Время: с 5 июня 2009 года до конца 2017 года (часы работы Антверпенского собора и выставки: с понедельника по пятницу собор Антверпена открыт для посетителей с 10:00 до 17:00; по субботам с 10:00 до 15:00; по воскресеньям с 13:00 до 16:00)

Место: Антверпен, Бельгия; кафедральный собор Антверпенской Богоматери (Onze-Lieve-Vrouwekathedraal); адрес собора: Groenplaats 21, вход через главный фасад с площади Handschoenmarkt

Событие: Выставка «Воссоединение. От Квентина Массейса до Питера Пауля Рубенса. Шедевры из собрания Королевского музея временно возвращаются в кафедральный собор»

В период реконструкции Королевского музея изящных искусств в Антверпене (KMSKA) различные фрагменты его коллекции демонстрируются в других бельгийских музеях. В частности, шедевры религиозной живописи можно до конца 2017 года увидеть в Антверпенском кафедральном соборе — в обстановке, для которой эти произведения изначально и создавались. На выставке представлены главным образом алтари и молельные образы антверпенских гильдий из коллекции Королевского музея изящных искусств. Первоначально планировалось, что выставка в соборе Антверпенской Богоматери завершится в конце ноября 2009 года, но затем было решено продлить ее вплоть до открытия музея после реконструкции — то есть до конца 2017 года. После окончания работ алтари вернутся из собора в выставочные залы.

Стоимость входного билета в Антверпенский собор: стандартный взрослый билет стоит € 5, для посетителей старше 60 лет — € 3, для детей младше 12 лет — бесплатно. Бронировать билет заранее индивидуальным туристам не требуется: билет можно купить непосредственно у входа в собор в кассе. За 2 евро можно взять аудиогид на нидерландском, английском, французском, немецком, испанском. Также выдаются бесплатные брошюры (гиды по выставке) с подробным описанием картин. Фотографировать в Антверпенском соборе разрешается, но строго без вспышки! Предупреждение об этом содержится на входном билете и на стендах около каждой картины.

Обратите внимание, что картины Рубенса, хотя и не являются частью выставки (за исключением «Снятия с креста»), находятся на своих обычных местах, так что посетители могут увидеть все знаменитейшие полотна, написанные великим фламандцем специально для Антверпенского собора: «Воздвижение Креста Господня» (1610), «Снятие с креста» (1612-1614) «Воскресение Христа» (1612) и «Успение Богоматери» (1626).

На выходе из собора в сувенирном магазине можно приобрести открытки, книги и другие сувениры. Будьте готовы к тому, что в соборе может одновременно присутствовать несколько туристических групп, что создает известную суету и несколько мешает получению удовольствия от всей этой красоты. Особенное столпотворение может наблюдаться у картин Рубенса и других популярных произведений искусства.

Произведения искусства в Антверпенском соборе

На протяжении 450 лет своего существования в качестве кафедральной церкви Антверпенской епархии собор Антверпенской Богоматери всегда являлся настоящей сокровищницей. Здесь хранились многочисленные шедевры религиозной живописи и скульптуры, созданные самыми прославленными мастерами эпохи, среди которых Квентин Массейс, Бернарт ван Орлей, Франс Флорис, Мартин де Вос, Франс Франкен, Питер Пауль Рубенс, Артус Квеллинус и другие.

Вплоть до Французской революции колонны, капеллы и стены собора Антверпенской Богоматери украшали картины, статуи и другие художественные произведения. Во время революции храм был разграблен и лишился многих алтарных картин и скульптур. Часть шедевров была вывезена в Париж, часть оказалась в музеях, немалое количество произведений было попросту распродано. После 1815 года некоторые похищенные революционерами художественные ценности, в том числе полотна Рубенса, были в собор возвращены. Другие нашли свое место в городских музеях, в том числе в Королевском музее изящных искусств Антверпена.

Восемь наиболее выдающихся алтарных образов из собрания Королевского музея изящных искусств Антверпена теперь временно вновь вернулись в кафедральный собор, где они демонстрируются вместе с произведениями, присутствующими в интерьере храма постоянно. Таким образом, шедевры, которые на протяжении более двух веков были разобщены, снова «встретились» в соборе, для которого когда-то создавались. Это уникальное воссоединение позволит посетителям собора получить представление о золотом веке антверпенской школы живописи, о ее главных представителях. Кроме того, экспонаты знакомят нас с меценатами и цеховыми организациями той эпохи. Они рассказывают о взаимодействии между обществом, религией и искусством в XVI-XVII вв.

Всего в рамках выставки зрителям представлено шестнадцать картин: восемь из собрания Королевского музея изящных искусств и восемь из постоянной коллекции кафедрального собора Антверпена. Речь идет главным образом о крупных алтарных образах, в основном триптихах, имеющих довольно внушительные размеры. Одно такое алтарное полотно может иметь около 5 метров в ширину и 3 в высоту.

К сожалению, первоначальную схему расположения алтарных картин в интерьере храма воссоздать не удалось. Обрамления и ограды алтарей почти полностью утрачены. Тем не менее, размещение произведений на колоннах собора, лицом к зрителю (идущему по нефу в направлении алтарной части) является исторически достоверным.

Выставка алтарных картин в Антверпенском соборе: избранные шедевры

Гуляя по центру Антверпена, вы непременно окажетесь на центральной площади Grote Markt и соседней площади Groenplaats с памятником Рубенсу, за которым возвышается Антверпенский кафедральный собор.

На ближайшие несколько лет интерьер собора заметно преобразился за счет выставки алтарных картин, расставленных по пространству собора вдоль главного нефа на фоне ярко-красных полотнищ. Ниже приводится отзыв о посещении выставки алтарей в Антверпенском соборе, с фотографиями и описаниями избранных картин, которые особенно привлекли наше внимание.

Данный фотоотчет не претендует на полноту и основан исключительно на наших субъективных предпочтениях. Заметьте, что достопримечательности внутреннего убранства собора, не относящиеся к выставке, в этой заметке не описываются. Об архитектуре собора, а также украшающих его интерьер скульптурах, витражах и картинах, о кафедре проповедника и органе мы поговорим отдельно.

Начнем осмотр собора от входа и будем двигаться вдоль нефа в сторону алтарной части, как это и задумано организаторами выставки. Слева, на одной из ближайших ко входу колонн находится фантастическая картина «Падение восставших ангелов» (1554) размером 303 x 220 см из собрания Королевского музея изящных искусств в Антверпене. Это полотно стало одним из самых ярких впечатлений, полученных на выставке. Автор картины — фламандский художник Франс Флорис (Frans Floris de Vriendt) (1519/1520-1570), происходивший из художественной антверпенской семьи. Вернувшись из Рима под большим впечатлением от творчества Микеланджело и других итальянских живописцев, Франс Флорис открыл мастерскую в Антверпене, и его картины быстро завоевали популярность. Успех вскружил ему голову, и он начал пить. Семья и друзья беспокоились за него, и брат даже выстроил для него целый роскошный дворец в Антверпене, рассчитывая, что теперь Флорис остепенится и станет более рачительным хозяином. Надежды эти не оправдались: если поначалу годовой доход Флориса достигал баснословной по тем временам суммы в 1000 гульденов, то к старости у него остались одни долги. Однако ученики его любили, и в мастерской было весело. Работы было почти всегда невпроворот, так что художнику приходилось работать допоздна, и ученики, которые оставались дольше других, любовно разували учителя и укладывали его спать, прежде чем уйти домой.

Современники утверждали, что ученики так сильно любят Флориса, поскольку он оставляет им больше свободы, чем другие антверпенские мастера. Всего у живописца было свыше сотни учеников. Самостоятельно и с их помощью Франс Флорис создавал алтарные образы для главных церквей Антверпена, а также картины для испанских дворян и антверпенских патрициев. Однако до нас дошло не так много произведений этого художника: многие были уничтожены во время иконоборчества во второй половине XVI века, многие утрачены в связи с изменением художественных вкусов. Смелая, мощная манера живописи Франса Флориса отражает монументальный стиль его итальянских кумиров (Флориса даже называли «фламандским Рафаэлем»). По характеру это был дерзкий, решительный человек. Его картины обнаруживают стремительную работу кисти, яркость красок и хорошее знание анатомии, что далеко не всегда присутствовало в нидерландском искусстве того времени.

Картина «Падение восставших ангелов» была заказана Франсу Флорису антверпенской гильдией фехтовальщиков (алебардщиков, отвечавших за поддержание порядка и оборону города). Центральное место в композиции занимает архангел Михаил — покровитель гильдии.

Это полотно, как и другие, созданные художником после поездки в Рим, отражает влияние искусства итальянского Ренессанса и является одной из самых известных работ Флориса. В середине XVI века Флорис был главным представителем этого направления в Антверпене. Необузданный динамизм этой картины напоминает «Страшный суд» Микеланджело. Также здесь усматривают влияние творчества Альбрехта Дюрера. В XVI веке данное полотно было самым крупным алтарным образом в соборе Антверпена.

Флорис изобразил хаотичное переплетение рук, ног, крыльев и хвостов сатанинских чудовищ, с которыми сражается небесное воинство под предводительством архангела Михаила. Небесные ангелы изгоняют из Рая и низвергают на землю многоголового дракона (дьявола) и его приспешников. Этот сюжет, изображавшийся также другими художниками того времени, основан на апокалиптическом видении святого Иоанна Богослова и символизирует борьбу Добра со Злом. Одновременно картина имеет более конкретную символику: так же как Михаил и его воинство защищают небеса, так и члены гильдии должны заботиться о безопасности Антверпена. Боковые створки триптиха погибли во время иконоборческого восстания 1566 года. Уцелело лишь центральное полотно.

С этой же левой стороны нефа можно увидеть алтарную картину «Святой Лука, рисующий Мадонну» («Образ Богоматери Св. Луки»), написанную в 1602 году для гильдии Св. Луки фламандским художником Мартином де Восом (Maerten de Vos) (1532-1603), который был учеником Франса Флориса. Данная картина также из собрания Королевского музея изящных искусств в Антверпене. Центральная композиция имеет размеры 270 x 217 см, а боковые створки — 253 x 101 см.

Когда в 1602 году антверпенской гильдии Св. Луки понадобился новый алтарь, они решили заказать его Мартину де Восу, которому на тот момент было уже 70 лет. Это был плодовитый художник, пик карьеры которого пришелся на 1580-е годы (он участвовал в восстановлении убранства церквей Антверпена после иконоборческих погромов). Мартин де Вос был представителем обширного семейства художников, но среди всех родственников его дарование проявилось ярче всего. Первое время он учился у своего отца Петера де Воса, затем в мастерской Франса Флориса, а после отправился в Рим и Венецию для постижения секретов живописи Ренессанса и маньеризма. Во время пребывания в Венеции Мартин де Вос стал другом и помощником Тинторетто. В Антверпен он вернулся в 1558 году и тогда же был принят в гильдию художников.

Коллеги по гильдии признавали де Воса одним из самых выдающихся живописцев эпохи, наследником великих мастеров, Квентина Массейса и Франса Флориса. Антверпенская гильдия Св. Луки являлась цеховым объединением художников и скульпторов. Гильдия получила название в честь евангелиста Луки, считающегося святым покровителем художников (поскольку существует легенда о Луке как христианском художнике, написавшем первый портрет Богоматери с натуры). Гильдия Св. Луки существовала во многих городах. По традиции того времени члены гильдии финансировала создание капеллы в кафедральном соборе, которую украшали алтарной картиной с изображением их святого покровителя. Композиция полотна «Святой Лука, рисующий Мадонну» может показаться необычной, если не знать, что подобный тип цеховых алтарей с образом св. Луки был весьма распространен в то время. Одним из наиболее ранних примеров такого рода может служить знаменитая картина «Евангелист Лука, рисующий Мадонну» Рогира ван дер Вейдена. Эта работа заложила основы традиции, которой следовали многие художники (например, тот же Франс Флорис написал картину на этот популярный сюжет для антверпенской гильдии Св. Луки).

Мартин де Вос, таким образом, использовал весьма известный сюжет, но интерпретировал его в соответствии со вкусами своего времени и своим индивидуальным видением. На картине представлен евангелист Лука, сидящий перед мольбертом в парадно оформленном зале, а позируют ему Мадонна с младенцем Иисусом. Рядом с живописцем лежит бык, символ евангелиста Луки. В левой руке у святого несколько видов кистей, а правой он опирается на специальную палочку, чтобы не задеть еще влажное полотно. Слева изображен помощник, растирающий краски. Мартин де Вос придал ему черты Абрахама Графеуса (1550-1624), который был служителем в антверпенской гильдии Св. Луки и выполнял множество полезных обязанностей, связанных с учетом доходов и расходов, организацией праздников и т.д. (известен портрет этого человека, написанный Корнелисом де Восом (1620); обладавший выразительной внешностью Абрахам Графеус часто служил моделью и для других крупных фламандских художников, тем более что они часто общались с ним по делам гильдии).

Аналогичный триптих Мартина де Воса был создан в более ранний период и также находился в соборе Антверпенской Богоматери, однако во время иконоборческих погромов 1566 года был сильно поврежден. После этого гильдия решила заказать художнику новый экземпляр алтаря. Интересно, что до тех пока де Вос не приступил к работе, в цеховой капелле гильдии Св. Луки в Антверпенском соборе несколько лет провисела пустая доска (картины тогда писались именно на досках).

Пожилой Мартин де Вос скончался, не успев завершить работу. Он выполнил лишь центральную композицию; боковые створки алтаря заканчивали Отто Ван Вен и Амброзиус Франкен I.

Пройдем немного вперед и окажемся в трансепте. По пути можно полюбоваться высоким ажурным куполом, который возвышается над средокрестием. Рядом, на своем обычном месте в правом рукаве трансепта, размещается одна из лучших картин Питера Пауля Рубенса — «Снятие с креста» (1612). В отличие от других полотен Рубенса, которые находятся в Антверпенском соборе, это произведение включено в число экспонатов выставки. Объясняется это тем, что данная картина признана наиболее значительным шедевром фламандской живописи XVII века. (С формальной точки зрения единственное ее отличие от прочих картин собора в том, что на время выставки триптих помещен на ярком красном фоне; остальные картины Рубенса, разумеется, никуда не делись и остаются на своих местах — посмотреть их может любой желающий, просто «Снятие с креста» выделено особо).

Монументальное полотно «Снятие с креста» составляет основу одноименного триптиха, создававшегося Рубенсом в 1611-1614 гг. Размеры центральной композиции: 421 х 311 см, боковых створок — 421 х 153 см. Именно эта картина сделала Рубенса первым религиозным художником своей эпохи. Недаром данный триптих является одним из семи чудес Бельгии. Этот алтарный образ, написанный вскоре после возвращения Рубенса из Италии, по праву считается одной из самых мощных и величественных картин Рубенса. Формы, линии, пропорции, цвет достигли здесь безукоризненной гармонии. Вместе с техническим совершенством исполнения полотно отличается потрясающим драматизмом и динамикой, вызывает сострадание зрителя. В «Снятии с креста» нашел отражение эмоциональный накал, свойственный стилю барокко, основателем которого является Рубенс.

«Снятие с креста» было заказано Рубенсу гильдией аркебузиров (мушкетеров), желавшей получить триптих, посвященный покровителю данного братства — святому Христофору. Однако иконографические правила периода контрреформации запрещали изображать жития святых в качестве главной темы алтарных образов. Рубенсу пришло в голову оригинальное решение. Известно, что имя Христофор означает «несущий Христа» (согласно легенде, он перенес Христа через реку), и художник изобразил сразу несколько персонажей, в том или ином смысле несущих Христа.

На центральной панели триптиха мы видим, как снятое с креста тело Иисуса под тяжестью своего веса спадает на руки могучего апостола Иоанна, стоящего, раскрыв объятия, чтобы его принять. На левой панели, «Встреча Марии и Елизаветы», изображена беременная Дева Мария, которая носит Христа в своем чреве (возможно это портрет жены художника Изабеллы Брандт), а на правой створке, «Сретение Господне» («Представление Иисуса в Иерусалимском храме»), младенца Христа берет на руки старец Симеон.

Фигура самого святого Христофора — великана, переходящего реку с младенцем Христом на плечах, — помещена на левой внешней створке триптиха «Снятие с креста» (на правой створке изображен отшельник, освещающий ему путь фонарем).

Композиция с самого начала предназначалась для Антверпенского собора и находилась там, на престижном месте возле главного алтаря, с самого момента написания (во время французского режима она ненадолго покинула Антверпен и была перевезена в Париж, но затем была возвращена).

Напротив рубенсовского «Снятия с креста» представлена картина Мартина де Воса «Кана» («Брак в Кане Галилейской») (1597). Она тоже постоянно находится в соборе Антверпенской Богоматери, хотя и является частью нынешней выставки. Картина 268 x 235 см первоначально была частью триптиха, созданного для гильдии виноторговцев и содержателей таверн (гильдии принадлежал алтарь в деамбулатории Антверпенского собора). Отсюда и сюжет — чудо превращения воды в вино, сотворенное Христом на свадьбе. Композиция картины несколько перегружена. Художник запечатлел среди присутствующих на брачном пиру гостей в том числе и самих заказчиков — членов цехового братства в роскошных одеждах. Действие происходит в ренессансном интерьере, вокруг обильно накрытого праздничного стола. Картина создает впечатление пышности и роскоши, из-за чего на первый взгляд даже может показаться, что она выполнена на светский, а не религиозный сюжет. Мартин де Вос, длительное время живший в Италии, был одним из самых известных художников своего времени. В произведении «Брак в Кане Галилейской» он достиг гармоничного синтеза фламандских и венецианских влияний.

Пойдем теперь вдоль нефа обратно в сторону входа и посмотрим картины, которые вывешены на колоннах с южной (правой, если смотреть от входа) стороны. Здесь привлекает особое внимание болезненно-трогательный триптих «Оплакивание Христа» — алтарь гильдии краснодеревщиков (столяров) работы выдающегося фламандского художника Квентина Массейса (Метсейса) (Quinten Massijs/Metsijs/Matsys) (1466-1530). Этот шедевр из собрания Королевского музея изящных искусств в Антверпене был выполнен в 1509-1511 гг. Центральное панно имеет размеры 260 x 263 см, боковые створки — 260 x 120 см.

В начале XVI века Квентин Массейс был одним из самых крупных антверпенских художников. Неудивительно, что в 1503 году престижная гильдия краснодеревщиков обратилась именно к нему с заказом на создание новой алтарной картины для их цеховой капеллы в Антверпенском соборе. Помимо сцены оплакивания Христа, живописец должен был изобразить мученичество святого Иоанна Богослова и святого Иоанна Крестителя — покровителей цеховой организации. Эти двум святым посвящены боковые створки триптиха. На левой панели мы видим Саломею, которая в танце преподносит голову Иоанна Крестителя на блюде своей матери Иродиаде и отчиму Ироду. Фигура виночерпия создана под влиянием картин Альбрехта Дюрера. На заднем плане Массейс изобразил собственно отсечение головы Иоанна Крестителя. На правой створке представлен Иоанн Богослов в котле кипящем масле, переносящий мучения под взглядами жестокого императора Домициана и его придворных. По преданию, апостол вышел из котла невредимым, как ни старались его палачи разжечь костер посильнее. Физиономии этих палачей, равно как и членов императорской свиты — исключительно уродливые, мерзкие, гротескные. Образы палачей позаимствованы Массейсом у Леонардо да Винчи. На заднем плане возвышаются городские ворота, которые в данном случае отчасти напоминают замок Стен в Антверпене.

Центральная композициятриптиха Квентина Массейса «Оплакивание» отличается особой глубиной и трагизмом, созерцательно-молитвенным настроением. На переднем плане, совсем близко к зрителю находится безжизненное тело Христа. Фигура является связующим звеном между всеми окружающими ее персонажами, которые с разных сторон держат тело, касаются его рук или ступней. Тело Иисуса лежит на плащанице, которую принес Иосиф Аримафейский (именно он попросил у Пилата тело казненного Иисуса и, сняв с креста, похоронил). Художник показывает горе каждого персонажа: все присутствующие при оплакивании по-разному выражают свои эмоции, но выразительнее всех скорбящая Богоматерь, которую мягко поддерживает апостол Иоанн. Богоматерь, Иоанн и Христос образуют центр композиции, три ее главных цвета: синий, красный и белый. Позади основной группы Массейс изобразил величественный пейзаж с вырубленной в скале гробницей Христа, Голгофой, тремя крестами и Иерусалимом.

В соответствии с законами итальянской перспективы, окаймляющие пейзаж горы теряют четкость очертаний и заволакиваются дымкой по мере удаления. Композиция отчасти напоминает «Снятие с креста» Рогира ван дер Вейдена (ок. 1435): исследователи предполагают, что она послужила для Массейса источником вдохновения.

Работа Массейса впечатлила не только его заказчиков. В 1577 году испанский король Филипп II и английская королева Елизавета I пожелали приобрести этот триптих. Гильдия была не против продать алтарь, однако Мартину де Восу удалось убедить городскую администрацию приобрести произведение Массейса, чтобы оно осталось в Антверпене.

Квентин Массейс (Метсейс) (1466-1530) был ведущим фламандским живописцем первых десятилетий XVI века, автором таких известных сатирических картин, как «Меняла с женой» (1514) и «Уродливая герцогиня» (1515). Уроженец Лёвена, Массейс работал преимущественно в Антверпене, где вращался в кругах ренессансных гуманистов. Первоначально он при помощи учеников создавал масштабные алтарные картины, но позднее обратился к небольшим, более камерным композициям, предназначенным для друзей и единомышленников. Приверженность Массейса идеалам гуманизма отразилась в портретах Эразма Роттердамского и его друга Петера Гиллиса, которые были заказаны в качестве подарка для Томаса Мора. Кроме того, Массейс создавал популярные жанровые сцены морализирующего содержания («Меняла с женой»), показывающие алчность и другие пороки людей.

Из религиозных картин Квентина Массейса, помимо вышеописанного алтаря гильдии краснодеревщиков, особенно известен триптих Св. Анны, созданный для капеллы одноименного братства в церкви Св. Петра в Лёвене (ныне в Музее старых мастеров в Брюсселе). Учеником Массейса был Иоахим Патинир, который, как считается, работал над пейзажными фрагментами его картин. После смерти Патинира Массейс стал опекуном его детей.

На творчество Массейса оказали влияние Ян ван Эйк, Рогир ван дер Вейден, Ганс Мемлинг, Дирк Баутс, а также итальянские художники (особенно Рафаэль, по чьим картонам ткались шпалеры в Брюсселе) и Альбрехт Дюрер (последний побывал в доме Массейса в 1520 году). Для картин Массейса в целом характерны четкость рисунка, приглушенные эффекты светотени, тщательная проработка деталей (как и большинство других фламандских художников того времени, он уделял внимание изображению драгоценностей, обшивки одежды и т.п.). Но главным для Массейса была точная передача индивидуального характера персонажей: меланхолической утонченности святых, ожесточенных жестов и гримас палачей.

Квентин Массейс скончался во время эпидемии английской потливой горячки в картезианском монастыре в Антверпене. Рядом с Антверпенским собором стоит кованый колодец, получивший название «колодец Массейса», поскольку, согласно легенде, он был выполнен будущим художником (предполагают, что в юности, до занятий живописью Квентин Массейс работал кузнецом).

Но продолжим осмотр алтарных картин Антверпенского собора. Чуть дальше вдоль южного прохода находится яркая светоносная картина Амброзиуса Франкена (1544-1618) «Умножение хлебов и рыб» («Насыщение народа пятью хлебами») (1598). Композиция посвящена одному из самых известных чудес Иисуса Христа, описанному во всех евангелиях: насыщению пяти тысяч человек пятью хлебами и двумя рыбами. На переднем плане изображен Христос в окружении апостолов, благословляющий хлеба и рыбу. Слева показано, как ученики раздают пищу народу. На заднем плане видно, как люди возносят благодарность за чудо и собирают оставшуюся пищу в двенадцать коробов. Как несложно догадаться, алтарь был создан по заказу гильдии пекарей. Картина размером 212 x 280 см относится к коллекции Королевского музея изящных искусств в Антверпене. Когда-то это была центральная часть триптиха, но его боковые створки утрачены. До начала XIX века картину приписывали Мартину де Восу.

Ближе к выходу взглянем на картину того же Амброзиуса Франкена «Проповедь святого Элигия, епископа Нуайона» (1588). Это алтарное полотно, созданное по заказу гильдии кузнецов, покровителем которой являлся данный святой. Центральная композиция этого триптиха из собрания Королевского музея изящных искусств в Антверпене имеет размеры 250 x 180 см, а боковые —260 x 89 см. На картине изображен святой Элигий в епископском облачении, проповедующий в переполненной народом церкви. Среди слушающих проповедь — в том числе и члены гильдии кузнецов. Интерьер храма на картине соответствует ныне разрушенной церкви Св. Вальбурги в Антверпене, где у гильдии кузнецов имелась своя капелла.

На боковых створках представлены добрые деяния, которыми прославился святой Элигий: слева показано, как он посещает заключенных, а справа — помогает калеке и хоронит мертвых. Этот триптих, полностью посвященный одному святому, покровителю кузнецов, стал первой алтарной картиной, созданной для Антверпенского собора Амброзиусом Франкеном, известным фламандским автором картин на религиозную тематику.

На соседней колонне вывешена алтарная картина Бернарда (Барента) ван Орлея (Bernard/Barend van Orley) (1488/1492-1542) «Страшный суд и семь деяний милосердия» (ок. 1518-1524/25) из собрания Королевского музея изящных искусств в Антверпене.

Центральная панель триптиха имеет размеры 248 x 406 см, а боковые —248 x 94 см. Картина была заказана художнику религиозным братством помощи бедным (Armenkamer) примерно в 1518 году и предназначалась для капеллы Антверпенского кафедрального собора. Ван Орлей завершил работу через шесть лет.

В центре композиции изображен Христос, возвещающий Страшный суд вместе с трубящими ангелами. Христос восседает на радуге, являющейся символом союза между Богом и людьми. Мертвые выходят из своих гробов, и архангел Михаил на весах правосудия взвешивает души, оценивая грешные и праведные дела людей.

Праведникам даруется Рай, грешникам же суждены страшные муки Ада. В верхней части боковых створок изображены апостолы в сопровождении Богоматери и Иоанна Крестителя. Они выполняют роль посредников, заступников за людей перед Судией.

В соответствии со спецификой заказа важное место в композиции занимает изображение семи деяний милосердия (человеколюбия) — благих дел, направленных на помощь нуждающимся. Эти добрые дела изображены в основном на боковых створках триптиха. На левой панели духовники братства дают пить жаждущим, кормят алчущих и принимают странника в свой дом. На правой панели мы видим, как они, согласно завету «одеть нагого», раздают одежду нищим, а также дарят утешение больному. На заднем плане этой же створки показано, как эти подвижники благотворительности освобождают заключенных, пострадавших за свои религиозные убеждения. Седьмое, и последнее, деяние милосердия представлено на центральной панели, где ван Орлей изобразил погребение умерших.

Благодаря своим многочисленным благим деяниям, члены братства, заказавшего ван Орлею этот триптих, могли быть уверены, что предстанут перед Страшным судом с чистой совестью. Но ужасающая картина с изображением инвалида с искалеченными конечностями вызывает тревогу и служит предостережением: никто не застрахован от ударов судьбы, в том числе и богачи, из которых обычно происходили члены этого братства. Алтарь не только изображает повседневную деятельность членов братства, но и напоминает, что они не должны отступать от благочестивой и милосердной жизни.

Напоследок пара слов об авторе этого триптиха. Бернард ван Орлей (Барент Орлей) (1488/1492-1542), фламандский художник эпохи Ренессанса и ведущий дизайнер шпалер и витражей, в основном жил и работал в своем родном городе Брюсселе. Если в своем раннем творчестве ван Орлей продолжал традиции Яна ван Эйка и Рогира ван дер Вейдена, то затем постепенно начал перенимать мотивы итальянского Ренессанса. Не исключено, что он, как и многие другие фламандские живописцы, ездил учиться в Рим, возможно, даже у Рафаэля, но это не доказано наверняка. Так или иначе, он осваивал ренессансный стиль по картонам Рафаэля, которые в 1516-1520 гг.  находились в Брюсселе, где по ним в мастерской Питера ван Альста изготавливался цикл шпалер «Деяния апостолов». Когда в августе-сентябре 1520 года в Нидерланды на коронацию Карла V приехал Альбрехт Дюрер, он гостил в доме Орлея и лестно называл его «нидерландским Рафаэлем». Тогда же он написал известный портрет, которые некоторые исследователи считают портретом ван Орлея. Дюрер наряду с Рафаэлем оказал глубокое влияние на творчество фламандца.

Одним из первых важных заказов ван Орлея был триптих для капеллы братства Святого Креста в церкви Св. Вальбурги в Верне (Veurne) (1522). Эта работа привлекла внимание Маргариты Австрийской, правительницы Испанских Нидерландов, которая после этого часто поручала ван Орлею портреты членов королевской семьи. В 1518 году он стал придворным художником и возглавил крупную мастерскую. Он занимал должность придворного художника до 1527 года, когда впал в немилость из-за своих симпатий к протестантизму. После этого семья ван Орлея на время осела в Антверпене и вернулась в Брюссель только после того, как его восстановила в должности новая наместница Нидерландов Мария Австрийская. На зрелом этапе творчества ван Орлей стал одним из ведущих мастеров по созданию картонов для шпалер и витражей.

Наиболее известные произведения ван Орлея, «Триптих добродетели терпения» и «Триптих Филиппа де Ханетона», можно увидеть в Музее старых мастеров в Брюсселе; алтарь Распятия его работы находится в церкви Богоматери в Брюгге. Из светских произведений художника наиболее известны портреты Карла V и Маргариты Австрийской. Витражи по эскизам ван Орлея украшают Собор Святых Михаила и Гудулы в Брюсселе и собор Святого Румольда в Мехелене. Памятник Бернарду ван Орлею можно увидеть рядом со статуями других выдающихся фламандских деятелей культуры на площади Малый Саблон в Брюсселе.

 ♦♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Сайт Музея изящных искусств в Антверпене

2. Сайт собора Антверпенской Богоматери

3. Брошюра-путеводитель по выставке алтарных картин в соборе Антверпенской Богоматери

Время: с 28 января по 19 августа 2012 года (часы работы: со вторника по пятницу и по воскресеньям с 10:00 до 17:00; по субботам с 10:00 до 18:00; понедельник выходной; выставка закрыта 17 мая)

Место: Антверпен, Бельгия; Выставочный центр королевы Фабиолы (Koningin Fabiolazaal); адрес: Jezusstraat, 28

Событие: Выставка «Модернисты. Искусство Нидерландов XIX-XX веков» (The MODERNS. Art from the Netherlands)

Стоимость входного билета: 4 евро; для посетителей младше 19 лет бесплатно; для молодежи в возрасте от 19 до 25 лет билеты стоят 1 евро.

В период реконструкции Королевского музея изящных искусств в Антверпене (KMSKA) различные фрагменты его коллекции можно увидеть в других бельгийских музеях. В частности, обширное собрание искусства XIX-XX вв. будет с 28 января по 19 августа 2012 года демонстрироваться в выставочном центре Koningin Fabiolazaal (KFZ).

Хотя основная коллекция антверпенского Музея изящных искусств состоит главным образом из произведений южноголландского и бельгийского искусства, музей владеет и рядом значимых работ зарубежных живописцев. Среди последних наиболее хорошо представлено именно голландское искусство, причем в собрании музея — не только шедевры XVII века таких старых мастеров, как Франс Халс и Рембрандт, но и свыше двухсот работ художников XIX-XX вв.

На выставке можно увидеть творения таких нидерландских художников, как Лоуренс Альма-Тадема, Георг Хендрик Брейтнер, Винсент Ван Гог, Кеес ван Донген, Пейке Кох, Карел Виллинк и Карел Аппел. Это уже вторая выставка из серии из серии «Современное искусство Нидерландов», проходящая в Koningin Fabiolazaal. Первая закончилась 8 января 2012 года.

На новой выставке представлено более 50 экспонатов, среди которых картины, акварели и рисунки из фондов антверпенского Музея изящных искусств. В совокупности они рассказывают историю современного искусства Нидерландов с середины XIX века до наших дней и свидетельствуют о высоком уровне и богатстве голландской культуры этого периода. Кроме того, выставка рисует картину художественных связей между Нидерландами и Бельгией и объясняет историю возникновения коллекции современного голландского искусства в антверпенском Музее изящных искусств.

Практически все художники, работы которых представлены на выставке, родились в Нидерландах, однако многие из них временно или навсегда покинули родную страну в поисках лучших условий для реализации своего таланта, качественного художественного образования и плодотворного климата. Так, начиная с середины XIX века, довольно много голландских мастеров эмигрировало в Бельгию. Антверпен, с его всемирно известной Академией художеств и богатой живописной традицией, привлекал многих голландских художников, в том числе Лоуренса Альма-Тадему и Винсента Ван Гога.

Схожую роль играл и Брюссель с его бурной художественной жизнью и богатыми возможностями для демонстрации и продажи работ. Сюда подались, например, Виллем Рулофс, Хендрик Виллем Месдах (Месдаг), Ян Тороп. Такие голландские художники, как Якоб Смитс, Виллем Парелс, Анн-Пьер де Кат, Брам Богарт осели в Бельгии на всю жизнь и составили часть истории искусств этой страны. А Кеес ван Донген в 1897 году перебрался еще южнее: переехал в Париж, где познакомился с Матиссом и Пикассо и стал выдающимся представителем фовизма.

В 1937 году антверпенский Музей изящных искусств стал обладателем портрета бейрутского митрополита кисти ван Донгена — очень необычной для его творчества работы.

Портреты и автопортреты художников

В музейной коллекции современного голландского искусства особенно много автопортретов и портретов коллег художников.

Особый интерес представляет реалистично точный портрет, выполненный Антоном ван Веле (Antoon van Welie) и изображающий его друга бельгийского скульптора-анималиста Йосюэ Дюпона (Josuë Dupon).

Образы голландской природы, городской и сельской жизни

В XIX веке на нидерландских художников продолжало оказывать влияние искусство голландского Золотого века. Они черпали вдохновение не только в стиле старых мастеров, но и в сюжетах: сельских пейзажах, жанровых сценах, городских видах. Например, нидерландский пейзажист XVII века Якоб ван Рёйсдал стал образцом для Баренда Корнелиса Куккука, который в поисках романтических живописных пейзажей поселился в 1834 году в немецком нижнеерейнском городе Клеве. Корнелис Спрингер и Иохан Вейсенбрух, в свою очередь, отдавали предпочтение городским пейзажам. Получили известность их тщательно выписанные городские сцены с мостами и каналами, часто освещенные ярким солнцем, как на работах старых мастеров XVII века.

Во второй половине XIX века в Нидерландах сформировалась гаагская школа живописи: в нее вошли голландские художники, испытавшие влияние барбизонской школы во Франции и много работавшие на пленэре для создания реалистичных пейзажей. Гаагская школа заложила основы для развития импрессионизма в голландском искусстве. Представители этого направления первоначально отдавали предпочтение сероватым тонам, но затем перешли к более яркой, светлой палитре и стали свободными мазками изображать природу и сельскую жизнь: скот на лугах, травянистые пустоши... 

А, например, Йозеф Израэлс черпал вдохновение в рыбацкой жизни и изображал в основном быт и семейную жизнь моряков. Одной из его наиболее известных ранних работ является картина «Ида, юная рыбачка, на пороге дома». Картина Яна Хендрика Лейтена (Jan Hendrik Luyten) «Дети моря» обнаруживает явное влияние Израэлса.

Морские сюжеты были также излюбленной темой Хендрика Виллема Месдаха — выдающегося мариниста, представителя гаагской школы.

Нидерланды и Бельгия: художественные связи

Многие картины на выставке рассказывают о связи Нидерландов с Бельгией. Например, Лоуренс Альма-Тадема учился в антверпенской Академии художеств, затем переехал в Брюссель, а после и в Лондон, где приобрел огромную славу. Однако об Антверпене художник не забывал. В частности, он создал довольно смелую композицию «Вишни» для банкетного зала антверпенского Художественного кружка. Его друг Ян Антон Нейхус (Jan Antoon Neuhuys) также учился в Антверпене. Ян Нейхус поначалу интересовался историческим жанром живописи, но затем увлекся рисованием интерьеров крестьянских жилищ. Под его влиянием Якоб Смит решил и сам в 1888 году переехать в бельгийскую область Кампин. В отдаленной деревушке этой области он пишет сцены скромной крестьянской жизни в своем характерном стиле.

Голландская художница Генриетта Роннер-Книп (Henriëtte Ronner-Knip) в 1850 году после свадьбы с Фейко Роннером переезжает в Брюссель. Здесь пара окунается в активную культурную жизнь бельгийской столицы. Примерно с 1870 года Роннер-Книп стала рисовать практически исключительно кошек и в итоге стала самым крупным нидерландским мастером-анималистом в «кошачьей» области. На ее картине «Непоседы» мы видим игривых котят, которые под зорким присмотром мамаши изучают неведомый для них мир комода. Ниже приводится фрагмент этой картины.

На рубеже XIX-XX веков Брюссель был крупным художественным центром, где уже начали укореняться модернистские течения. Юный Виллем Парелс (Willen Paerels) сначала экспериментировал в области импрессионизма, а затем заинтересовался кубизмом.

О влиянии кубизма свидетельствует, например, написанная в 1921 году картина «Женщина в синем» из собрания Королевского музея изящных искусств в Антверпене.

Акварели из собрания Генри Химанса

В собрании акварелей, подаренном музею в 1912 году вдовой профессора истории искусств Генри Химанса (Henri Hymans) 72 работы относятся к произведениям Королевского бельгийского общества акварелистов, причем многие из них выполнены жившими в Брюсселе голландскими художниками. Среди них — пейзажист Виллем Рулофс, который переехал в бельгийскую столицу в 1847 году и провел здесь следующие 40 лет своей жизни.

Несмотря на прописку в Бельгии, он оставался, в сущности, именно голландским художником, специализируясь на живописных пейзажах польдеров с ветряными мельницами и деревенскими домами. Виллем Рулофс обычно считается предшественником вышеупомянутой гаагской школы.

В этом же альбоме акварелей можно увидеть яркую работу Лоуренса Альма-Тадемы в римском духе, изображающую двух весёлых хмельных друзей: Вакха и Силена.

Первые голландские модернисты

Некоторые картины на выставке позволяют познакомиться с голландским искусством конца XIX – начала XX века. Винсент Ван Гог и Виллем Витсен в своем творчестве часто обращались в теме сборки картофеля, популярной среди живописцев гаагской школы. Эти картины выполнены маслом, быстрыми, широкими мазками в духе импрессионизма.

Этот новый стиль живописи затем подхватили молодые прогрессивные голландские художники: Георг Хендрик Брейтнер, Исаак Израэльс и др. С помощью динамичных, зримых мазков по холсту они создавали импрессионистские образы бурной амстердамской жизни. А в уединении своей мастерской Брейтнер создавал картины в жанре ню, примером которого является представленное на выставке полотно «Стоящая обнаженная».

В 1920-х годах на художественной сцене всё больше доминировали абстракция и экспрессионизм, но в то же время ряд голландских художников обратились в сторону реализма. Их творчество отличается отстраненной объективностью, сочетая ремесленную традицию с современной атмосферой. Характерными особенностями магического реализма являются реалистичные изображения повседневных явлений и одновременно — ощущение нереальности, элемент надвигающейся угрозы.

С 1971 года Музею изящных искусств в Антверпене принадлежат значительные работы трех крупных голландских представителей магического реализма: Пейке Коха, Карела Виллинка и Рауля Хенкеса (Raoul Hynckes).

Эксперименты послевоенного времени

После Второй мировой войны возникает авангардистское движение CoBrA, ознаменовавшее поворот европейского искусства к эксперименту. Для творчества этой группы характерно свободное, спонтанное выражение. Эти художники писали картины, как дети, не продумывая предварительного плана, полностью отдаваясь воображению. Карел Аппел, например, изображал ярких фантастических животных и создавал «детские» образы. В 2008 году музей стал обладателем нескольких произведений новейшего голландского искусства, в том числе двух картин Ко Вестерика (Co Westerik).

 ♦♦♦♦♦♦♦

Выставочный центр Koningin Fabiolazaal назван в честь королевы Фабиолы (супруги короля Бельгии Бодуэна I) и является одним из самых известных и популярных в Антверпене. Он находится в исторической части Антверпена, по адресу Jezusstraat, 28. До музея можно легко дойти от центрального железнодорожного вокзала Антверпена или главной торговой улицы Meir, которая ведет от вокзала к кафедральному собору Антверпенской Богоматери. Ниже показано местоположение музея на карте Антверпена:

 ♦♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Информация о выставке на официальном сайте Музея изящных искусств Антверпена

2. Туристический портал Антверпена: культурные события в Антверпене

3. Репродукции представленных на выставке картин

4. Картины Карела Виллинка

5. Нидерландское искусство: Антон ван Веле

6. Репродукции картин Йозефа Израэлса

Время: с 17 мая 2011 года по 30 декабря 2012 года (часы работы: с 10:00 до 17:00; понедельник выходной; выставка закрыта 1 и 2 января, 1 и 17 мая, 1 и 2 ноября и 25 декабря)

Место: Антверпен, Бельгия; Музей MAS (Museum Aan de Stroom); адрес: Hanzestedenplaats, 1

Событие: Выставка «Шедевры в MAS» (Masterpieces in MAS)

Стоимость входного билета: 8 евро; для детей младше 12 лет бесплатно; для молодежи в возрасте от 12 до 26 лет билеты стоят 1 евро.

Мы уже писали о том, что Королевский музей изящных искусств в Антверпене (KMSKA) до конца 2017 года закрыт на масштабную реконструкцию. Однако основные шедевры из собрания музея можно увидеть и в этот период. В частности, шедевры старых и современных фламандских мастеров демонстрируются с 17 мая 2011 года по 30 декабря 2012 года в музее MAS (Museum Aan de Stroom), который расположен к северу от центра Антверпена.

Museum Aan de Stroom, или Музей на реке — это современный этнографический, антропологический и морской музей, открывший свои двери для посетителей в мае 2011 года. В музее восемь этажей выставочного пространства, щедро уснащенного интерактивными технологиями. Здание музея спроектировали голландские архитекторы из бюро Neutelings-Riedijk. Фасад этого 60-метрового сооружения выполнен из красного песчаника и криволинейных стеклянных панелей.

Помимо постоянной экспозиции, в музее проводятся и временные выставки, наиболее интересной из которых, несомненно, является экспозиция шедевров из Музея изящных искусств и других музеев Антверпена. Представленные шедевры охватывают пять веков истории, отображая эволюцию западной визуальной культуры от Средневековья до наших дней.

Выставка проводится музеем MAS в сотрудничестве с Королевским музеем изящных искусств (KMSKA), а также антверпенским Музеем современного искусства (M HKA) и музеем Плантена-Моретуса. Каждый из этих музеев предоставил для экспозиции свои шедевры, рассказывающие об истории изобразительного искусства в Антверпене, о зарождении процветающего рынка произведений искусства, а также о роли антверпенского порта в распространении художественной продукции по всему миру и о возвращении современных художников к сути зрительного образа.

В рамках экспозиции шедевры старых фламандских мастеров сопоставляются с работами современных художников региона. Выставка показывает, какое мощное влияние оказал Антверпен и Фландрия в целом на развитие западноевропейского искусства XVI-XVII в. Одновременно демонстрируются экспонаты, характеризующие данный регион еще и как колыбель современного изобразительного искусства.

В прежние эпохи художники стремились изобразить божественное или сверхчеловеческое с помощью драгоценных материалов. Примером тому могут служить иконы или золотые монеты с портретами королей и императоров. Первую революцию в подходе к изображению божественных сюжетов совершили фламандские примитивисты, в работах которых мы находим отражение мельчайших деталей повседневной жизни. Бог присутствует повсюду, даже в мелочах.

Экономический успех и процветание Антверпена в XVI веке дали толчок к дальнейшему развитию искусства. Богатые горожане желали украшать картинами свои дома и становились заказчиками художников. В эту эпоху появляется новая концепция образа: на первый план выходят готовые произведения искусства, отвечающие вкусам широкой публики, произведения, которые можно приобрести в магазине. Появляются новые жанры живописи, например пейзажи и натюрморты. Сам способ представления образа в этот период становится более демократичным. Помимо картин, люди теперь покупают более дешевые оттиски. Во многом именно благодаря развитию техники печати рынок художественной продукции из Антверпена развивался столь успешно: оттиски экспортировались по морю в Новый Свет. Можно сказать, что в то время Антверпен и другие крупные торговые города заложили основу для появления международных средств массовой информации в том виде, в каком они знакомы нам теперь.

Сегодня люди утопают в огромном количестве сенсационных образов. Средства массовой информации настолько активно снабжают нас этой продукцией, что сами художники предпочитают дистанцироваться от этого бешеного потока. В точности как их предшественники, современные художники начинают уделять повышенное внимание повседневности. Они пытаются найти смысл в том, что кажется случайным. Их молчаливые картины становятся альтернативой шумному обществу потребления. Они снова позволяют нам приблизиться к сути образа.

На выставке представлены шедевры таких художников, как Симоне Мартини, Абрахам Ортелий, Адриан Браувер, Адриан Коллерт, Якоб Йорданс, Ян Брейгель Старший, Ян ван Эйк, Жан Фуке, Иоахим Патинир, Питер Пауль Рубенс, Рогир ван дер Вейден, Паулюс Понтиус, а, кроме того, более современных мастеров, среди которых Джеймс Энсор, а также наши современники: Нарцисс Тордуа, Панамаренко, Рауль де Кейзер, Анна-Мия ван Керкховен, Марлен Дюма, Люк Тёйманс, Кун Ван Ден Брук и Ян Фабр.

Современный художник Кун Ван Ден Брук (Koen van den Broek) (р.1973) разработал дизайн плаката для выставки. Его «Мадонна» является отсылкой к знаменитому шедевру французского живописца Жана Фуке (ок. 1420-1481) «Богоматерь с младенцем» (ок. 1450). Это полотно содержит необыкновенно контрастное изображение Девы Марии с высокой грудью, сидящей на троне с младенцем на коленях в окружении ярко-красных серафимов и синих херувимов. Картина изначально являлась правой створкой Меленского диптиха, вторая часть которого сегодня находится в Берлинской картинной галерее. Что же касается створки с изображением Богоматери с младенцем, то она принадлежит Королевскому музею изящных искусств в Антверпене и в связи с его реконструкцией демонстрируется в рамках данной выставки в музее MAS.

Центральное место на выставке занимает Wunderkammer (кабинет курьезов, или кунсткамера) — современная «лаборатория», в которой посетители могут восхититься окружающими человека чудесами и заново открыть самих себя.

В музее MAS можно приобрести путеводитель по выставке с текстами на голландском, английском, французском, немецком и испанском, путеводитель снабжен рядом репродукций. Цена брошюры составляет 2,5 евро.

Выставка продлится до 30 декабря 2012 года.

 ♦♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Информация о выставке на официальном сайте Музея изящных искусств Антверпена

2. Информация о выставке на официальном сайте музея MASв Антверпене

3. Туристический портал Антверпена: культурные события в Антверпене

4. Новейший музей Антверпена Museum Aan de Stroom

В настоящее время Королевский музей изящных искусств в Антверпене (Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Antwerpen/KMSKA) закрыт на масштабную реконструкцию, которая началась в середине 2011 года и предположительно закончится в конце 2017 года. Проект реконструкции был разработан голландской фирмой Claus and Kaan Architects (Rotterdam). Стоимость работ составит 44 млн евро.

На период проведения работ музей принял девиз ‘closed yet close by’ («закрыт, но рядом с вами»): с одной стороны, в главном здании ведутся работы по созданию современного музея, соответствующего требованиям XXI века, но с другой — музей не хочет утратить контакт с публикой за эти шесть лет. Иными словами, музей закрыт на реконструкцию, но его экспонаты остаются доступны для публики. Поэтому его уникальную коллекцию можно будет в это время увидеть в прочих музеях Антверпена и других городов Бельгии.

После окончания работ в музее появится новое хранилище для картин, а также будет произведена реконструкция музейного здания, в результате чего выставочные площади увеличатся на 40%, а сам музей будет оборудован по самым современным стандартам. Снаружи историческое здание построенного в конце XIX века музея не изменится: новая вертикальная конструкция, за счет которой и предполагается расширить музейное пространство, будет встроена в сооружение совершенно незаметно.

В настоящее время около здания музея, на площади Leopold De Waelplaats, работает специальный информационный офис, где можно получить ответы на вопросы о ходе реставрации, текущих выставках и проектах музея на других площадках Антверпена и других городов. Справочный офис работает со среды по субботу, с 10:00 до 16:00.

Несмотря на то что Музей изящных искусств в Антверпене временно закрыл свои двери для посетителей, он продолжает работать, хотя и в иных форматах. Основная часть коллекции доступна для публики, хотя и демонстрируется не в привычном здании, а в различных музеях и выставочных центрах в Антверпене и за его пределами. Ниже приводится перечень основных бельгийских музеев, в которых можно увидеть экспонаты из собрания Музея изящных искусств на период его реконструкции.

Шедевры пяти веков фламандского искусства: Выставка в музее MAS в Антверпене

С мая 2011 года и до конца 2012 года около 50 экспонатов из коллекции музея будут демонстрироваться в новейшем антверпенском музее MAS (Museum Aan de Stroom), в рамках выставки «Шедевры в MAS» (Masterpieces in MAS). Зрители смогут увидеть шедевры таких художников, как Симоне Мартини, Абрахам Ортелий, Адриан Браувер, Адриан Коллерт, Якоб Йорданс, Ян Брейгель Старший, Ян ван Эйк, Жан Фуке, Иоахим Патинир, Питер Пауль Рубенс, Рогир ван дер Вейден, Паулюс Понтиус, а, кроме того, более современных мастеров, среди которых Джеймс Энсор, а также наши современники: Нарцисс Тордуа, Панамаренко, Рауль де Кейзер, Анна-Мия ван Керкховен, Марлен Дюма, Люк Тёйманс, Кун Ван Ден Брук и Ян Фабр.

Подробнее можно прочитать в отдельной заметке о выставке.

Голландское искусство XIX-XX вв.: Выставка в антверпенском выставочном центре Koningin Fabiolazaal

Впечатляющая коллекция искусства XIX-XX веков из собрания Музея изящных искусств будет с конца января до середины августа 2012 года демонстрироваться в выставочном центре Koningin Fabiolazaal (KFZ) в исторической части Антверпена.

Выставка названа «Модернисты. Искусство Нидерландов» (The MODERNS. Art from the Netherlands). На выставке можно увидеть творения нидерландских художников от середины XIX века до наших дней. Среди представленных авторов: Лоуренс Альма-Тадема, Георг Хендрик Брейтнер, Винсент Ван Гог, Кеес ван Донген, Пейке Кох, Карел Виллинк и Карел Аппел.

Подробнее можно прочитать в отдельной заметке о выставке.

Выставка Рика Ваутерса в музее Schepenhuis в Мехелене

Крупная выставка работ бельгийского фовиста Рика Ваутерса (Rik Wouters) (1882-1916) до конца 2017 года проходит в городе Мехелен, который расположен между Брюсселем и Антверпеном и является родным городом этого художника, скончавшегося в возрасте 33 лет, однако оставившего потомкам богатое наследие скульптур, картин и рисунков.

В музее Schepenhuis в Мехелене будет выставлено огромное собрание работ Рика Ваутерса из коллекции временно закрытого на реконструкцию Королевского музея изящных искусств в Антверпене, а также из фондов городских музеев Мехелена. В экспозиции — портреты, пейзажи, сцены из повседневной жизни, скульптуры и картины в жанре ню, натюрморты.

Выставка «Страна Брейгеля» в городском музее Лира

В бельгийском городе Лире организована выставка, посвященная влиянию Брейгеля на последующие поколения фламандских художников.

Эта выставка также продлится до конца 2017 года.

Выставка в музее Rockoxhuis в Антверпене

В музее Rockoxhuis (дом Рококса) в Антверпене с 11 февраля по 13 мая 2012 года пройдет выставка, рассказывающая о новейших результатах исследования творчества Рубенса и названная «Разгаданный Рубенс» (Rubens revealed). В рамках выставки будет представлен эскиз «Триумфальная повозка Калло» и документы (наброски, тексты, фотографии, гравюры), рассказывающие о традиции аллегорических триумфальных колесниц для праздничных процессий (Ommegang) в Бельгии.

Разработка проекта для торжественной повозки была заказана Рубенсу городским советом Антверпена в 1638 году, по случаю победы в крупной битве при Калло во время Восьмидесятилетней войны.

Выставка алтарей в кафедральном соборе Антверпенской Богоматери

До конца 2017 года восемь монументальных алтарей из коллекции Королевского музея изящных искусств в Антверпене можно будет увидеть в обстановке, для которой эти произведения изначально и создавались — в кафедральном соборе Антверпенской Богоматери (Onze-Lieve-Vrouwekathedraal), в рамках выставки «Воссоединение. От Квентина Массейса до Питера Пауля Рубенса. Шедевры из собрания Королевского музея встречаются в кафедральном соборе» (Reunion. From Quinten Metsijs to Peter Paul Rubens. Masterpieces from the Royal Museum reunited in the Cathedral).

Подробнее можно прочитать в отдельной заметке о выставке.

 ♦♦♦♦♦♦♦

Официальный сайт Королевского музея изящных искусств в Антверпене с информацией о ходе реконструкции и текущих выставках: kmska.be

Дом Рококса — это старинный патрицианский дом XVII века, принадлежавший тогдашнему бургомистру Николаасу Рококсу (Nicolaas Rockox) (1560-1640), коллекционеру, меценату, нумизмату и другу (а также заказчику) Рубенса. (Без сомнения, именно Питер Пауль Рубенс является самым известным гражданином Антверпена; в городе множество мест, напоминающих об этом художнике и дипломате; памятник ему возвышается на Грунплаатс; его полотна можно увидеть в многочисленных церквях и музеях; жаль только, что я не любитель Рубенса, но для его поклонников здесь — раздолье).

Общался он и с Ван Дейком, который неоднократно рисовал портреты бургомистра. Вот один из них:

Сейчас здание находится под покровительством кредитного банка KBC, который выкупил его и теперь отвечает за все реставрационные и поддерживающие работы.

Здесь можно увидеть предметы интерьера, мебель, картины XVI-XVII вв. Музей небольшой, но премилый.

Помимо живописи, мне особенно понравились некоторые комнаты, передающие атмосферу того времени.

Из живописных работ здесь представлены произведения не только Рубенса (1577-1640), но и, например, Ван Дейка и Матсиса, Брейгеля, Иорданса и других.

Картина фламандского художника Иоахима Патинира (Johachim Patenier) (1480/90-1524) «Св. Христофор несет на плечах младенца Иисуса Христа». Одна из легенд гласит, что Христофор был римлянином огромного роста, изначально носившим имя Репрев. Он принял христианство и начал служить Иисусу. Гигант отыскивает святого отшельника, и спрашивает его, каким образом он может служить Христу. Отшельник отвёл его к опасному броду через реку и сказал, что большой его рост и сила делают его отличным кандидатом, чтобы помогать людям пересекать опасную воду. Он начал перевозить путников на своей спине. Однажды его попросил перенести через реку маленький мальчик. Посреди реки он стал настолько тяжёл, что Христофор испугался, как бы они оба не утонули. Мальчик сказал ему, что он Христос и несёт с собой всю тяготы мира. Затем Иисус крестил Репрева в реке, и тот получил свое новое имя — Христофор, «несущий Христа».

Патинир работал с Квентином Массейсом (Матсисом), автором известной картины «Меняла с женой» (ок. 1514, Лувр). Их пейзажно-религиозные работы висят здесь специально рядом, и прекрасно видно, что у них очень похожий стиль. Предположительно многие работы, приписываемые сейчас Патиниру или Массейсу, являются на самом деле их совместными работами.

Голландский художник Давид Винкебонс (David Vinckboons) (1576 - 1629), «Раздача хлеба бедным».

Мне понравилась картина или, скорее этюд, Ван Дейка под названием «Два наброска мужской головы». Непривычный такой Ван Дейк, не парадный.

Фламандский художник Ян ван Хемессен (Jan Sanders Van Hemessen) (1500-1563/66), «Св. Иероним в образе монаха». Св. Иероним (IV в.) считается покровителем переводчиков. Иероним был человеком могучего интеллекта и огненного темперамента. Будучи большим любителем путешествий, Св. Иероним в юности осуществил паломничество к Святой Земле, посетил Халкидскую пустыню, где в течение целых четырех лет изучал еврейский язык, а затем окончательно осел в Вифлееме. Как раз в Вифлееме Св. Иероним и стал известен как переводчик Ветхого Завета на латынь (сделанный им перевод Библии, вместе с пересмотренным переводом Нового завета и более старых латинских текстов апокрифов, стал нормативным латинским текстом, получившим название Вульгата). В 1991 году Всемирная федерация переводчиков объявила о том, что 30 сентября отныне будет называться Днем переводчиков или Днем Св. Иеронима.

Жутко неприятная, но запомнившаяся картина фламандского живописца Франса Снейдерса (Frans Snijders) (1579-1657) «Рыбный рынок в Антверпене».

Художник Виллем Кей (Willem Key) (1515-1568), «Портрет дамы».

И гвоздь программы — картина Питера Брейгеля младшего (Pieter II Brueghel) (1564-1638) «Пословицы». Она посвящена теме абсурдности окружающей действительности, глупости, подлости и злости людей.

Такая же картина («Нидерландские пословицы» 1559 года) (и несколько вариантов на эту тему: так, к 1558 году Брейгель уже написал цикл «Двенадцать пословиц», состоявший из отдельных небольших досок) есть у Питере Брейгеля старшего (Pieter Bruegel, букву h к фамилии добавил сын), сын просто копировал произведения отца, что-то добавляя свое и меняя какие-то детали (всего он создал около двадцати копий одних только «Нидерландских пословиц»). В то время было популярно собирать пословицы. Эразм Роттердамский в 1500 году опубликовал пословицы, а также афоризмы из античных философов в своей первой книге, именно с таким названием — «Пословицы». На полотне Брейгеля размещается множество миниатюрных сюжетов. Идентифицировано более сотни пословиц и идиоматических выражений, многие из которых уже давно вышли из употребления, — они отражают куда более откровенный язык тех дней! Подавляющая часть — о глупом, безнравственном или же безумном поведении.

Вот, например, в центре композиции изображен исповедующийся под сенью: «он исповедуется дьяволу» (что означает — выдает секреты врагу). В той же исповедальне мужчина в красном колпаке «держит свечку для дьявола» (заводит друзей без разбору, льстит всем).

Тоже в центре, еще ближе к зрителю – женщина в красном платье набрасывает на плечи мужчине голубой плащ — «она обманывает его» (эквивалент: «наставляет мужу рога»). Слева от этой яркой пары — две прядильщицы: «одна прядет пряжу, другая сучит» (то есть — распускают недобрые сплетни; другой вариант: «Прясть пряжу с чужого веретена» — заканчивать работу, начатую другими).

Справа от этой миниатюры — мужчина в окружении свиней. Занимается таким привычным делом — нарушает евангельское предостережение «не бросайте жемчуга перед свиньями» (бесплодные усилия) («Бросать свиньям маргаритки»).

Рядом с тетушками-прялками, чуть выше, человек с корзиной. «Переносить свет корзинами» значит понапрасну тратить время; заниматься ненужными делами.

А вот следующий фрагмент. В левом нижнем углу мы видим даму, которая расправляется с рогатым субтильным джентльменом. «Она бы привязала чёрта к подушке» — то есть она не боится ни Бога, ни дьявола: эта мегера способна обуздать самого строптивого молодца; упряма как чёрт.

Правее от нее мужчина бьется головой о стену — то есть он захотел сделать невозможное, дело было заведомо обречено на неудачу, он получил мучительный отказ.

Внизу слева мужчина в голубой рубахе — «кусающий колонны» (религиозный лицемер).

Над этой сценой – женщина, в одной руке несущая ведро, в другой — дымящуюся головню: «у нее в одной руке огонь, в другой — вода» (что значит — она двулична и лжива).

«Свинья вытаскивает затычку из бочки» — хозяин не следит за своим добром.

«Один стрижёт овцу, другой свинью» — один использует ситуацию по мере возможного, другой стремится извлечь выгоду любой ценой; один пребывает в довольстве, другой впадает в нищету.

Вверху, на башне — мужчина «бросает перья по ветру» (бесцельная работа). Его приятель тут же «держит плащ по ветру» (меняет свои взгляды в соответствии с обстоятельствами). В окошке башни женщина — она «глазеет на аиста» (попусту тратит время).

Щеголь в розовом плаще (на переднем плане) вращает на пальце земной шар — «мир вращается на его большом пальце» (все пляшут под его дудку)! А у его ног — оборванец на четвереньках пытается влезть в подобный же шар — «приходится кланяться, чтобы преуспеть» (если хочешь многого достичь, приходится быть неразборчивым в средствах).

Внизу справа – человек пытается ложкой собрать что-то выливающееся из котла. «Опрокинувший свою кашу не всегда может всю её собрать» — совершивший ошибку должен вынести и последствия, никогда нельзя полностью исправить последствия своей глупости.

Над ним — двое перетягивают какую-то веревку: «Они тянутся, чтобы ухватить самый длинный (кусок)» — каждый ищет собственную выгоду.

Справа внизу изображен распластавшийся по столу мужчина: «Ему не удаётся дотянуться ни до одного, ни до другого хлеба» — он вряд ли соединит один конец с другим; еле сводить концы с концами.

В центре этого фрагмента —«Господу Богу привязывать накладную бороду», то есть пытаться действовать обманным путём, вести себя лицемерно.

Обратите внимание – у левого края картины мы снова видим этот самый шар, только перевернутый: «мир вверх ногами» (все шиворот-навыворот). А над этим символом земного шара нависает задница персонажа в красной рубашке: «он справляет нужду на мир» (он презирает всех)...