на осенней выставке Художественного общества Финляндии в 1903 году. Первоначально полотно было выставлено без названия (точнее, вместо названия стоял прочерк), что намекало на невозможность какой-либо одной интерпретации. За эту глубоко индивидуальную и эмоциональную работу художник в 1904 году был награжден государственной премией. Второй вариант «Раненого ангела» был исполнен Симбергом при украшении фресками интерьера кафедрального собора Тампере, где он работал совместно с Магнусом Энкелем.

Согласно проведенному в Финляндии в 2006 году опросу, «Раненый ангел» был признан самым популярным произведением в коллекции Атенеума, самой любимой «национальной картиной» Финляндии, художественным символом страны.

Хуго Симберг (Hugo Simberg) (1873-1917) родился в городе Хамина, затем жил и учился в Выборге, а потом в Хельсинки, где посещал школу Художественного общества Финляндии. Лето он часто проводил в семейной усадьбе в Ниеменлаутта (Сяккиярви) на берегу Финского залива. Симберг много путешествовал по Европе, побывал в Лондоне и Париже, посетил Италию, Кавказ. Важный этап его становления как художника пришелся на период, когда Симберг, разочаровавшись в стереотипном академическом образовании, начал брать частные уроки у Аксели Галлена-Каллелы в глухой местности в Руовеси, где Галлен-Каллела построил свой дом-мастерскую. Галлен-Каллела высоко ценил талант своего ученика и предвещал ему великое будущее в мире искусства, сравнивая работы Симберга с правдивыми и страстными проповедями, которые стоит услышать каждому. Симберг трижды приезжал в Руовеси в период с 1895 по 1897 год. Здесь, в атмосфере художественной свободы, он быстро нашел свой собственный язык. Например, в первую осень пребывания в Руовеси он написал известную работу «Мороз» (1895), отчасти напоминающую «Крик» Мунка. В данном случае погодное явление, страх фермеров всего мира, получило зримое воплощение, лицо и форму: это смертельно-бледная фигура с большими ушами, сидящая на вершине снопа и отравляющая всё вокруг своим смертоносным дыханием. В отличие от «Крика» Мунка, законченного несколькими годами ранее, «Мороз» Симберга вызывает не полный ужас и отчаяние, а странное чувство угрозы и жалости одновременно.

Важным моментом в жизни Симберга стала осенняя выставка 1898 года, после которой он был принят в Союз художников Финляндии. Симберг много путешествовал по Европе, преподавал, участвовал в выставках. Однако по-настоящему масштаб дарования художника был оценен только после его смерти. Сосредоточенность на жутком и сверхъестественном находила понимание далеко не у всех критиков и зрителей того времени.

Хуго Симберг был одним из крупнейших финских символистов. Его привлекали не банальные повседневные ситуации — напротив, он изображал то, что открывало двери в другую реальность, затрагивало разум и душу зрителя. Он понимал искусство «как возможность перенести человека посреди зимы в прекрасное летнее утро и почувствовать, как просыпается природа и ты сам находишься с ней в согласии. Именно этого я ищу в произведении искусства. Оно должно о чем-то нам говорить и говорить громко, так, чтобы мы уносились в иной мир».

Симберг особенно любил изображать то, что можно увидеть только в воображении: ангелов, чертей, троллей и образы самой Смерти. Однако даже этим образам он придавал мягкость и человечность. Смерть у Симберга нередко доброжелательна и полна сочувствия, выполняет свои обязанности без энтузиазма. Вот она пришла с тремя белыми цветами, чтобы забрать старуху. Однако Смерть не торопится, она вполне может себе позволить послушать, как мальчик играет на скрипке. Лишь часы на стене отмечают ход времени («Смерть слушает», 1897).

В работе «Сад смерти» (1896), созданной во время первой учебной поездки в Париж, Симберг, как он сам говорил, изобразил место, куда попадает человеческая душа сразу после смерти, перед тем как отправиться в рай. Три скелета в черных одеждах трепетно заботятся о душах-растениях с такой любовью, как монахи ухаживают за монастырским садом. Эта работа имела для художника большое значение. Почти десять лет спустя Симберг повторил ее в виде большой фрески в кафедральном соборе Тампере. Странное очарование этого произведения кроется в милых бытовых деталях (лейка, свисающее с крючка полотенце), мирной атмосфере и кротком образе самой Смерти, которая выступает не силой разрушения, а воплощением заботы. Интересно, что у Ганса Кристиана Андерсена в сказке «История одной матери» мы тоже находим схожий образ: сказочник описывает огромную теплицу Смерти — оранжерею, где за каждым цветком или деревом «закреплена» человеческая душа. Смерть называет себя садовником Бога: «Я беру его цветы и деревья и пересаживаю их в великий райский сад, в неведомую страну».

Впервые образ Смерти появился у Симберга в работе «Смерть и крестьянин» (1895). Короткая черная накидка и короткие штаны придают Смерти незлобивый, понурый вид. Эта работа была выполнена Симбергом в Руовеси, во время учебы у Аксели Галлена-Каллелы. В том году весной умерла от дифтерии младшая дочь учителя, и «Смерть и крестьянин» может рассматриваться как выражение сочувствия к человеку, потерявшему дитя.

Как и черти, ангелы у Хуго Симберга очеловечены и потому уязвимы. Они пытаются направить людей на дорогу добра, однако реальность бывает далека от идеалов. Работа «Сон» (1900) вызывает у зрителя вопросы. Почему женщина плачет, в то время ангел танцует с ее мужем? Возможно, муж уходит от жены в иной мир? Другим названием данной работы было «Раскаяние», так что интерпретировать ее можно по-разному.

Образы ангелов впервые появились в творчестве Симберга осенью 1895 года (работа «Набожность»). В этом озорном произведении молящийся ангел-девушка не замечает, что у соседнего ангела на уме совсем другое. И действительно, крылья этого второго ангела далеко не такие белые. Налицо борьба чувственности и духовности.

Набережная в местности Ниеменлаутта, где Симберг почти всегда проводил летнее время в семейной усадьбе, была популярным местом встречи молодежи в летние вечера. Привлеченные звуками аккордеона, юноши и девушки отправлялись сюда на танцы на лодке даже издалека. Симберг неоднократно делал зарисовки танцующих. Но в работе «Танец на набережной» (1899) девушки танцуют не с парнями, а с фигурами Смерти, так часто встречающимися у Симберга. Может быть, Смерть на этот раз пришла не за страшным урожаем, а просто хочет принять участие в общем веселье? Только вот аккордеон почему-то не играет.

Как видите, Хуго Симберг — в высшей степени самобытный художник, творчество которого не лишено своеобразной иронии, но в то же время пронизано мистикой и сосредоточено на темах добра и зла, жизни и смерти, характерных для искусства символистов. В произведениях Симберга глубинные философские вопросы переплетаются с мягким юмором и глубоким сочувствием. «Бедняга черт», «кроткая Смерть», король домовых — все эти персонажи пришли в его творчество из снов и сказок. Никаких позолоченных рам и блестящих полотен: «Только любовь делает произведения искусства настоящими. Если родовые схватки наступают без любви, то ребёнок родится несчастным».

Помимо работ Хуго Симберга, в музее Атенеум можно увидеть работы финского художника-символиста Магнуса Энкеля (Magnus Enckell) (1870-1925), как и Симберг, работавшего над фресками для кафедрального собора Тампере (1907). Энкель родился в семье священника в городе Хамина, учился живописи в Хельсинки, а в 1891 году отправился в Париж, где продолжал образование в Академии Жюлиана. Там он увлекся символизмом и мистическими идеями розенкрейцера Ж. Пеладана. У последнего Магнус Энкель перенял андрогинный идеал красоты, который и стал использовать в своих работах. Энкеля зачаровывала идея потерянного рая, утраченной чистоты человека, и совсем еще юные мальчики с их андрогинной красотой представляли для художника самую чистую форму человеческого существа. Не стоит также забывать, что Энкель был гомосексуалистом и часто писал обнаженных мальчиков и мужчин откровенно эротичного, чувственного вида. В 1894-95 гг. художник путешествовал по Италии и в начале XX века, под влиянием классического итальянского искусства, а также постимпрессионизма, его палитра становится гораздо более красочной и светлой. В 1909 году он наряду с колористами Вернером Томе и Альфредом Финчем основывает группу Septem.

Раннее творчество Магнуса Энкеля, напротив, отмечено приглушенной гаммой, цветовым аскетизмом. В тот период палитра художника сводилась лишь к оттенкам серого, черного и охры. Примером может служить картина «Пробуждение» (1894), написанная Энкелем во время второго приезда художника в Париж. Полотно отличают цветовой минимализм, упрощенная композиция и подчеркнутая линия рисунка — всё это используется, чтобы подчеркнуть значимость изображенного. Юноша, достигший переходного возраста, проснулся и сидит обнаженным на кровати, опустив голову с серьезным выражением лица, погрузившись в свои мысли. Искривленное положение его тела — не просто привычный жест подъема с постели; этот мотив, часто встречающийся у художников-символистов, более сложен. Пубертатный период и сексуальное пробуждение/потеря невинности — эти темы привлекали многих современников Энкеля (ср., например, тревожную картину Мунка «Созревание» (1894/95)). Черно-белая гамма подчеркивает меланхолическое настроение встречи с гнетущим миром.

Еще одним финским художником-символистом, хотя и не самым известным, является Вяйнё Блумстедт (Бломстедт) (Väinö Blomstedt) (1871-1947). Блумстедт был художником и дизайнером по текстилю и находился, в частности, под влиянием японского искусства. Учился он сначала в Финляндии, а затем вместе с Пеккой Халоненом в Париже. Как мы уже знаем, во время приезда в Париж эти финские художники познакомились с Гогеном, недавно вернувшимся с Таити, и стали брать у него уроки. Импульсивный Блумстедт мгновенно подпал под влияние Гогена и его дышащих цветом полотен. Поиски утраченного рая в творчестве Гогена были очень близки Блумстедту. Только если Гоген искал этот рай в экзотических странах, то Вяйнё Блумстедт, как и многие финские художники того времени, был нацелен на искания истоков своей родины, девственного края «Калевалы». Героями картин Блумстедта часто становятся воображаемые или мифологические персонажи.

После знакомства с Гогеном Блумстедт в середине 18990-х годах отказался от реалистической живописи и обратился к символизму и яркой многоцветной синтетической палитре. Согласно идеологии символизма, реалистическое искусство, основанное на визуальном наблюдении, слишком ограниченно и не позволяет ухватить самое важное в человеке, его эмоциональную и духовную сущность, тайну самой жизни. За повседневной реальностью находится другой мир, и цель символистов — выразить этот мир с помощью искусства. Вместо того чтобы пытаться создать трехмерную иллюзию реальности, художники-символисты прибегали к стилизации, упрощению, декоративности, стремились найти нечто чистое и поэтичное. Отсюда их интерес к раннему итальянскому Ренессансу, использование темперы и техники фрески. Одним из ярких примеров символизма в творчестве финских художников является картина Вяйнё Блумстедта «Франческа» (1897), погружающая зрителя в мир сна и забвения, статичную и полную магии атмосферу с опьяняющим запахом мака.

Источником вдохновения для этой картины послужила «Божественная комедия» Данте, в которой поэт встречает в аду Франческу да Римини, и она рассказывает ему историю своей трагической любви к Паоло. Напоминающий Мадонну образ девушки, «ренессансный» пейзаж с тёмными кипарисами и полупрозрачная цветовая поверхность картины (сквозь краски явственно просвечивает холст) наводит на мысль о старых фресках в итальянских храмах. Кроме того, из-за особой техники исполнения картина отчасти напоминает потертый гобелен. Картина была написана Блумстедтом во время поездки в Италию. В ней также усматривается влияние искусства прерафаэлитов.

Женщины в искусстве: финские художницы

Музей Атенеум примечателен еще и тем, что заметную часть его коллекции составляют произведения художников-женщин, в том числе всемирно известных, таких как финская художница Хелена Шерфбек. В 2012 году в музее Атенеум проходила обширная выставка произведений Хелены Шерфбек, приуроченная к 150-летию со дня ее рождения. В музее Атенеум хранится крупнейшая и наиболее полная в мире коллекция работ Хелены Шерфбек (212 картин, рисунков, альбомов с эскизами).

Хелена Шерфбек (Helena Schjerfbeck) (1862-1946) родилась в Хельсинки, рано начала учиться живописи и уже в юности достигла заметного мастерства. На жизнь Хелены наложила печать тяжелая травма бедра, ставшая следствием падения с лестницы в детстве. Из-за этого девочка получила домашнее образование — в обычную школу она не ходила, зато у нее оставалось много времени на рисование, и она была принята в художественную школу в необычайно раннем возрасте. (К сожалению, травма бедра напоминала о себе хромотой до конца жизни). После обучения в Финляндии, в том числе в частной академии Адольфа фон Беккера, Шерфбек получила стипендию и уехала в Париж, где обучалась в Академии Коларосси. В 1881 и 1883-84 гг. она также работала в колониях художников в Бретани (картину «Мальчик, кормящий младшую сестру» (1881), написанную в этом регионе Франции, теперь даже считают началом финского модернизма). В Бретани она познакомилась с неизвестным английским художником и обвенчалась с ним, однако в 1885 году жених расторгнул помолвку (его семья считала, что проблемы Хелены с бедром связаны с туберкулезом, от которого умер ее отец). Хелена Шерфбек так и никогда и не вышла замуж.

В 1890-х годах Шерфбек преподавала в школе Художественного общества, которую сама когда-то закончила. В 1902 году из-за проблем со здоровьем она оставила преподавание и переехала вместе с матерью в глухую провинцию, в Хювинкяя. Нуждаясь в тишине, художница вела затворническую жизнь, но продолжала участвовать в выставках. «Открытие» Шерфбек для публики состоялось в 1917 году: в художественном салоне Ëста Стенмана в Хельсинки прошла первая персональная выставка художницы, имевшая большой успех у зрителей и критиков и нарушившая ее уединенное существование. Следующая обширная выставка прошла в Стокгольме в 1937 году и получила восторженные отзывы, а за ней последовала серия подобных выставок по всей Швеции. В 1935 году, когда умерла ее мать, Хелена переехала  жить в Таммисаари, а последние годы провела в Швеции, в санатории в Сальтшёбадене. В Финляндии отношение к творчеству Шерфбек длительное время было противоречивым (ее талант признали только во второй половине XX века), тогда как в Швеции ее искусство довольно рано приняли с большим энтузиазмом. Но подлинно широкое международное признание пришло к Шерфбек в 2007 году, когда масштабные ретроспективные выставки ее работ прошли в Париже, Гамбурге и Гааге.

Среди всех картин Хелены Шерфбек в мире наиболее известны многочисленные самокритичные автопортреты, позволяющие проследить как эволюцию ее стиля, так и перемены в самой художнице, безжалостно фиксировавшей свое стареющее лицо. Всего Шерфбек написала около 40 автопортретов, первый в 16-летнем возрасте, последний — в 83 года. Шесть из них находятся в собрании Атенеума.

Но, наверное, самой известной картиной Хелены Шерфбек является полотно «Выздоравливающая» (1888), часто называемое жемчужиной музея Атенеум. Высоко оцененная публикой, эта картина 26-летней художницы была награждена бронзовой медалью на Всемирной выставке в Париже в 1889 году (там данный холст выставлялся под названием «Первая зелень» (Première verdure) — именно так первоначально назвала картину сама Шерфбек). Тема болеющих детей была распространена в искусстве XIX века, но Шерфбек изображает не просто болеющего, а выздоравливающего ребенка. Эту картину она написала в живописном прибрежном городке Сент-Айвс, в Корнуолле, на юго-западе Англии, куда художница поехала по совету своей австрийской подруги в 1887-1888 гг., а затем в 1889-1890 годах.

Данную работу часто называют последним образцом натуралистической световой живописи в творчестве Шерфбек (впоследствии она перешла к стилизованному модернизму и почти абстрактному экспрессионизму с аскетичной палитрой). Здесь художница мастерски работает со светом, притягивая взгляд зрителя к лицу выздоравливающей девочки с взъерошенными волосами и лихорадочно-румяными щеками, которая держит в руках кружку с хрупкой зацветающей веточкой — символом весны и новой жизни. На губах ребенка играет улыбка, выражающая надежду на выздоровление. Эта волнующая картина цепляет зрителя, вызывает у него чувство сопереживания. Картину в каком-то смысле можно назвать автопортретом художницы, которая в тот период как раз пыталась оправиться после разрыва помолвки. Не исключено также, что на этой картине Шерфбек изобразила себя в детстве, рассказав нам о том, что чувствовала сама, часто будучи прикована к постели и радуясь первым признакам весны.

Обратите внимание, что в настоящее время наиболее известные работы Хелены Шерфбек находятся «на гастролях» в Швеции. Одна выставка проходит в Стокгольме и продлится до конца февраля 2013 года, другая — в Гётеборге (до августа 2013 года).

Еще одной финской художницей, с чьим творчеством можно познакомиться в музее Атенеум, является Беда Шерншанц (Штерншантц) (Beda Stjernschantz) (1867–1910). Между прочим, на 2014 год в музее намечена широкомасштабная выставка работ этой художницы. Беда Шерншанц была важным представителем поколения финских художников-символистов на рубеже XIX и XX веков. Она родилась в аристократической семье в городе Порвоо. В 1886 году скончался ее отец, и семья столкнулась с материальными трудностями. В отличие от других художников-женщин, Шерншанц приходилось работать, чтобы иметь средства к существованию. В 1891 году, одновременно с другой известной финской художницей Эллен Теслефф, она приехала в Париж, и девушки вместе записались в Академию Коларосси. Наставником Беды стал Магнус Энкелль, под влиянием которого она впитала идеи символизма. Представители этого течения были убеждены, что искусство не должно раболепно копировать натуру, но должно быть очищено ради красоты, выражения тонких чувств и переживаний. Из-за нехватки денег Шерншанц прожила в Парижа всего один год. Вернувшись в Финляндию, она не могла найти себе места и в 1895 году отправилась на эстонский остров Вормси, где существовало давнее шведское поселение, сохранившее свой язык, обычаи, свою одежду. Там художница и написала картину «Повсюду нас зовет голос» (1895). Название картины является цитатой из известной в то время «Песни Финляндии» (Suomen laulu), слова к которой написал поэт Эмиль Квантен. Как видите, не только Карелия была местом, куда финские художники отправлялись в поисках первозданной природы и людей.

На этом поэтичном полотне художница изобразила группу шведских детей, которым удалось сохранить свои национальные традиции и язык в чуждой среде. Из-за этого некоторые критики видели в картине патриотический смысл, тем более что в композиции важное место занимает инструмент кантеле, на котором играет одна из девочек. Другая девочка поет, и эти звуки наполняют аскетичный пейзаж с ветряными мельницами. Из-за совершенно статичных, застывших поз и пустоты окружающего пейзажа зритель как бы тоже начинает прислушиваться к звучащей в полотне музыке. Создается впечатление, что даже ветер затих, не шелохнется ни листва, ни ветряные мельницы, будто мы попали в заколдованное царство, выпавшее из времени место. Если исходить из символистской трактовки картины, то благочестивые и сосредоточенные детские лица на фоне этого мистического пейзажа — способ передать состояние невинности. Кроме того, как и во многих других работах символистов, здесь особая роль отведена музыке, самому бесплотному и самому благородному из искусств.

В 1897-98 гг. Беда Шерншанц, получив грант от финского правительства, отправилась путешествовать по Италии, но ее творческая активность после этого периода сошла на нет. Хотя наследие художницы невелико, оно привлекает интерес исследователей, и в будущем ожидается ряд конференций и публикаций, которые позволят больше узнать о значении ее творчества в международном контексте рубежа веков.

Еще одна интересная финская художница того же периода — Элин Даниельсон-Гамбоджи (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Элин Даниельсон-Гамбоджи принадлежала к первому поколению финских женщин-художников, получивших профессиональное образование. Работала она в основном в жанре реалистического портрета, причем как в жизни, так и в творчестве отличалась от коллег своей эмансипированностью и богемным образом жизни. Она критиковала положение женщин в обществе, носила брюки и курила, вела антиконформистскую жизнь и общалась со многими художниками, включая норвежского скульптора Густава Вигеланда (в 1895 году у них был роман). Ее картины с изображением женщин в повседневных ситуациях многие критики считали вульгарными и неприличными.

«Автопортрет» Элин Даниельсон-Гамбоджи (1900) был написан в период, когда художница начала завоевывать признание в Европе. Художница изображена в своей мастерской, с кистью и палитрой в руке, а через занавеску перед окном струится свет, создавая вокруг ее головы ореол. Большой формат полотна, поза и взгляд художницы — всё это выражает самостоятельную и уверенную в себе натуру. За эту картину Даниельсон-Гамбоджи была отмечена серебряной медалью во Флоренции в 1900 году.

Элин Даниельсон-Гамбоджи родилась в деревне близ города Пори. В 1871 году обанкротилась их семейная ферма, и через год ее отец покончил самоубийством. Несмотря на это, матери удалось отыскать средства, для того чтобы в 15-летнем возрасте Элин переехала в Хельсинки и стала учиться живописи. Девочка выросла в свободной атмосфере, вне строгих социальных табу. В 1883 году Даниельсон-Гамбоджи уехала в Париж, где продолжила образование в Академии Коларосси, а в летний период занималась живописью в Бретани. Затем художница вернулась в Финляндию, где общалась с другими живописцами и преподавала в художественных школах, а в 1895 году получила стипендию и отправилась во Флоренцию. Через год она переехала деревню Антиньяно и вышла замуж за итальянского художника Рафаэлло Гамбоджи. Пара участвовала в многочисленных выставках по всей Европе; их работы демонстрировались на Всемирной выставке 1900 года в Париже и Венецианской биеннале 1899 года. Но в начале XX века начались семейные неурядицы и финансовые трудности, измены и болезнь мужа. Элин Даниельсон-Гамбоджи скончалась от пневмонии и похоронена в Ливорно.

Наконец, среди финских художников-женщин нельзя не назвать Эллен Теслефф (Ellen Thesleff) (1869-1954). Мало кому из финских авторов выпало столь раннее признание. Уже в 1891 году юная Теслефф приняла участие в выставке Художественного общества Финляндии со своей замечательной работой «Эхо» (Kaiku) (1891), получив высокую оценку критиков. В то время она как раз окончила обучение в частной академии Гуннара Берндтсона (Gunnar Berndtson) и собиралась в свою первую поездку в Париж, где девушка поступила в Академию Коларосси вместе с подругой Бедой Шерншанц. В Париже она познакомилась с символизмом, однако с самого начала избрала свой собственный, независимый путь в искусстве. В этот период она начала создавать картины в аскетичной цветовой гамме.

Важнейшим источником вдохновения для Эллены Теслефф стало итальянское искусство. Уже в 1894 году она поехала на родину раннего Ренессанса, во Флоренцию. Здесь художница увидела множество прекрасных произведений религиозной живописи, в том числе работы Боттичелли, чьим творчество она восхищалась еще в Лувре. Также Теслефф копировала монастырские фрески. Влияние духовной итальянской живописи усилило ее тягу к поэтичному, возвышенному искусству, и в последующие годы цветовой аскетизм в ее творчестве получил максимальное выражение. Типичными мотивами ее произведений стали строгие, выполненные в темных тонах пейзажи и человеческие фигуры, призрачные и меланхоличные.

Примером работ этого периода может служить скромный по размеру «Автопортрет» (1894-95) Эллен Теслефф, нарисованный простым карандашом. Этот созданный во Флоренции автопортрет стал результатом двухлетней подготовительной работы. Одухотворенное лицо, выступающее из темноты, многое говорит нам о художнице и ее идеалах в то время. В русле философии символизма, она задавалась фундаментальными вопросами бытия и изучала человеческие чувства. В этом автопортрете можно усмотреть современное воплощение искусства Леонардо да Винчи с его вопросами и загадках жизни. В то же время картина очень личная: она отражает скорбь Теслефф по поводу кончины ее любимого отца, случившейся двумя годами ранее.

Теслефф росла в музыкальной семье и с детства увлекалась пением и музицированием вместе с сестрами. Одним из наиболее частых мотивов в ее творчестве стало эхо или крик — самая примитивная форма музыки. Также она часто изображала игру на скрипке — одном из наиболее возвышенных и сложных музыкальных инструментов. Например, моделью для картины «Игра на скрипке» («Скрипачка») (1896) выступила сестра художницы, Тира Элизавета, нередко ей позировавшая в 1890-х годах.

Композиция выдержана в теплых полупрозрачных, перламутрово-опаловых тонах. Скрипачка повернулась в сторону от зрителя, сосредоточившись на игре. Тема музыки, почитаемой как самое духовное, божественное искусство, была одной из самых распространенных в символизме, однако художники редко изображали музыкантов-женщин.

Как и ее друг Магнус Энккель, на раннем этапе творчества Эллен Теслефф предпочитала цветовой аскетизм. Но затем ее стиль изменился. Под влиянием Кандинского и его мюнхенского кружка художница стала первым фовистом в Финляндии, а в 1912 году ее пригласили принять участие в выставке финского объединения Septem, ратовавшего за яркие чистые краски.

Однако ее участие не вышло за рамки выставки: ни в какие группы Теслефф не вступала, считая одиночество нормальным состоянием сильной личности. Отойдя от прежней серо-коричневой гаммы, в более зрелом возрасте Теслефф начала создавать красочные и многослойные цветовые фантазии. Она неоднократно бывала с сестрой и матерью в Тоскане, где писала солнечные итальянские пейзажи.

Замуж Теслефф так и не вышла, но зато состоялась как творческая личность. Художница прожила долгую жизнь и получила признание.

Зарубежное искусство в Атенеуме

В коллекции зарубежного искусства музея Атенеум представлено свыше 650 картин, скульптур и рисунков, созданных такими известными мастерами, как Сезанн, Ваг Гог, Шагал, Модильяни, Мунк, Репин, Роден, Цорн.

Из зарубежной коллекции музея Атенеум выделим картину Ван Гога «Улица в Овер-сюр-Уаз» (1890). Винсент Ван Гог написал эту картину незадолго до смерти, в крошечном городке Овер-сюр-Уаз (Auvers-sur-Oise), расположенном в долине притока Сены, примерно в 30 км к северо-западу от Парижа. Ван Гог, страдавший приступами психической болезни, отправился в Овер-сюр-Уаз по совету своего брата Тео на лечение к доктору Полю Гаше. В Овер-сюр-Уаз находилась клиника этого врача — человека, неравнодушного к искусству, знакомого со многими французскими художниками и ставшего также другом Ван Гога.

Городок Овер-сюр-Уаз в итоге стал местом смерти художника, чувствовавшего себя обузой для брата и его семьи. Ван Гог выстрелил в себя и затем скончался от потери крови. Художник прожил в Овер-сюр-Уаз последние 70 дней своей жизни, выполнив за этот короткий период 74 картин, одна из которых теперь находится в главном художественном музее Хельсинки. Возможно, картина оставлена незаконченной (в некоторых местах проглядывает грунтовка). Яркость неба оттеняет более спокойный зелёный тон земли и красноватый оттенок черепичных крыш. Создается впечатление, что вся сцена находится в одухотворенном движении, пронизана беспокойной энергией.

Весьма интересна история о том, как картина «Улица в Овер-сюр-Уаз» попала в музей Атенеум. Некоторое время после смерти Ван Гога она принадлежала брату художника, Тео, а затем его вдове, у которой полотно купил Жюльен Леклерк (Julien Leclercq) — французский поэт и художественный критик. Известно, что в 1900 году Леклерк приобрел у вдовы Тео не менее 11 работ Ван Гога. Через год он организовал первую ретроспективную выставку Ван Гога в Париже, но вскоре неожиданно умер. Женой  Леклерка была пианистка Фанни Флодин (Fanny Flodin), сестра финской художницы и скульптора Хилды Флодин (Hilda Flodin). В 1903 году Фанни продала картину Ван Гога представителям неоднократно упоминавшегося выше коллекционера Фритьофа Антелля за 2500 марок (около 9500 евро на современные деньги). Это полотно стало первой картиной Ваг Гога, поступившей в публичное музейное собрание, причем произошло это всего через 13 лет после смерти художника. Атенеум гордится тем, что стал первым в мире музеем, в коллекции которого появилась картина Ван Гога.

♦♦♦♦♦♦♦

Куда сходить и что посмотреть в Хельсинки

Музеи Хельсинки

- Музей Атенеум

- Городской музей Хельсинки

- Художественный музей Амоса Андерсона

- Художественный музей Дидрихсена

- Художественный музей Синебрюхова

- Национальный музей Финляндии

Церкви и соборы Хельсинки: это стоит посмотреть

- Кафедральный собор Святого Николая (Helsingin tuomiokirkko)

- Православный Успенский собор

- Церковь в скале (Темппелиаукио)

- Часовня тишины Камппи

- Старая церковь Хельсинки (Vanhakirkko)

- Церковь Св. Иоханнеса (Иоанна) (Johanneksenkirkko)

- Церковь Каллио

Интересная архитектура и интерьеры в Хельсинки: это стоит посмотреть

- Здания в стиле финского модерна (национального романтизма) в Хельсинки

- Здание Национальной библиотеки

Бассейны и аквапарки Хельсинки

- Бассейн в скале Itäkeskus

- Исторический бассейн Yrjönkatu

Другое: концертные и оперные театры

- Опера Хельсинки

- Концерты органной музыки в церквях Хельсинки (например, в Старой церкви и кафедральном соборе)

♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Huusko, Timo, editor. Ateneum Guide. ATE, 2010

2. Официальный сайт музея Атенеум в Хельсинки

3. Шедевры музея Атенеум на сайте проекта Google Art Project

4. О картине Альберта Эдельфельта «Королева Бланка»

5. Порвоо. По следам Альберта Эдельфельта

6. О картине Хуго Симберга «Раненый ангел»

7. Сто замечательных финнов. Коллекция биографий. Хелена Шерфбек

8. О картине Хелены Шерфбек «Выздоравливающая»

9. Финский символист Хуго Симберг

10. Von Bonsdorff, Anna-Maria. Colour Ascetism and Synthetist Colour: Colour Concepts in turn-of-the-20th-century Finnish and European Art. Doctoral dissertation (monograph)

11. О творчестве Эллен Теслефф

Художественный музей Атенеум  (Ateneumin taidemuseo) — часть комплекса Национальной галереи Финляндии. Он находится в большом красивом здании на площади Раутатиентори, напротив центрального железнодорожного вокзала Хельсинки. Хотя некоторые туристы заглядывают сюда только в случае неважной погоды, на самом деле музей Атенеум заслуживает неслучайного, внимательного зрителя. Это по-настоящему качественное, хотя и не особенно большое, собрание классической скульптуры и живописи (преимущественно финской).

Если вы до сих пор мало знакомы с финским искусством – или даже сомневаетесь в его существовании, — обязательно приходите в Атенеум, тем более что тут часто бывают интересные выставки (например, недавно проходила замечательная выставка Ээро Ярнефельта). Вы откроете для себя много нового и обязательно выберете своего любимого финского художника. В настоящей заметке мы расскажем об истории художественного музея Атенеум в Хельсинки. Также будет приведена полезная информация о стоимости билетов и порядке посещения музея Атенеум. Подробнее о наиболее интересных и известных картинах и скульптурах в коллекции музея Атенеум читайте в отдельной заметке.

Коллекция музея Атенеум, в 2008 году отметившего свое 120-летие, сегодня насчитывает около 22 тыс. произведений искусства, среди которых самые известные и популярные работы финских художников — такие как «Раненый ангел» Хуго Симберга и «Выздоравливающая» Хелены Шерфбек.

К шедеврам зарубежного искусства относятся картины «Улица в Овер-сюр-Уаз» Ван Гога и «Автомобильный мост в л'Эстаке» Сезанна. Коллекция Атенеума постоянно расширяется за счет пожертвований и приобретений.

В музее Атенеум хранятся произведения финского искусства с середины XVIII до середины XX века (более современное искусство можно увидеть в музее Киасма).

Практическая информация о музее Атенеум в Хельсинки: часы работы, цена билетов и т.п.

Музей Атенеум находится на площади Раутатиентори, напротив центрального железнодорожного вокзала Хельсинки. Адрес музея Атенеум: Kaivokatu 2, Helsinki. Посмотреть местоположение музея на карте Хельсинки можно тут.

Часы работы музея Атенеум: вторник и пятница с 10:00 до 18:00, среда и четверг с 10:00 до 20:00, суббота и воскресенье с 11:00 до 17:00; понедельник выходной. Музей закрыт в праздничные дни (уточнить можно на официальном сайте музея). Продажа билетов заканчивается за полчаса до закрытия музея. Вход в музей для владельцев карты Helsinki Card бесплатный.

Фотографировать в музее Атенеум не разрешается.

Стоимость входных билетов в музей Атенеум для взрослых составляет 12 евро. Дети до 18 лет могут посещать музей бесплатно. В цену входного билета включена стоимость вводной экскурсии-лекции (экскурсии на русском языке проводятся в музее Атенеум во второе воскресенье каждого месяца в 13:00; расписание экскурсий на других языках приводится тут).

На нижнем этаже музея работает сувенирный магазин, где можно приобрести книги, альбомы, плакаты, открытки, магниты и многое другое. На нижнем этаже также располагается кассы и гардероб самообслуживания.

Кроме того, в музее работает ресторан Tablo Ateneum, где можно полноценно пообедать.

Отзывы о посещении музея Атенеум в Хельсинки можно почитать тут.

Внимание: Поскольку Атенеум часто одалживает свои шедевры другим финским и зарубежным музеям, в экспозиции часто бывают пробелы, и далеко не всегда в музее одновременно можно увидеть все знаменитые произведения. Также следует иметь в виду, что некоторые залы и даже целые этажи могут быть закрыты на смену экспозиции. Например, в настоящее время «на гастролях» в Швеции наиболее известные работы Хелены Шерфбек (одна выставка проходит в Стокгольме и продлится до конца февраля 2013 года, другая — в Гётеборге, до августа 2013 года). Рекомендуем уточнять эти моменты на официальном сайте Атенеума.

История музея Атенеум в Хельсинки

«Проще вырастить редиску в апреле, чем создать что-либо значимое в художественной мерзлоте нашей северной страны, где оттепель еще только- только началась», — писал Захариас Топелиус в газете Helsingfors Tidningar в мае 1847 года, удивляясь и радуясь, что в Финляндии наконец стали проводиться выставки произведений искусства.

Застойная ситуация начала меняться с основанием Художественного общества Финляндии в 1846 году. В числе основных направлений его деятельности была организация выставок для широкой аудитории, а также обеспечение базового художественного образования для одаренных молодых людей. В 1848 году была основана Школа рисования (позднее Академия изобразительного искусства) Финского художественного общества, и тогда же были приобретены первые произведения искусства, которые использовались в педагогических целях.

Именно педагогика, формирование будущих художников стояло в центре внимания Общества на начальном этапе его существования. В Хельсинки преподавателем был Берндт Годенъельм (Berndt Abraham Godenhjelm), тогда как в Турку студенты занимались с придворным художником Робертом Вильгельмом Экманом (Robert Wilhelm Ekman), выпускником Королевской Академии художеств в Стокгольме. Эти два человека были призваны направить и развить талант одаренных юных финнов и осуществить мечту о появлении плеяды финских художников, которые смогли бы запечатлеть на холсте природу Финляндии, повседневную жизнь народа этой страны, а также написать картины важных исторических событий, портреты национальных героев и персонажей мифологии (речь шла в первую очереди о переводе в визуальную форму эпоса «Калевала» и поэзии Рунеберга).

Чтобы студентам было на что ориентироваться, Общество приобрело ряд работ зарубежных живописцев. Тогда же совет директоров задумался о возможности создания публичной коллекции произведений искусства, которая бы могла познакомить жителей Финляндии с художественными достижениями средиземноморских стран. Члены совета даже мечтали о приобретении копий шедевров Леонардо да Винчи, Тициана и других «сладчайших цветов Юга». В полной мере эта мечта реализована не была, однако некоторые копии работ Старых мастеров всё-таки поступили в коллекцию Общества.

В 1868 году расширение художественной коллекции было официально занесено в устав Общества как одна из задач организации. Тогда же был назначен первый хранитель коллекции и началось составление каталога. К 1873 году перечень работ в коллекции насчитывал 210 картин и 25 скульптур. Это было довольно внушительное собрание — учитывая, что всё оно демонстрировалось в одной квартире в центре Хельсинки.

На раннем этапе основу коллекции составляло зарубежное искусство, но позже в стране стали появляться и финские художники, достойные включения в коллекцию, и вскоре началось систематическое приобретение именно финских произведений искусства. В 1870-х-80-х годах Обществом было приобретено несколько финских пейзажей и портретов выдающихся личностей. Героические образы были разбавлены картинами повседневной жизни простого народа и мастерскими изображениями лесных птиц, которыми прославились братья фон Вригт (Рихт) (von Wright). Однако в тот период коллекция еще росла медленно: ежегодно приобреталось в районе десятка работ.

Особое значение для развития коллекции сыграли пожертвования частных лиц, которые либо преподносили принадлежавшие им произведения искусства, либо жертвовали деньги или ценные бумаги. Были также созданы фонды, обеспечивавшие ежегодный процентный доход, который мог использоваться для приобретения новых экспонатов. Первым стал фонд Виктора Говинга (Viktor Hoving), основанный в 1878 году по завещанию юного выборгского коллекционера, скончавшегося от брюшного тифа. Значительная художественная коллекция была передана Обществу по завещанию финского офтальмолога, коллекционера и благотворителя  Фритьофа Антелля (Herman Frithiof Antell) (1847-1893), долгое время жившего в Париже, и магната Ялмара Линдера (Hjalmar Linder) (1862-1921).

Среди этих коллекций были такие жемчужины, как «Королева Бланка» Альберта Эдельфельта (1877) и «Обнаженная» («Без маски») (Démasquée) Аксели Галлен-Каллелы (1888), а также работы Ван Гога, Гогена, Сезанна, Мунка. В 2004 году фонды Атенеума пополнились за счет коллекционеров Нанни и Ирьё Канисто (Nanny and Yrjö Kaunisto), которые подарили музею 35 работ Хелены Шерфбек.

Из более ранних поступлений наибольшее значение имела коллекция 28 зарубежных работ из коллекции, хранившейся в усадьбе барона Вильгельма Клинковстрёма (Otto Wilhelm Klinckowström) (1778-1850). Их преподнес в дар Обществу в 1851 году царевич — будущий царь Александр II, а его сын Александр стал покровителем Художественного общества Финляндии. Барон Клинковстрём был известным любителем искусства и благотворителем. В своем завещании он выразил желание, чтобы избранная часть его коллекции составила основу постоянной художественной галереи.

Коллекция Художественного общества Финляндии впервые начала выставляться на публике в 1863 году и первоначально демонстрировалась лишь раз в неделю. В залах было тесно, растущая коллекция занимала каждый дюйм пространства, даже кафельные печи. Обществу отчаянно требовалось найти новое место для размещения своего собрания. Но теперь перед организацией встала дилемма: с одной стороны, она стремилась сосредоточиться на образовательной деятельности и развитии Академии изобразительного искусства по модели Центральной Европы и использовать картины из коллекции как «наглядные пособия»; с другой стороны, раздавались голоса в пользу соединения изящных и декоративно-прикладных искусств (промышленного дизайна). В 1874 году было основано Финское общество прикладного искусства и дизайна (Общество художественной промышленности Финляндии), располагавшее собственными коллекциями. Эта организация наряду со Школой скульптуры, основанной в 1871 году, виделась идеальным партнером Художественного общества.

Преподаватель Хельсинкского университета, профессор эстетики и современной литературы Карл Густав Эстландер (Carl Gustaf Estlander) (1834-1910), бывший членом обоих Обществ, ратовал за соединение искусства и ремесел «под одной крышей». Именно в его светлой голове и возник замысел строительства общего здания, которое изящные искусства могли бы разделить вместе с декоративно-прикладным искусством и учебными классами обоих направлений. Рабочим названием проекта стало слово Ateneum.

Здание музея Атенеум в Хельсинки и его архитектура

Строительство здания музея Атенеум в Хельсинки началось в 1884 году. Здание, которое современники прозвали «дворцом на миллион марок», было спроектировано архитектором Теодором Хёйером (Carl Theodor Höijer) (1843-1910) и стало одним из самых красивых сооружений в центре Хельсинки.

Теодор Хёйер был одной из важнейших фигур в финской архитектуре второй половины XIX в. Архитектор строил в основном в стиле эклектики и неоренессанса, преимущественно в Хельсинки, и ему принадлежит заслуга формирования в финской столице представительной застройки европейского уровня.

Здание художественного музея Атенеум в Хельсинки, бесспорно, является самой известной работой Теодора Хёйера. Строительство завершилось в 1887 году, и 13 октября 1888 года художественные коллекции нового музея были впервые открыты для публики. Эта дата теперь отмечается как день рождения Атенеума.

Во внешнем облике здания, декоре фасада и оформлении помещений — во всем ощущается, что Хёйер построил настоящий храм искусств. Поскольку по условиям конкурса требовалось построить музей «в ренессансном духе», то Хёйер обратился к архитектуре итальянских палаццо эпохи Возрождения. Он создал классическую симметричную композицию главного фасада с тремя треугольными фронтонами и мощной рустовкой нижнего этажа.

Центральная часть здания богато украшена скульптурой, в том числе четырьмя кариатидами, которые символизируют различные искусства(Живопись, Скульптуру, Архитектуру и Графику (Геометрию)). Декор фасада дополняют бюсты трех величайших мастеров — Рафаэля, Фидия и Браманте.

На центральном тимпане помещена фигура Богини искусств, которая простирает лавровые венки над символами изящных и прикладных искусств. Надпись “Concordia res parvae crescunt” («При согласии и малые дела растут» или «При согласии малое возрастает») провозглашает сосуществование изящных и прикладных искусств в одном здании. Всё это пластическое оформление фасада выполнил шведский скульптор Карл Энеас Шёстранд (Carl Eneas Sjöstrand). Остальной декор фасада (в том числе портретные профили выдающихся европейских художников, архитекторов и скульпторов в пазухах арок) создал скульптор Вилле Валлгрен (Ville Vallgren).

Многочисленные колонны и арки в оформлении музейного фасада передают ощущение античного храма.

В дизайне величественных интерьеров музея Атенеум — особенно в оформлении вестибюля и парадной лестницы — также прослеживается тема храма искусств.

В сквере рядом со зданием музея Атенеум в 1927 году был установлен бронзовый памятник выдающемуся финскому художнику Альберту Эдельфельту (1854-1905) работы Вилле Валлгрена.

Эдельфельт изображен в процессе творчества, в рабочем халате и с палитрой в руке.

Почему музей называется «Атенеум»?

Название «Атенеум» происходит от имени Афины — греческой богини мудрости и военной стратегии. Афина также считалась покровительницей городов и государств, наук и ремёсел. Дочь главного бога-олимпийца Зевса и его первой супруги Метиды, Афина, по преданию, родилась из головы своего отца, явившись на свет в полном боевом вооружении. Атрибутами Афины являются змея и сова (символы мудрости), а также олива (священное дерево древних греков).

Таким образом, название «Атенеум» можно перевести примерно как «храм Афины», «святилище Афины».

Дальнейшее развитие музея Атенеум и его коллекций

Первоначально художественные коллекции Атенеума демонстрировались публике на третьем этаже, причем собрание Художественного общества Финляндии занимало восточную часть, а собрание Финского общества прикладного искусства и дизайна — западную. На нижних этажах располагались учебные классы Академии изобразительного искусства и художественно-промышленной школы (Института искусств и дизайна). Во внутреннем дворе была устроена печь для обжига керамики.

Целью нового художественного комплекса стало сделать искусство доступным максимально широкому кругу заинтересованной публики. На этом этапе коллекции начали трансформироваться в собственно музей с четким графиком работы. Газета Uusi Suometar в ноябре 1888 года писала: «Музей Художественного общества Финляндии в здании Атенеума открыт с 13 октября ежедневно с 12 до 15 часов. Входная плата составляет 50 пенни в будние дни и 25 пенни по воскресеньям».

В Атенеуме также размещалась библиотека, а периодически еще и проводились лекции на тему искусства. В выставочных залах были диваны для отдыха посетителей. В темное время года экспонаты освещались подвешенными к потолку лампами. К началу 1890-х годов количество посетителей музея составляло 12 тыс. в год.

После перемещения коллекций Художественного общества Финляндии в здание Атенеума они претерпели заметные изменения. Работы не самого высокого качества были исключены из экспозиции, а копии более не демонстрировались рядом с оригиналами. Теперь основной упор был решительно сделан на финское искусство, а формирование коллекции стало общей заботой всей интеллигенции того времени.

К началу XX века коллекция Художественного общества Финляндии окончательно преобразовалась из частного собрания в общественный музей, известный под названием Атенеум. Само здание тоже стали называть художественным музеем Атенеум. При этом коллекция декоративно-прикладного искусства была переведена на виллу Хакасалми, и тогда коллекция изящных искусств смогла расшириться и занять весь третий этаж здания.

Музей Атенеум находился в ведении Художественного общества Финляндии вплоть до 1939 года, когда Общество перестало управлять коллекций Фонда Академии изобразительного искусства. Данному фонду коллекция принадлежала до 1990 года, после чего музей стал государственным учреждением.

Сегодня музей Атенеум входит в состав комплекса Национальной галереи Финляндии (Государственного художественного музея) наряду с Музеем современного искусства Киасма и Художественным музеем Синебрюхова, а также Центральным художественным архивом.

Что посмотреть в музее Атенеум

Художественный музей Атенеум обладает самой обширной в Финляндии коллекцией картин, скульптур и графики, начиная с произведений 1750-х годов до работ середины XX века — от живописи эпохи рококо до экспериментальных художественных течений. В фондах музея насчитывается  свыше 4300 картин и более 750 скульптур. Представлены самые разнообразные жанры и эпохи искусства, образцы реализма, символизма, импрессионизма и экспрессионизма. к числу самых популярных работ финских художников относятся «Раненый ангел» Хуго Симберга и «Выздоравливающая» Хелены Шерфбек.

В коллекции зарубежного искусства музея Атенеум представлено свыше 650 картин, скульптур, рисунков, созданных такими известными мастерами, как Сезанн, Ваг Гог, Шагал, Модильяни, Мунк, Репин, Роден, Цорн.

Подробнее о наиболее интересных и известных художниках и картинах, представленных в коллекции музея Атенеум, читайте в отдельной заметке.

♦♦♦♦♦♦♦

Куда сходить и что посмотреть в Хельсинки

Музеи Хельсинки

- Музей Атенеум

- Городской музей Хельсинки

- Художественный музей Амоса Андерсона

- Художественный музей Дидрихсена

- Художественный музей Синебрюхова

- Национальный музей Финляндии

Церкви и соборы Хельсинки: это стоит посмотреть

- Кафедральный собор Святого Николая (Helsingin tuomiokirkko)

- Православный Успенский собор

- Церковь в скале (Темппелиаукио)

- Часовня тишины Камппи

- Старая церковь Хельсинки (Vanhakirkko)

- Церковь Св. Иоханнеса (Иоанна) (Johanneksenkirkko)

- Церковь Каллио

Интересная архитектура и интерьеры в Хельсинки: это стоит посмотреть

- Здания в стиле финского модерна (национального романтизма) в Хельсинки

- Здание Национальной библиотеки

Бассейны и аквапарки Хельсинки

- Бассейн в скале Itäkeskus

- Исторический бассейн Yrjönkatu

Другое: концертные и оперные театры

- Опера Хельсинки

- Концерты органной музыки в церквях Хельсинки (например, в Старой церкви и кафедральном соборе)

♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Huusko, Timo, editor. Ateneum Guide. ATE, 2010

2. Официальный сайт музея Атенеум

3. Шедевры музея Атенеум на сайте проекта Google Art Project

4. Об архитекторе Теодоре Хёйере

5. О скульптурном декоре здания музея Атенеум в Хельсинки

Художественный музей Амоса Андерсона (Amos Andersonin taidemuseo) занимает большое здание с заметным фасадом, расположенное в центре Хельсинки на улице Юрьёнкату (Yrjönkatu), недалеко от исторического бассейна Yrjönkadun uimahalli. Это крупнейший частный художественный музей в Финляндии.

Музей разместился в доме, принадлежавшем известному финскому предпринимателю и меценату Амосу Андерсону (1878-1961), руководившему несколькими финскими издательствами. Первые этажи особняка когда-то занимали конторские помещения, теперь же они используются под временные выставки. А на верхних этажах можно увидеть частично сохранившиеся интерьеры жилых комнат Амоса Андерсона, а также картины постимпрессионистов из коллекции архитектора Сигурда Фростеруса. В этой заметке мы расскажем об истории и постоянной экспозиции Художественного музея Амоса Андерсона в Хельсинки, а также поделимся своими впечатлениями от посещения этого музея.

История и коллекции Художественного музея Амоса Андерсона в Хельсинки

Расположенный в центре Хельсинки Художественный музей Амоса Андерсона сегодня находится в собственности и управлении фонда Föreningen Konstsamfundet. Музей занимает дом, построенный в 1913 году и принадлежавший Амосу Андерсону. Коммерсант использовал этот особняк не только как жилой дом, но еще и в качестве деловой штаб-квартиры. После смерти Андерсона здесь открыли музей, который славится разнообразной программой выставочных мероприятий и богатой коллекцией современного искусства (финского и не только), часть которой находится в постоянной экспозиции. В частности, посетители могут увидеть несколько жилых комнат самого Амоса Андерсона и его личную домовую капеллу.

В музее Амоса Андерсона проводится около десяти выставок в год (иногда по три выставки одновременно). Выставки могут быть посвящены как современному, так и более традиционному искусству. Хотя чаще всего здесь демонстрируется творчество финских художников, на выставках регулярно появляются и работы мировых звезд.

В коллекции музея представлено главным образом искусство XX века. Более ранние произведения некогда относились к частной коллекции самого Амоса Андерсона. Значительный интерес также представляет коллекция, принадлежавшая архитектору Сигурду Фростерусу и включающая работы Магнуса Энкеля, Альфреда Уильяма Финча, Боннара, Вламинка и др. Эти картины находятся в постоянной экспозиции с 1994 года. Главные направления деятельности музея Амоса Андерсона — организация выставок, поддержание и расширение художественных коллекций, а также сотрудничество с другими культурными учреждениями и проведение совместных мероприятий.

Основатель музея, Амос Андерсон (Amos Anderson) (1878-1961), был владельцем нескольких финских издательств и крупнейшей в Финляндии шведскоязычной ежедневной газеты Hufvudstadsbladet. Одновременно он был филантропом, щедрым меценатом, поддерживавшим финское искусство и гуманитарную науку (фото с сайта [1]).

В 1912-1913 гг. Андерсон обратился к своим друзьям архитекторам Палмквисту (W.G. Palmqvist) и Шёстрёму (Einar Sjöström) с просьбой разработать проект многофункционального здания с жилыми комнатами и конторскими помещениями на участке по улице Yrjönkatu. Здание вскоре было построено и стало не только частным домом Амоса Андерсона, но и его предпринимательской штаб-квартирой.

После смерти бизнесмена на верхних этажа дома устроили музей, а на месте бывших конторских помещений на нижних этажах организовали залы для проведения временных выставок. Музей, названный в честь Амоса Андерсона, открылся для публики в январе 1965 года. С тех пор музей трижды обновляли и расширяли: в 1981–85, 1998–99 и  2007 году. В ходе последней реконструкции здание получило два дополнительных выставочных этажа. Кроме того, были обновлены касса и музейный магазин.

Амос Андерсон: предприниматель и меценат

Амос Андерсон родился в небольшой деревушке на острове Кимито (архипелаг Турку), учился в коммерческом училище Турку, изучал экономику и страхование в Германии и Лондоне. В 1902 году он получил свою первую работу в страховой компании в Хельсинки. Уже тогда Андерсон начал проявлять интерес к экономической журналистике и сотрудничать в журналах. Вскоре он основал свое рекламное агентство, а затем и издательство, а в 1911 году открыл газету Dagens Tidning. Получив контрольный пакет акций в издательстве Tilgmann в 1916 году, Амос Андерсон стал крупнейшим в Финляндии предпринимателем в этой сфере бизнеса. В 1921 году медиамагнат купил газету Hufvudstadsbladet, причем сам работал ее главным редактором в 1928-36 гг. (фото с сайта [3]).

Андерсон также активно занимался политикой, был депутатом, дружил с президентами П. Э. Свинхувудом и Кюёсти Каллио. В 1940 году он подарил виллу Тамминиеми в хельсинкском районе Меилахти финскому государству, и она стала резиденцией президента (ныне там музей Урхо Кекконена).

Будучи успешным предпринимателем, Амос Андерсон также отличался прекрасным художественным вкусом и не забывал уделять внимание поддержке искусства. За деловой практичной натурой скрывался романтик со склонностью к мистике и религиозности, не случайно Андерсон питал слабость к средневековому искусству и музыке. В 1921 году он опубликовал иллюстрированную книгу о средневековой финской церковной архитектуре. Бизнесмен всерьез интересовался реставрацией старинных храмов и спонсировал работы в церквях Турку, Паргаса и Кимито. В середине 1920-х годов Андерсон спроектировал собственную капеллу для верхнего этажа своего дома и оформил ее классическими картинами, а также установил орган.

Одновременно магнат увлекался театром и даже сам писал пьесы на тему средневековых легенд и выступал режиссером театральных постановок. Он тесно сотрудничал со Шведским театром и финансировал там ремонтные работы в середине 1930-х годах. Кроме того, Андерсон выступил с инициативой создания Финского института в Риме (институт по-прежнему занимает ренессансную виллу Ланте на холме Яникул; художники и исследователи древнеримской культуры из Финляндии могут арендовать здесь комнаты и мастерские, а также пользоваться библиотекой). Различные проекты Андерсона были связаны с Турку — городом, где он провел юность. Он спонсировал многие проекты Академии Турку, за что в 1948 году ему была присвоена почетная степень доктора этого университета (фото с сайта [1]).

Амос Андерсон никогда не был женат, и в своем завещании доверил распоряжаться всем своим имуществом фонду Föreningen Konstsamfundet (Ассоциация искусств). Этот фонд был основан Андерсоном в 1940 году с целью поддержки шведскоязычной культуры в Финляндии. В соответствии с последней волей мецената, фонд занимается сохранением и развитием художественного музея его имени в Хельсинки, а также еще одного музея-усадьбы Söderlångvik Gård на острове Кимито, в бывшей летней резиденции Андерсона.

Личная коллекция Амоса Андерсона насчитывала 250 картин и скульптур, гравюр и медалей. Некоторые предметы из этой коллекции сегодня демонстрируются в кабинете, гостиной и капелле бывшего дома мецената в Хельсинки, а также в музее Söderlångvik Gård.

Интерьеры особняка Амоса Андерсона

На 5-м этаже музея (см. план выставочных помещений) находится несколько залов, которые позволяют получить представление о том, как жил знаменитый финский меценат. Нам показалось, что именно эта часть экспозиции заслуживает наибольшего внимания: во-первых, здесь отчасти сохранилась атмосфера жилого дома той эпохи, а во-вторых, комнаты украшают интересные работы финских и французских живописцев, а также несколько любопытных скульптур.

Во время нашего посещения музея в этой части здания никого не было (ни других туристов, ни смотрителей), так что даже удалось сделать несколько фотографий.

Амос Андерсон жил на трех верхних этажах нынешнего музейного здания. Когда в 1965 году музей впервые открылся для публики, было решено сохранить некоторые жилые помещения квартиры (кабинет, гостиную, две комнаты и домовую капеллу) в подлинном виде.

Жилые комнаты Амоса Андерсона

Гостиная Амоса Андерсона — это светлый зал с неоклассическим мебельным гарнитуром в густавианском стиле (так называют утонченный стиль эпохи 1772-1809 гг.). Гарнитур первоначально находился в большом зале усадьбы Сварто (Мустио) (Svartå slott/Mustion linna) (1783-92). Андерсон купил его, вероятно, во время аукциона 1929 года, который проводился, когда усадьба со всем движимым имуществом переходила в муниципальную собственность. Предприниматель как раз в это время обставлял свою гостиную и решил приобрести данный комплект, а также два больших полотна шведского художника Густава Вильгельма Пальма (Gustaf Wilhelm Palm) (1810-1890) с изображением итальянских пейзажей, а в придачу картину Магнуса фон Райта «Водопад в Сварто».

В коллекцию Амоса Андерсона перешли и некоторые другие картины, в свое время приобретенные владельцами усадьбы Сварто — семейством Линдеров. Данная усадьба была построена владельцем железоделательного завода Магнусом Линдером. Своего расцвета усадьба достигла в эпоху, когда ее хозяином был Ялмар Линдер (Hjalmar Linder) (1862-1921), богатейший человек, крупный помещик, промышленный магнат, благодетель рабочих и владелец первого автомобиля в Финляндии (1902). Ялмар Линдер, к слову сказать, был сыном Константина Линдера и графини Марии Мусиной-Пушкиной (дочери декабриста В.А. Мусина-Пушкина и Эмилии Карловны Шернваль, сестры Авроры Демидовой-Карамзиной). В свою очередь, Ялмар был (правда, недолго) женат на баронессе Софии Маннергейм, сестре маршала, а сам маршал был безответно влюблён в сестру Ялмара — Китти. С началом Гражданской войны 1918 года Ялмар стал изгнанником, переживал финансовые трудности и покончил с собой в гостиничном номере в Марселе. Часть мебели из усадьбы Сварто перекочевала также в летнюю резиденцию Амоса Андерсона на острове Кимито.

Единственными в этой гостиной предметами, которые поступили в музей не из усадьбы Сварто, являются хрустальная люстра и консольные столики в стиле рококо.

В уютном кабинете Амоса Андерсона можно увидеть мебельный гарнитур в стиле русского ампира. Как мы знаем, Финляндия была частью Российской империи в статусе автономного Великого княжества Финляндского с 1809 по 1917 год. Многие финские политические и культурные деятели работали в этот период в Санкт-Петербурге. Они, а также русские эмигранты привозили в Финляндию в том числе и предметы мебели. В Петербурге в то время работали многие европейские архитекторы и мастера прикладного искусства. Русские декораторы учились у них, развивая эти образцы при помощи собственного воображения и свободно сочетая эти влияния с элементами греческого или египетского стиля. Так родился тяжеловатый дворцовый русский стиль, отдававший предпочтение богатой декоративной резьбе и позолоте.

Собственно русский ампир был детищем архитектора Андрея Воронихина, который в 1810-х годах занимался в том числе и дизайном мебели. Мебель в стиле русского ампира часто декорировали изображениями птиц, животных, химер, сфинксов; позднее популярность приобрели мотивы в виде стилизованных пальмовых листьев, розеток, лир и листьев аканта. Подлокотники украшались резьбой в форме лебедей или кариатид и покрывались позолотой или окрашивались под бронзу.

Мебельный гарнитур в кабинете Амоса Андерсона (диван, кресла, стулья, стол и комод) был приобретен бизнесменом у неизвестных владельцев в 1917 году. Гарнитур выполнен из сосны с облицовкой тонкими пластинами красного дерева. Диван и стол были изготовлены в Санкт-Петербурге в 1810-х годах, а кресла — в 1820-х. Подлокотники кресел сделаны в форме египетских сфинксов из окрашенного в черный цвет и позолоченного дерева; латунные аппликации на спинках изображают обрамленный венком лик Аполлона. Спинку дивана украшают переплетенные змеи, подлокотники имеют вид лебединых голов, а боковые опоры завершаются черными головками кариатид. Оригинальная обивка не сохранилась (фото с сайта [1]).

Неоимпрессионисты из коллекции Сигурда Фростеруса

В остальных двух комнатах на этом этаже подлинной мебели немного. Главная достопримечательность этих залов — картины и скульптуры из коллекции финского архитектора Сигурда Фростеруса (Sigurd Frosterus) (1876-1956). Эта художественная коллекция, принадлежащая фонду архитектора, с 1994 года демонстрируется на постоянной основе в музее Амоса Андерсона. В свое время это была крупнейшая частная коллекция современного финского и зарубежного искусства в Финляндии.

Основная часть зарубежных произведений была собрана Фростерусом в 1905-1915 гг., когда он работал художественным критиком и автором теоретических работ. Переданная на постоянное хранение в музей Амоса Андерсона коллекция насчитывает 63 картины маслом и акварели. В основном это работы членов бельгийского Общества ХХ («Двадцатка») и объединения финских художников Septem.

Общество Septem было основано в 1909 году и названо по числу основателей (семь). В него вошли Вернер Томе, Магнус Энкель, Альфред Уильям Финч и др. Главным источником вдохновения для этих художников послужила франко-бельгийская выставка импрессионистов и неоимпрессионистов (в том числе Поля Синьяка, Анри Эдмона Кросса, Тео ван Рейссельберге и Финча), состоявшаяся в Хельсинки в 1904 году. Эта выставка познакомила финскую публику с совершенно новым для нее стилем, более сочным и жизнерадостным.

Основу коллекции Сигурда Фростеруса составляют работы Магнуса Энкеля и Альфреда Уильяма Финча, датируемые началом XX века. Кроме того, в коллекции представлены картины известных французских и бельгийских художников: Пьера Боннара, Поля Синьяка, Тео ван Рейссельберге, Анри Эдмона Кросса, Максимильена Люса, Луи Вальта, Мориса де Вламинка, а также одна картина англичанина Роджера Фрая. Из скульптур интересна мраморная композиция Виктора Мальмберга (Viktor Malmberg) «Пара» (1900).

Художественные вкусы Фростеруса сформировались во время его работы помощником знаменитого бельгийского архитектора и дизайнера Хенри ван де Велде в его студии в Веймаре в 1903-1904 гг. по рекомендации Финча. По возвращении в Финляндию Фростерус загорелся идеей вдохнуть жизнь в финское искусство и направить его в сторону импрессионизма и неоимпрессионизма.

Сам Фростерус спроектировал множество фабричных, деловых и жилых зданий по всей стране, став видным представителем рационализма в современной европейской архитектуре. Самым известным его творением является здание универмага Stockmann в Хельсинки (в сотрудничестве с Оле Грипенбергом). Фростерус также был художественным критиком и эрудитом, опубликовал несколько статей и книг об архитектуре и изобразительном искусстве.

Особое место в коллекции Фростеруса занимают работы его доброго знакомого Альфреда Финча, благодаря которому и была организована та самая выставка в Хельсинки в 1904 году. Альфред Уильям Финч (Alfred William Finch) (1854-1930) был в данном случае объединяющей фигурой: англичанин по происхождению и бельгиец по рождению, он был одним из основателей брюссельской «Двадцатки» (1883), а с 1897 года жил в Финляндии: под впечатлением от работ Финча основатель мебельной и керамической фабрики Iris шведский художник и дизайнер Луис Спарре пригласил его в Порвоо — возглавить керамическое производство.

Очарованный техникой Синьяка и Сёра, Финч вместе с Тео ван Рейссельберге был ведущим неоимпрессионистом и колористом Бельгии и как никто лучше подходил для того, чтобы познакомить Финляндию с художественными новациями пуантилизма.

Финч вырос на берегу Северного моря в Остенде, и его больше всего привлекала пейзажная живопись, особенно морские пейзажи. Одним из примеров его раннего творчества является картина «Прибой в Хейсте» (1891), в которой художник применил строгий метод дивизионизма, разработанный Жоржем Сёра и Полем Синьяком. Метод заключался в разложении тона на спектрально чистые цвета, которые наносятся на холст в виде небольших точек, а при восприятии картины зрителем с определенного ракурса оптически сливаются в нужный цвет. В картине «Прибой в Хейсте» Финч использует десятки чистых ярких красок, но при этом достигает изящного гармоничного эффекта, характерного для его творчества. В то же время композиция лишена привычного для него спокойствия и простоты. Гребни бушующих волн создают мощное, драматичное движение. В работе также можно обнаружить влияние японских гравюр и декоративность грядущего ар-нуво.

После закрытия керамической фабрики в Порвоо в 1902 году Финч переехал в Хельсинки и прожил там остаток дней, устраивая выставки и принимая участие в деятельности группы Septem. В этот период Финч отошел от прикладного искусства (керамики) и вновь стал заниматься живописью, только на этот раз уже работал в иной манере, более широкими мазками, хотя и в той же яркой гамме.

В 1905 году семья и дети Финча переехали в лондонское предместье Туикенем, и художник хотя бы раз в год ездил в Англию их навещать. В коллекции Сигурда Фростеруса сохранилось несколько красочных пейзажных набросков с видами Туикенема, а также изломанных меловых скал Дувра. Также в коллекции представлен монументальный морской пейзаж, созданный на острове Суурсаари (Гогланд ), где Финч работал вместе с Вернером Томе жарким летом 1912 года. Ослепительное в своих ярких контрастных цветах, это полотно привлекло большое внимание на персональной выставке Финча, проходившей в Париже в 1912 году (репродукция с сайта [1]).

Личная капелла и орган Амоса Андерсона

Одно из самых интересных помещений в доме Амоса Андерсона — его личная капелла (домовая церковь) с органом. Капелла расположена этажом выше основных жилых помещений (точнее, на «пятом с половиной» этаже) (см. план выставочных помещений) .

Амос Андерсон заинтересовался реставрацией храмов в начале 1920-х годов. Сначала он спонсировал ремонт церкви Кимито, затем сделал крупное пожертвование на реставрацию собора Турку и ряда средневековых каменных церквей Финляндии. Увлечение средневековым искусством навело мецената на мысль построить капеллу и в собственном доме в Хельсинки. Капелла была освящена в 1926 году (источник фото: [2]).

Разработка дизайна капеллы была поручена архитекторам Вернеру Весту (Werner West) и Харри Рёнехольму (Harry Röneholm), но со временем интерьер помещения претерпел серьезные изменения. Первоначально это была комната с побеленными стенами, обставленная в строгом стиле. Здесь не было шкафов или настенных панелей, лишь витражное окно и стулья (сохранились до наших дней). Нынешнее внутреннее убранство капеллы относится к 1925-26 гг., когда на стенах появились произведения религиозного искусства, приобретенным Андерсоном. В 1964 году стены оклеили светлыми тканевыми обоями, в 1980-х обои сняли, а стены окрасили в белый и красный «помпейский» цвет.

Главной достопримечательностью капеллы является орган. Рассказывают, что юный Амос Андерсон мечтал стать органистом. В итоге, как мы знаем, он сделал себе имя в сфере бизнеса и покровительства искусствам, однако его интерес к музыке и религиозному искусству никогда не утихал. Когда в 1920-х годах меценат устроил в своем жилом доме капеллу, то заказал и орган (источник фото [1]).

Инструмент, изготовленный на фабрике Kangasalan urkutehdas из древесины с лесопильного завода самого Амоса Андерсона, был готов как раз к моменту освящения капеллы в 1926 году. Позднее в доме неоднократно проводились органные концерты.  Корпус органа расписан изображениями музицирующих ангелов кисти Генри Эриксона (Henry Ericsson) (1898–1933).

Восьмирегистровый орган имеет два мануала и педаль и был частично перестроен в 1938 году. Изменения в регистрах отражали смену музыкальных вкусов от насыщенных темных тонов, свойственных эльзасским реформаторским органам, к более светлому, высокому неоклассическому звучанию. Орган неплохо сохранился и был тщательно отреставрирован в 2009 году финским органным мастером Мартти Портаном (Martti Porthan). Подобные органы для домашнего использования редко встречаются в Финляндии, что еще больше повышает ценность инструмента.

Выставки в художественном музее Амоса Андерсонаи

В настоящее время в музее Амоса Андерсона проходят две интересных выставки, на которых нам удалось побывать: «Ар-деко и искусства. Франция-Финляндия 1905–1935» и «Прогулка в лесу».

Собственно говоря, в этом хельсинкском музее регулярно организуются временные выставки как современного эпатажного, так и более традиционного искусства. Порой тут проходит по две-три выставки одновременно, благо музейные площади это позволяют. Некоторые выставки, как, например, «Прогулка в лесу», подходят для семей с детьми.

Следите за расписанием выставок на сайте музея — вы всегда сможете найти какое-то интересное мероприятие, которое позволит вам открыть для себя что-то новое и разнообразить программу своего пребывания в Хельсинки.

Практическая информация о посещении Художественного музея Амоса Андерсона в Хельсинки (адрес, цена билетов, часы работы и т.п.)

Музей Амоса Андерсона находится в центре Хельсинки по адресу Yrjönkatu 27, 00100 Helsinki. Посмотреть местоположение музея на карте Хельсинки можно тут и на карте ниже:

Часы работы музея: Художественный музей Амоса Андерсона открыт для посещения в понедельник, четверг и пятницу с 10:00 до 18:00, в среду с 10:00 до 20:00, в субботу и воскресенье с 11:00 до 17:00. Во вторник музей закрыт.

Стоимость входного билета в музей Амоса Андерсона составляет 10 евро для взрослых, 8 евро для пожилых и 2 евро для студентов. Дети в возрасте до 17 лет могут посещать музей бесплатно.

Билет дает право на осмотр постоянной экспозиции, а также временных выставок. С программой текущих и будущих временных выставок в музее Амоса Андерсона можно ознакомиться на официальном сайте музея. Фотографировать в музее запрещено (об этом нигде не написано, но служительницы сразу сделают вам замечание, если увидят, что вы снимаете).

На первом этаже музейного здания находится касса и музейный магазин, где можно приобрести книги и выставочные каталоги, календари, записные книжки, фотоальбомы, керамические изделия, сумки, зонты, настольные игры, многочисленные открытки с репродукциями картин и другие сувениры. Часы работы магазины совпадают с часами работы музея. Этажом ниже располагаются гардероб и туалет.

Также советуем посетить кафе при музее, Café Amos. Вход в кафе — из музея или с улицы Mercatorkuja. В этом стильном уютном кафе подают домашнюю выпечку, сэндвичи и другие закуски. Кроме того, тут можно недорого пообедать. В марте 2013 года бизнес-ланч тут стоил 7 евро (суп на выбор плюс кофе). Супы очень вкусные (мы пробовали протертый суп с картошкой и луком-пореем и суп с лососем), к супу подается вкусный домашний хлеб. Очень сытно и вполне бюджетно, несмотря на расположение в самом центре Хельсинки. Часы работы кафе Amos: с понедельника по пятницу с 10:00 до 18:00, в субботу и воскресенье с 11:00 до 17:00.

♦♦♦♦♦♦♦

Куда сходить и что посмотреть в Хельсинки

Музеи Хельсинки

- Музей Атенеум

- Городской музей Хельсинки

- Художественный музей Амоса Андерсона

- Художественный музей Дидрихсена

- Художественный музей Синебрюхова

- Национальный музей Финляндии

Церкви и соборы Хельсинки: это стоит посмотреть

- Кафедральный собор Святого Николая (Helsingin tuomiokirkko)

- Православный Успенский собор

- Церковь в скале (Темппелиаукио)

- Часовня тишины Камппи

- Старая церковь Хельсинки (Vanhakirkko)

- Церковь Св. Иоханнеса (Иоанна) (Johanneksenkirkko)

- Церковь Каллио

Интересная архитектура и интерьеры в Хельсинки: это стоит посмотреть

- Здания в стиле финского модерна (национального романтизма) в Хельсинки

- Здание Национальной библиотеки

Бассейны и аквапарки Хельсинки

- Бассейн в скале Itäkeskus

- Исторический бассейн Yrjönkatu

Другое: концертные и оперные театры

- Опера Хельсинки

- Концерты органной музыки в церквях Хельсинки (например, в Старой церкви и кафедральном соборе)

♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Официальный сайт Художественного музея Амоса Андерсона в Хельсинки

2. Фотографии интерьеров в музее Амоса Андерсона

3. Краткая биография Амоса Андерсона

Успенский собор — величественное краснокирпичное сооружение с поблескивающими золотом луковками куполов — фотогенично возвышается на скале у западной оконечности квартала Катаянокка. Когда прибываешь в Хельсинки на пароме, на подходе к Южной гавани перед тобой открывается живописная городская панорама с двумя доминирующими силуэтами — этого православного храма и его белоснежного лютеранского собрата.

Успенский собор — одна из самых узнаваемых достопримечательностей Хельсинки. Это главный храм Хельсинского православного прихода и Хельсинской епархии. Он также известен как самый крупный в Северной и Западной Европе православный собор. Во время поездки в Хельсинки собор обязательно стоит посмотреть и, возможно, даже побывать на службе и послушать чудесное пение. Но Успенский собор интересен не только тем, что это живой действующий храм. Это еще и памятник архитектуры с интересными деталями декора и впечатляющим интерьером. В этой заметке мы расскажем об истории и архитектуре Успенского собора в Хельсинки, также будет приведено описание и фотографии внутреннего убранства.

История Успенского собора и православного прихода в Хельсинки

Успенский кафедральный собор (Uspenskin katedraali) — важнейший православный храм Хельсинки и всей Финляндии. Как лютеранский собор Хельсинки доминирует над Сенатской площадью, так Успенский собор подчиняет себе остров Катаянокка (Можжевеловый мыс).

Строительство Успенского собора положило начало градостроительному развитию этого «маргинального» района Хельсинки, который до второй половины XIX века кишел убогими бараками и лачугами и не самой порядочной публикой. Какое-то время собор был единственным полноценным зданием в районе Катаянокка, но зато каким! С собора-то всё и началось. Район с некогда дурной репутацией перестал быть прокаженным. К нему стали присматриваться богатые коммерсанты, заказывавшие себе модные жилые дома, и вот в на рубеже веков грянул самый настоящий строительный бум, за каких-то десять лет превративший Катаянокку в заповедник финского модерна. После того как на месте бывших лачуг выросли все эти удивительные шедевры финского югендштиля, прежде заброшенная территория превратилась в элегантный район близ центра Хельсинки, а Успенский собор оказался его почтенным старожилом.

Успенский собор называют памятником эпохе российского правления в Финляндии. Он был построен в царствование императора Александра II, когда Финляндия входила в состав Российской империи как автономное Великое княжество Финляндское.

До возведения Успенского собора в Хельсинки (Гельсингфорсе) была лишь одна полноценная православная церковь — Свято-Троицкий храм, построенный в 1825-1827 гг. по проекту Карла Людвига Энгеля. Однако эта церковь вскоре стала слишком мала для растущей православной общины Хельсинки. Если в момент освящения Свято-Троицкой церкви в Хельсинки проживало лишь 600 православных, то к 1850-м годам их число уже приближалось к 2 тыс. (причем в летние месяцы добавлялось еще столько же туристов, приезжавших на лечение минеральными водами), а с началом Крымской войны увеличилось еще больше за счет роста гарнизона.

В 1854 году настоятелем Свято-Троицкой церкви стал энергичный молодой священник Николай Попов, поднявший вопрос о возведении нового, более вместительного храма: старая церковь была настолько маленькой, что во время крупных праздников верующим приходилось тесниться на улице. К тому же, к тому времени на Сенатской площади появился огромный лютеранский собор, заслонивший скромную православную Свято-Троицкую церковь.

За помощью священник обратился к генерал-губернатору Финляндии Ф. Ф. Бергу, и уже в марте 1857 года был издан документ о необходимости постройки нового обширного православного храма, «который наружным благообразным великолепием и большею вместительностью соответствовал бы... общему усердию религиозному». В апреле 1859 года граф Берг получил разрешение у обер-прокурора Синода пригласить в Хельсинки архитектора Горностаева. Вероятно, Алексей Максимович был знаком Бергу по работам в Валаамском монастыре. Хотя Берг и был по вероисповеданию лютеранином, он оказался ревностным деятелем на благо православной церкви.

Автор проекта Успенского собора в Хельсинки — русский архитектор Алексей Максимович Горностаев (1808-1862) (фактически собор строился уже после его смерти, в 1862-1868 гг.). Алексей Горностаев родился в семье бывшего крепостного Максима Горностаева, самородка, дослужившегося до главного управляющего Выксунских металлургических заводов И. Р. Баташева, но скончавшегося, когда Алексею было всего несколько месяцев. Алексей Горностаев вырос на Выксунских заводах, в семье генерала Д. Д. Шепелева, затем учился в Москве, а в 1829 года поступил в Царскосельское дворцовое управление помощником архитектора к А. П. Брюллову, принял участие в строительстве Михайловского театра в Санкт-Петербург. В 1834 году Горностаев получил аттестат Академии художеств и отправился в путешествие по Европе, выполнив ряд рисунков и чертежей, за что ему по возвращении было присвоено звание академика архитектуры (1838).

Алексей Горностаев работал в Санкт-Петербурге, на Валааме, в Троице-Сергиевой пустыни и других местах. Он много ездил по России, изучал и зарисовывал старинную церковную архитектуру. Не случайно Горностаеву ставят в заслугу возрождение национального стиля в русской архитектуре. Особенно его интересовала церковная шатровая архитектура.

Горностаев приехал в Хельсинки летом 1859 года и выбрал местом для будущего собора скалистый холм на острове Катаянокка, напротив императорского дворца (нынешнего президентского). Скала составила естественный фундамент для здания храма. К этому времени относится первый эскиз западного фасада собора, выполненный Горностаевым в виде акварельной миниатюры (хранится в Государственном архиве Финляндии). Первый эскиз Успенского собора, выполненный А.М. Горностаевым в 1859 году (источник [10]):

В том же году академик подготовил чертежи с акварельной раскраской, а в январе 1860 года проект Горностаева был утвержден Александром II. Император желал освятить новый собор во имя Успения Пресвятой Богородицы и устроить три придела, однако в итоге храм получился однопрестольным из-за нехватки места. План Успенского собора, выполненный архитектором Горностаевым (источник [10]):

Контракт с архитектором Горностаевым был заключен осенью 1860 года, после чего начался сбор средств (добровольных пожертвований) на строительство собора. Храм строили всем миром: император Александр II выделил 20 тыс. рублей, у Синода удалось исхлопотать 15 тыс. рублей, а цесаревич (будущий император Александр III) в ознаменование своего бракосочетания с принцессой Дагмарой прислал 2 тыс. руб. Вдобавок к этому, более 30 тыс. было собрано по всей России от простых верующих. От московского купечества поступило 20 тыс. Кроме того, утверждается, что на Успенский собор пожертвовал каждый русский купец в Хельсинки [8]. В число жертвователей вошел и сам генерал-губернатор граф Берг: он передал священнику Николаю Попову 500 рублей серебром. В целом постройка Успенского собора обошлась в 223 тыс. рублей.

Торжественная закладка Успенского собора состоялась 15 августа 1862 года в присутствии великих князей Алексея Александровича и Николая Константиновича, совершавших плавание по Балтийскому морю. Это произошло уже при новом генерал-губернаторе бароне П. И. Рокасовском. На начальном этапе строительством руководил сам архитектор Горностаев. Но он не отличался крепким здоровьем и 18 декабря 1862 года умер в возрасте 54 лет. После его смерти работы продолжил И. А. Варнек. В проект Горностаева он никаких изменений не внес, только звонницу заменил колокольней.

Окончание строительства собора ускорилось благодаря назначению и прибытию в Хельсинки в 1866 году нового генерал-губернатора Финляндии графа Н.В. Адлерберга.

Утварь для внутреннего убранства собора пожертвовали частные лица: купеческая вдова Д. Салтыкова подарила собору дарохранительницу, серебряный крест и 2 хоругви, хельсинкский купец Н. В. Табунов пожертвовал плащаницу и гробницу к ней, граф Адлерберг заказал позолоченное паникадило, а московские купцы А. И. Хлудов и Н. Ф. Шубин подарили восемь колоколов. Самый большой из этих колоколов весил около 5 тонн (300 пудов). С этим колоколом произошла забавная история. Когда колокол не поместился в колокольне, ее пришлось частично разобрать и расширить, причем это было сделано за счет самого дарителя.

Стены собора решено было возводить из кирпича, поскольку он строился на месте, обдуваемом влажными морскими ветрами, так что штукатурка была признана неподходящим материалом. Любопытная деталь: красный кирпич для Успенского собора привезли в Хельсинки по морю из крепости Бомарсунд, которая располагалась на Аландских островах и была разрушена в 1854 году во время Крымской войны. Взорванные стены крепости Бомарсунд были использованы при возведении многих построек на территории Хельсинки: не пропадать же хорошему нетронутому кирпичу.

Как сообщает мемориальная доска внутри собора, храм освятил 13 октября 1868 года епископ Выборгский Павел. В память об освящении Успенского собора была выбита памятная медаль, а основные жертвователи и строители, а также священник и художник были награждены ценными подарками и орденами. Через 25 лет (в 1893 году), уже в царствование Александра III, собор был переосвящен после реставрации, проведенной силами статского советника Якова Чернышева. Купец и меценат Яков Логгинович Чернышев (1826-1906) активно проявил себе еще на этапе строительстве собора: он пожертвовал значительную сумму и выступил в качестве главного подрядчика.

Памятная медаль в честь освящения Успенского собора в Хельсинки (источник [10]):

После этого собор приходилось ремонтировать еще несколько раз. Основательный ремонт был произведен перед столетним юбилеем храма в октябре 1968 года. При ремонте заделали трещины в наружной стене, крышу и купола покрыли медными листами, главки и кресты заново позолотили, внутренние стены оштукатурили и окрасили, сохранив при этом прежнюю расцветку и орнамент, отреставрировали иконы. В 2004-2007 годах была вновь обновлена позолота куполов.

 ♦♦♦♦♦♦♦

В настоящее время Успенский собор относится к числу важнейших достопримечательностей финской столицы. Его ежегодно посещает около 500 тыс. человек (больше, чем лютеранский собор Хельсинки, но меньше, чем церковь в скале). Успенский собор является вторым по величине зданием в центре Хельсинки и главным храмом Хельсинского православного прихода.

Первоначально Хельсинский православный приход был русскоязычным и состоял главным образом из русских, проживавших в Хельсинки и окрестностях. После того как Финляндия обрела независимость, он почти полностью стал финскоязычным, однако после Второй мировой войны в связи с различными волнами иммиграции приход приобрел более интернациональный состав. На сегодняшний день большинство членов общины говорят на финском, вторая по численности группа — русскоязычная (14%). В Хельсинском приходе сегодня насчитывается около 17 тыс. членов. Богослужения в Успенском соборе проводятся на финском языке (службы на церковнославянском языке можно посетить в Свято-Троицкой церкви Хельсинки). Православие является в Финляндии второй государственной религией, его исповедует около 1,1 % населения.

Архитектура и интерьер Успенского собора в Хельсинки (внутреннее убранство, иконы)

Архитектурный стиль Успенского собора определяют как псевдовизантийский или русско-византийский с элементами романского. По некоторым данным, в качестве образца для собора послужила старинная церковь XVI века в Коломенском, недалеко от Москвы [2; 7]. Исследователи также отмечают, что Горностаев во многом ориентировался на деревянное зодчество Русского Севера, вот только деревянную резьбу заменил более прочной кирпичной кладкой.

Успенский собор представляет собой квадратное в плане сооружение с выступающей полукруглой алтарной частью и трехъярусной колокольней с южной стороны. Колокольня соединена с основной частью храма многоступенчатой галереей. Общая высота собора — 51 м.

Снаружи нарядный краснокирпичный храм украшают выступы, колонки, углубления, карнизы, рельефы, а венчает его обширный центральный шатер (главный купол) с позолоченной главой. Крыльцо с западной стороны поддерживают две гранитные колонны. Главный купол окружают 12 переливающихся на солнце маленьких позолоченных главок по периметру собора и еще одна над колокольней, что оживляет силуэт собора и делает его особенно живописным. Тринадцать основных главок символизируют Христа и 12 апостолов [2]. Также существует мнение, что каждая главка напоминает горящую свечу и олицетворяет душу христианина, стремящегося к высшему идеалу [10]. Интенсивно-красные стены храма красиво контрастируют с зелёными куполами и золотом луковичных глав.

Известный искусствовед и художественный критик В. В. Стасов считал Успенский собор вершиной творчества А. Горностаева: «Это самое большое и многосложное сооружение Горностаева, — писал он. — Стиль совершенно своеобразный, но, по разным подробностям, он всего более приближается к стилю то новгородской, то суздальской полосы нашей» [5].

Интерьер Успенского собора в Хельсинки очень просторный и светлый, с обилием легких красочных орнаментальных византийских росписей, покрывающих арки и своды храма. Внутреннее оформление собора выполнено по эскизам архитектора Горностаева. Центральный купол опирается изнутри на четыре массивные колонны, высеченные из монолитного камня (местной гранитной скалы) и искусно отполированные.

Верхняя часть центрального свода и арочное перекрытие над алтарной частью представляют собой голубое звездное небо, причем над алтарной частью на фоне звездного неба изображен символ Святого Духа — голубь.

Над главной алтарной аркой помещено изображение Господа Саваофа, а высоко в арке над клиросом — изображения святых Иоанна Златоуста и Василия Великого. В западной части храма в арке изображены апостолы Иуда Фаддей и Матфий.

В парусах центрального купола помещаются овальные изображения московских святителей: Петра, Алексия, Ионы и Филиппа, а на арках свода — библейские изречения на славянском языке: «Приидите ко мне, все труждающиеся и обремененнии и Аз упокою вы», «Величит душа моя Господа, и возрадовася дух мой о Бозе спасе моем», «Верующий во мя имут живот вечный» и «Благословен грядыи во храме святыя славы Твоея».

В местах смыкания четырех массивных гранитных колонн и арочных сводов написаны образы апостолов: Иакова брата Господня, Филиппа, Андрея, Иакова Зеведеева, Фомы, Иакова Алфеевва, Варфоломея и Симона Кананита.

Резной двухъярусный иконостас украшен богатой позолотой. Иконы написаны в академическом стиле. Они были выполнены в Санкт-Петербурге русским художником Павлом Шильцовым на полотне по золотому фону. Над Царскими вратами помещена картина «Тайная вечеря» по Леонардо да Винчи, а по сторонам от нее на втором ярусе иконостаса — евангелисты Матфей, Марк, Лука и Иоанн с символами. Над Тайной вечерей возвышается икона Воскресшего Христа Спасителя.

Перед иконостасом на аналоях и в киотах находятся высокочтимые иконы.

В планировке интерьера Успенского собора в Хельсинки прослеживаются византийские традиции. Обширное подкупольное пространство увеличивается за счет отсутствия сидений, а относительно близкая постановка колонн к стенам создает впечатление целостности: весь видимый богомольцами объем храма воспринимается как единый общий зал. Это впечатление дополнительно усиливается тем, что внутренние стены собора окрашены в цвета, близкие по оттенку к гранитным колоннам. В соответствии с православными канонами, во время богослужений прихожане стоят. Имеющиеся у стен скамьи предназначены для пожилых и слабых здоровьем.

Особое внимание привлекает центральная массивная люстра — изящное позолоченное паникадило со 144 свечами, изготовленное по особому заказу генерал-губернатора Финляндии графа Н.В. Адлерберга. Восемь роскошных подсвечников, подвешенных перед иконами иконостаса, изготовлены монахами Валаамского монастыря.

В соборе хранится несколько ценных икон. Большинство икон поступило в храм после 1918 года и накануне Второй мировой войны. Среди них стоит выделить икону преподобного Серафима Саровского с мощами, старинные иконы великомученицы Варвары и святителя Николая Чудотворца (фото икон с сайта [9]).

Особая ценность собора — почитаемая Козельщанская икона Божией Матери. Это список с чудотворной Козельщанской иконы, находящейся в Рождество-Богородичном монастыре села Козельщина Полтавской области. Этот список принадлежал некогда Иоанну Кронштадтскому и стал его молитвенным благословением родителям тяжело больной девочки, которая чудесным образом излечилась.

Сначала икона находилась в Выборге, а в 1940 году была вывезена в Хельсинки, вместе с тремя вышеназванными. В 2010 году икону из Успенского собора похитили, но воры были вскоре найдены, а в 2011 года обнаружили и саму икону, и сегодня она возвращена в храм. Украшенная бисером чудотворная икона Божией Матери Козельщанской, привезенная из Выборга, находится у левой (северной) стены собора. В окладе иконы располагаются многочисленные подвесы (крестики и другие ювелирные изделия, переданные верующие в дар храму в благодарность за чудеса, совершенные иконой) (фото иконы с сайта [9]).

Привезенная из Выборга икона Николая Чудотворца была похищена из собора в 2007 году и до сих пор разыскивается (фото с сайта [9]).

Помимо вышеупомянутых икон из Выборга, после Зимней войны 1939 г. в Успенском соборе появились иконы из русских церквей с Карельского перешейка и с Валаама. Отдельно стоит отметить икону священномученика Александра Хотовицкого (1872-1937), который был настоятелем Хельсинского (Гельсингфорского) прихода в 1914-1917 годах (канонизирован в 1994 году). Александру Хотовицкому также посвящена часовня в крипте Успенского собора.

У правой (южной) стены собора можно увидеть надгробие — пустую гробницу, которая служит символом Гроба Господня и используется во время богослужений на Страстную Пятницу.

Одна из икон задней (западной) стены также изображает святого Николая Чудотворца:

Полный перечень икон Успенского собора Хельсинки представлен здесь.

 ♦♦♦♦♦♦♦

Сферическую панораму интерьера Успенского собора в Хельсинки можно посмотреть тут.

Практическая информация о посещении православного Успенского собора Хельсинки (часы работы Успенского собора, порядок посещения и т.п.)

Успенский собор в Хельсинки находится в центре города, в районе Катаянокка (Katajanokka). Адрес собора: Kanavakatu 1 (Pormestarinrinne 1), Helsinki, Finland. Посмотреть местоположение Успенского собора на карте Хельсинки можно тут.

Часы работы Успенского собора: Успенский собор в Хельсинки открыт для посещения в летний период (с 4 июня по 29 августа 2013) со вторника по пятницу с 10:00 до 19:00, в субботу и воскресенье с 12:00 до 15:00. В зимнее время собор открыт для посещения со вторника по пятницу с 9:30 до 16:00, в субботу и воскресенье с 12:00 до 15:00. По понедельникам собор закрыт. В праздничные дни и накануне праздников собор открыт только на время богослужений.

Богослужения в Успенском соборе Хельсинки проводятся в 18:00 в субботу (и в кануны праздников) и в 10:00 по воскресеньям и в праздничные дни. С полным расписанием богослужений можно ознакомиться на официальном сайте собора. См. также информацию в группе в Facebook.

Фотографировать в Успенском соборе Хельсинки разрешается, но только без вспышки и только не во время службы. Хотя на богослужениях в соборе наряду с молящимися присутствует много туристов, фотографировать в это время в соборе нельзя. Также не разрешается фотографировать во время венчаний и других таинств.

С площадки собора открывается прекрасный панорамный вид на Хельсинки, Рыночную площадь и гавань, гауптвахту, рыцарский дом и лютеранский собор.

 ♦♦♦♦♦♦♦

После осмотра Успенского собора советуем совершить прогулку по району Катаянокка и познакомиться с прекрасными образцами архитектуры финского модерна.

 ♦♦♦♦♦♦♦

Куда сходить и что посмотреть в Хельсинки

Музеи Хельсинки

- Музей Атенеум

- Городской музей Хельсинки

- Художественный музей Амоса Андерсена

- Художественный музей Дидрихсена

- Художественный музей Синебрюхова

- Национальный музей Финляндии

Церкви и соборы Хельсинки

- Кафедральный собор Святого Николая (Helsingin tuomiokirkko)

- Православный Успенский собор

- Церковь в скале (Темппелиаукио)

- Часовня тишины Камппи

- Старая церковь Хельсинки (Vanhakirkko)

- Церковь Св. Иоханнеса (Иоанна) (Johanneksenkirkko)

- Церковь Каллио

Интересная архитектура и интерьеры в Хельсинки

- Здания в стиле финского модерна (национального романтизма) в Хельсинки

- Здание Национальной библиотеки

Бассейны и аквапарки Хельсинки

- Бассейн в скале Itäkeskus

- Исторический бассейн Yrjönkatu

Другое: концертные и оперные театры

- Опера Хельсинки

- Концерты органной музыки в церквях Хельсинки (например, в Старой церкви и кафедральном соборе)

♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Успенский кафедральный собор в Хельсинки, статья в Википедии

2. Памятники религиозной архитектуры: православный Успенский собор в Хельсинки

3. Успенский собор на официальном туристическом сайте Хельсинки (часы работы собора)

4. Часы работы Успенского собора в Хельсинки на официальном сайте православного прихода

5. Н. В. Кривцов. Русская Финляндия

6. Архитектор Алексей Горностаев, статья в Википедии

7. Кафедральный Успенский собор - главный храм православного прихода г. Хельсинки. Подробное описание архитектуры и интерьера собора

8. Хельсинки (Финляндия), все места и идеи | Афиша-Мир. Успенский собор

9. Выборгские чудотворные иконы в Хельсинки

10. А. В. Нестеров. Кафедральный собор Успения Пресвятой Богородицы в Хельсинки

11. Фотопортрет священника Николая Попова

12. Успения Пресвятой Богородицы собор на сайте «Русские церкви»

Национальная библиотека Финляндии (Kansalliskirjasto) (ранее Университетская библиотека) — ведущая научная библиотека в стране, в фондах которой хранится одно из наиболее полных в мире собраний книг, напечатанных в Российской империи. Но для туриста Национальная библиотека Финляндии интересна в первую очередь как архитектурная достопримечательность: это одно из самых красивых зданий в ансамбле Сенатской площади Хельсинки и одно из лучших творений Карла Людвига Энгеля.

Библиотека примечательна еще и тем, что ее можно осмотреть не только снаружи. Не все об этом знают, но интерьеры Национальной библиотеки Финляндии доступны для свободного посещения. Не обязательно быть читателем библиотеки: вы можете прийти сюда просто, чтобы полюбоваться оформлением старинных залов. Собственно, если не считать церковных построек, мало где еще в Хельсинки обычный турист может увидеть такие красивые исторические интерьеры, как в Национальной библиотеке. Причем старинные залы дополнены не менее эффектными помещениями с более современным дизайном. Из настоящей заметки вы сможете подробнее узнать об истории, архитектуре и интерьере Национальной библиотеки Финляндии.

История Национальной библиотеки Финляндии (Университетской библиотеки Хельсинки)

Королевская академия (университет) Турку

История Хельсинкского университета и Университетской библиотеки Хельсинки — неотъемлемая часть истории королевства Швеция, а впоследствии Российской империи. В 1640 году старая гимназия (соборная школа) Турку была преобразована в университет, получивший название Королевской академии. Гимназия располагала небольшим собранием книг, которое и заложило основу для библиотеки Королевской академии. Коллекция библиотеки постоянно расширялась за счет пожертвований и приобретений. В 1642 году открылась первая типография при академии Турку: здесь начал работать финский первопечатник Педер Эрикссон Вальд (Peder Eriksson Wald) (1602-1653), и это стало началом книгопечатания в Финляндии. До того момента все финские книги печатались в Швеции или Германии.

По королевскому указу 1707 года, все типографы Швеции должны были теперь доставлять по экземпляру любой печатной продукции в университеты страны. К 1755 году библиотечное собрание Королевской академии увеличилось до 4000 томов, а к началу XIX века достигало 30 тыс. экземпляров. Наиболее стремительно рост библиотечных фондов происходил в последние десятилетия XVIII века, когда в университете работал заведующим библиотекой, а затем и профессором известный финский историк и этнограф Хенрик Габриель Портан (Henrik Gabriel Porthan) (1739-1804 Турку). Во время войн Швеции с Россией библиотеку эвакуировали в Стокгольм.

С 1809 по 1917 года Финляндия находилась в составе Российское империи как автономное Великое княжество Финляндское. В этот период Финляндия получила право на хранение собственных экземпляров всей печатной продукции, издаваемой в России. Российская библиотека первоначально существовала при университете как самостоятельное учреждение, но в 1924 году стала частью общей Университетской библиотеки. Благодаря многочисленным поступлениям из России, в Финляндии сформировалась одна из крупнейших коллекций дореволюционной литературы на русском и языках других национальностей Российской империи. Все эти книги по сей день используются учеными со всего мира и производителями факсимильных изданий.

Перевод университета из Турку в Хельсинки

Во время страшного пожара, который произошел в Турку 4 сентября 1827 года и затронул весь город, серьезно пострадала в том числе и библиотека Королевской академии в Турку, за два столетия успевшая собрать 40 тыс. книг. Из всего этого богатого собрания удалось спасти лишь около 800 книг, которые находились на руках у читателей (сегодня это часть коллекции Aboica). К счастью, университетские архивы уцелели, но библиотечные фонды пришлось формировать заново.

Вскоре после этого университет был по приказу Николая I переведен в Хельсинки (Гельсингфорс). Он открылся в 1828 году под названием Императорского Александровского Университета Финляндии. Первое время университет занимал временные здания (в том числе нынешний правительственный дворец Государственного совета), пока архитектор Карл Людвиг Энгель не построил новое университетское здание (1832) и, к северу от него, новую библиотеку (открылась в 1845 году). На следующей литографии видно здание библиотеки, а также гауптвахта (не сохранилась) и кафедральный собор Хельсинки.

В основу Университетской библиотеки легло книжное собрание Сената Финляндии (6000 томов, ранее находившихся в отдельном крыле сенатского здания (нынешнего дворца Государственного совета)). Фонды продолжали пополняться за счет денежных пожертвований и подарков. В частности, из Санкт-Петербурга поступило несколько частных книжных собраний. Книги также жертвовала Императорская академия наук и различные университеты. Заведующим библиотекой в то время был филолог и библиограф Фредерик Вильгельм Пиппинг (Fredrik Wilhelm Pipping) (1783 -1868), которому помогал библиофил Матти Похто (Matti Pohto). Вместе они успешно восстановили библиотечное собрание финской литературы.

Популярность библиотеки также росла. А когда в 1893 году в залах было установлено электрическое освещение, это позволило значительно продлить часы работы библиотеки в вечернее время. В том же году открылся большой читальный зал со справочной литературой. Площади библиотеки существенно расширились, когда в 1906 году открылась полукруглая пристройка к основному корпусу — Ротонда, или «книжная башня», построенная по проекту Карла Густава Нюстрёма (Gustaf Nyström). К моменту обретения Финляндией независимости в 1917 году фонды библиотеки насчитывали 300 тыс. томов.

Несмотря на расширение здания, библиотеке вскоре понадобилось еще больше места, и в 1950-х годах по проекту Аарне Эрви (Aarne Ervi) — одного из ведущих финских архитекторов послевоенного периода — было построено подземное книгохранилище, протянувшееся вплоть до университетского здания Porthania (возведено в 1957 году на улице Yliopistonkatu по проекту того же Эрви). Кроме того, в поселке Ураярви (район Асиккала) построили библиотечное хранилище для менее часто используемых материалов и микрофильмов. Наконец, после того как в конце 1990-х годов фармацевтическое отделение университета переехало в район Виикки, библиотека смогла занять весь квартал, получивший название Zebra. Новые обширные помещения для книг были устроены в скалистой пещере под университетским студенческим городком, и теперь все собрания, ранее рассредоточенные по разным частям города, объединились в постоянном книгохранилище в непосредственной близости от главного здания библиотеки.

Коллекция Национальной библиотеки Финляндии: от папирусов до электронных публикаций

В настоящее время фонды Национальной библиотеки Финляндии, до 1 августа 2006 года называвшейся Университетской библиотекой Хельсинки (Helsingin yliopiston kirjasto), насчитывают около 2,6 млн книг и периодических изданий, а также примерно такое же количество других материалов (рукописей, карт, нотных изданий, афиш, открыток). Особую ценность представляют коллекция карт А. Э. Норденшёльда, библиотека усадьбы Монрепо и автографы Яна Сибелиуса. Кроме того, с 1982 года в библиотеку поступают обязательные экземпляры всех выпускаемых в стране аудиозаписей, и на основе этих фондов теперь формируется Национальный архив музыкальных записей. Коллекция музыкальной литературы и записей дополняется постоянно увеличивающейся коллекцией музыкальных рукописей.

Древнейшими экземплярами в собрании Национальной библиотеки Финляндии являются папирусы III в. до н.э. Старейший пергамент датируется примерно 1100 годом, а наиболее ранним произведением книгопечатания в библиотечной коллекции являются фрагменты Майнцской Псалтири (Psalterium Moguntinum) (1457). Старейшая полная книга в библиотечном собрании — энциклопедический труд De sermonum proprietate, sive opus de universo немецкого богослова Рабана Мавра (ок. 780-85), напечатанный Адольфом Рушем в Страсбурге в 1467 году. А первой напечатанной специально для Финляндии книгой стал требник Missale Aboense, опубликованный в Любеке в 1488 году.

С началом распространения современных компьютерных технологий круг обязанностей Национальной библиотеки Финляндии заметно расширился. Библиотека занимается созданием электронных каталогов и электронных публикаций, причем благодаря единой библиотечной системе, объединяющей финские научные библиотеки, читателям стало особенно удобно пользоваться их услугами и материалами. Пользователи даже могут получить доступ к фондам зарубежных библиотек, а научные сообщества могут приобретать для совместного использования ученых электронные публикации в периодических изданиях и справочные материалы.

Сейчас в библиотеке идет процесс накопления электронных публикаций, а также перевода печатных фондов в цифровой формат, что позволяет защитить оригинальный материал от износа и сделать его доступным широкой публике через Интернет. Одной из задач Национальной библиотеки является сохранение письменного культурного наследия Финляндии, особенно гуманитарной литературы. В библиотеке находится обширнейшее собрание литературы, опубликованной в Финляндии или же посвященной этой стране (коллекция Fennica, или национальная библиография).

В конце 1990-х годов началось централизованное приобретение научных онлайн-журналов, что заложило основу для Национальной электронной библиотеки FinELib — объединения финских библиотек, университетов и научных институтов. Этот консорциум занимается приобретением высококачественных финских и международных электронных ресурсов для научных и образовательных целей.

Кроме того, Национальная библиотека является обслуживающим центром всех финских библиотек и оказывает услуги по поддержанию библиотечных баз данных различных университетов, а также публичных библиотек.

В 2006 году Национальная библиотека начала собирать онлайн-материалы, опубликованные в открытых источниках. В 2009 году библиотека открыла для публики свой веб-архив. В онлайн-архиве библиотеки — сотни миллионов файлов.

Национальная библиотека является частью Хельсинкского университета.

Архитектура и интерьеры комплекса Национальной библиотеки Финляндии в Хельсинки

Главное здание библиотеки построено по проекту знаменитого архитектора Карла Людвига Энгеля (Carl Ludvig Engel). Строительство завершилось в 1845 г. Пристройка к главному корпусу именуется Ротондой и была возведена в 1902-1906 гг. по проекту Карла Густава Нюстрёма (Gustaf Nyström).

Главное здание библиотеки

Главное неоклассическое здание Национальной библиотеки Финляндии (ранее — Университетской библиотеки Хельсинки) является одним из известнейших примеров архитектуры финского ампира (неоклассицизма) и важным образцом европейской публичной библиотеки того времени. Одной из ключевых задач в ходе разработки проекта была противопожарная защита, поэтому библиотека не соединена с главным зданием университета, а сам библиотечный блок окружен лиственными деревьями. Все залы и прочие помещения библиотеки имеют сводчатые потолки.

Автором проекта главного здания библиотеки выступил Карл Людвиг Энгель (Carl Ludvig Engel) (1778–1840) — уроженец Берлина, получивший всемирное признание благодаря своей активной работе в Финляндии. Именно этот одаренный и плодовитый архитектор спроектировал ансамбль Сенатской площади Хельсинки и сформировал целостный классический облик города, соответствующий новому столичному статусу. Интересно, что из трех предложенных архитектором альтернативных чертежей библиотеки Николай I выбрал наиболее грандиозный.

Проектируя фасад и прекрасные интерьеры библиотеки, Энгель оригинальным образом объединил элементы неоклассического стиля с отсылками к античности (римским мотивам). Наружная и внутренняя архитектура здания строится на основе коринфского ордера.

Фасад библиотеки напоминает по архитектуре классический храм. Пилястры с колоннами и венчающий их антаблемент в точности соответствуют по пропорциям главному зданию университета, расположенному напротив. Фасад украшают аллегорические скульптурные изображения, символизирующие четыре факультета, существовавшие в Хельсинкском университете в то время: философский, медицинский, юридический и теологический. Автор рельефов — Карл Магнус Мельгрен (Carl Magnus Mellgren) (1806-1886).

Небольшой вестибюль при входе в библиотеку может считаться примером римского атриума (крытого портика), а два симметричных библиотечных зала расположены по сторонам от центрального купольного помещения. Такой план первого этажа Энгель позаимствовал у терм Диоклетиана в Риме (архитектор был знаком с чертежами этих древнеримских купален, выполненными легендарным Палладио, творчество которого оказало огромное влияние на Энгеля и многих других представителей ампира).

Тут уместно отметить, что термы в Древнем Риме не были просто банями: в этих купальнях также размещались библиотеки и коллекции произведений искусства. Таким образом, подход Энгеля к воссозданию структуры античной библиотеки можно считать обоснованным, тем более что в то время еще не было археологических сведений о собственно библиотеках античности. С тяготением к римским мотивам может быть связано и использование коринфского ордера: этот ордер всегда ассоциировался именно с римской традицией, так что Энгель по всем параметрам создавал образец римского здания.

Просторные залы библиотеки соединены друг с другом. Центральная ось ведет с улицы прямо в сердце библиотеки — Купольный зал (Kupolisali) и продолжается в Ротонде. Большой Купольный зал имеет поперечный цилиндрический свод и обрамлен галереями с колоннами.

Помещение соединено с двумя боковыми залами, южным и северным (Eteläsali и Pohjoissali), которые сегодня служат читальными залами (см. план библиотеки).

Эти залы аналогичны Купольному по форме, но имеют меньший размер. Поддерживающие галереи колонны облицованы искусственным мрамором. В оформлении каждого зала использована собственная цветовая гамма. Росписи на потолках библиотечных залов были выполнены в 1881 году.

Три упомянутых библиотечных зала являются уникальным комплексом помещений в истории финской архитектуры. Энгель создал своеобразный академический храм, посвященный исследованиям и науке. Этот возвышенный статус дополнительно подчеркивается тем, что вход в библиотеку расположен прямо напротив главного входа в кафедральный собор Хельсинки, на улице Unioninkatu. Таким образом, здание библиотеки стало неотъемлемой частью общего ансамбля Сенатской площади с ее четкой политической идеей: архитектурными средствами подчеркивать политическую связь с Россией (Санкт-Петербургом).

Первоначально в библиотечных залах не было мебели: только книжные полки вдоль стен. В XIX веке залы украшали различные произведения искусства и гипсовые слепки с древнегреческих и древнеримских статуй.

Классические росписи в одной из люнетт Северного зала в 1904 году заменило большое полотно «Золотой век» кисти финского художника-символиста Магнуса Энкеля (Magnus Enckell), известного своими фресками в кафедральном соборе Тампере.

Ротонда (пристройка к главному зданию)

В 1902 году начались работы по расширению комплекса библиотеки, и в 1906-1907 гг. дополнительное здание уже было введено в эксплуатацию.

Эта полукруглая 6-этажная «книжная башня», получившая название Ротонда, была построена по проекту финского архитектора Карла Густава Нюстрёма (Gustaf Nyström) (1856-1917) — автора таких построек в Хельсинки, как Старый рынок, Музей дизайна, Институт физиологии, бывшая таможня в районе Катаянокка, а также зданий Городского рынка Турку и Художественного музея в Турку.

При строительстве особое внимание, разумеется, уделялось противопожарным аспектам. В связи с этим каркас здания выполнен из стали и железобетона.

По тем временам это было очень современное здание, первая постройка такого рода в Финляндии. Лестницы были сделаны из железобетона, оконные рамы и несущая конструкция эффектной стеклянной крыши — из железа, а окна — из армированного стекла.

Внутри Ротонды устроены радиально расположенные книжные полки, вмещающие около 200 тыс. томов.

Архитектор Густав Нюстрём очень удачно расположил Ротонду за старым корпусом Энгеля. Она гармонично вписалась в ансамбль, хотя все детали декора выполнены в характерном стиле начала XX века — ар-нуво (модерн) (источник фото: [6]).

Снаружи пилястры Ротонды украшены рельефами работы знаменитого финского скульптора Вальтера Рунеберга (Walter Magnus Runeberg) (1838-1920) — аллегориями различных наук (Истории, Философии, Юриспруденции, Изящных искусств, Физики, Медицины, Теологии, Астрономии и др.).

Здание Fabiania и новые книгохранилища. Сквер библиотеки

Еще одной частью библиотечного комплекса является здание «Фабианиа» (Fabiania), получившее название из-за своего расположения на улице Fabianinkatu. Строилось оно в три этапа. Центральная часть была построена в 1844-46 гг. для университетских факультетов химии и анатомии по проекту архитектора Яна Виика (Jean Wiik), преемника Энгеля. Архитектор создал здание в строгих симметричных классических формах. Более интересны с архитектурной точки зрения боковые части, возведенные несколько позже по проекту Густава Нюстрёма. Они имеют более нарядные и детализированные фасады. Первое крыло, со стороны улицы Kirkkokatu, было построено в 1888-90 гг. и предназначалось для анатомического факультета, а второе, выходящее на Yliopistonkatu, — в 1895-97 гг. для фармацевтического факультета.

Библиотека заняла корпус Fabiania лишь в 1998 году, когда его освободили университетские факультеты.

В 1995-2001 гг. Фабианиа и Ротонда были отреставрированы. Кроме того, по проекту архитектурного бюро Laiho-Pulkkinen-Raunio был сооружен подземный переход, соединивший оба здания (см. план библиотеки). В 2001 году также было завершено строительство нового крупного книгохранилища, получившего название «Книжная пещера» (Kirjaluola). Оно представляет собой подземный бункер, вырубленный в скалистом грунте под библиотекой на глубине 18 метров. Именно там теперь хранится основная масса библиотечной коллекции.

В 2001 году был обновлен библиотечный сквер. Со стороны улицы Unionionkatu по-прежнему находится оригинальная металлическая ограда и старые деревья. У южной стены библиотечного здания в сквере установлен бронзовый бюст Александра Iс лавровым венком на голове, выполненный в 1814 году выдающимся русским скульптором Иваном Мартосом (1754-1835). Изначально бюст предназначался для университета Турку, позднее находился в актовом зале Хельсинкского университета, а в 1950-х годах перекочевал в этот библиотечный садик.

Рядом находится привезенный в 1988 году из Выборга мемориальный камень, посвященный коллекционеру книг Матти Похто (источник фото: [7]).

Практическая информация о Национальной библиотеке Финляндии: часы работы, адрес, порядок посещения

Главный вход в Национальную библиотеку Финляндии расположен напротив кафедрального собора Хельсинки, по адресу Unioninkatu, 36. До недавнего времени именно через эту дверь попадали внутрь все посетители. Однако в июне 2013 года началась реставрация старейшей части здания. Работы предполагают завершить к осени 2015 года.

В связи с реставрацией вход в библиотеку теперь находится по адресу Fabianinkatu, 35. Посмотреть местоположение библиотеки на карте Хельсинки и сориентироваться с расположением входов можно тут или на сайте библиотеки.

На следующем плане четко указано расположение основных помещений библиотеки:

Часы работы Национальной библиотеки Финляндии: библиотека открыта с понедельника по четверг с 9:00 до 18:00, в пятницу и субботу с 9:00 до 16:00 (в июле по субботам библиотека не работает); воскресенье выходной. Данные часы работы действительны на лето 2013 года. Следите за изменением графика работы библиотеки на ее официальном сайте.

Вход в библиотеку — бесплатный. Даже не являясь ее читателем, любой желающий может зайти в библиотеку в часы ее работы: самостоятельно осмотреть исторические интерьеры, подняться по скрипучим деревянным галереям и полюбоваться на росписи потолков и корешки старых книг. Единственное, что требуется от посетителей — соблюдать правила поведения. Рюкзаки и верхнюю одежду следует оставить в камере хранения в вестибюле (взамен выдается стильный деревянный брелок с ключом); также необходимо соблюдать тишину и не трогать книги мокрыми или грязными руками.

Фотографировать в залах библиотеки можно, но только без вспышки. Во время посещения библиотеки можно увидеть три классических зала Энгеля, а также более современную часть в стиле модерн — шестиэтажную Ротонду под стеклянным овальным куполом.

В здании библиотеки есть несколько туалетов. Кроме того, на первом этаже находится кафе с доступными ценами (кофе по 1,20 евро, булочки по 1,30).

Перемещаться между этажами можно на лифте или по лестнице (см. план библиотеки).

В библиотеке часто проводятся разнообразные выставки, концерты и семинары. С программой культурных мероприятий можно ознакомиться тут.

♦♦♦♦♦♦

Вас также может заинтересовать:

- Виртуальная экскурсия по интерьерам Национальной библиотеки Финляндии в Хельсинки

♦♦♦♦♦♦

Куда сходить и что посмотреть в Хельсинки

Музеи Хельсинки

- Музей Атенеум

- Городской музей Хельсинки

- Художественный музей Амоса Андерсена

- Художественный музей Дидрихсена

- Художественный музей Синебрюхова

- Национальный музей Финляндии

Церкви и соборы Хельсинки

- Кафедральный собор Святого Николая (Helsingin tuomiokirkko)

- Православный Успенский собор

- Церковь в скале (Темппелиаукио)

- Часовня тишины Камппи

- Старая церковь Хельсинки (Vanhakirkko)

- Церковь Св. Иоханнеса (Иоанна) (Johanneksenkirkko)

- Церковь Каллио

Интересная архитектура и интерьеры в Хельсинки

- Здания в стиле финского модерна (национального романтизма) в Хельсинки

- Здание Национальной библиотеки

Бассейны и аквапарки Хельсинки

- Бассейн в скале Itäkeskus

- Исторический бассейн Yrjönkatu

Другое: концертные и оперные театры

- Опера Хельсинки

- Концерты органной музыки в церквях Хельсинки (например, в Старой церкви и кафедральном соборе)

♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Национальная библиотека Финляндии, статья в Википедии

2. Сто замечательных финнов. Коллекция биографий. Карл Людвиг Энгель.

3. История и архитектура комплекса Национальной библиотеки Финляндии, Хельсинки

4. Экскурсия по центру Хельсинки: Национальная библиотека

5. Самые интересные университетские библиотеки мира

6. Фото Ротонды (полукруглой пристройки к основному зданию Национальной библиотеки Финляндии)

7. Фото мемориального камня в сквере Национальной библиотеки Финляндии