Время: с 10 июня по 3 августа 2015 года

Место: Санкт-Петербург, Россия; Концертный зал Мариинского театра (ул. Декабристов, 34)

Событие: Вернисаж под абажуром. Вера Шанская — выставка графики. «Все мы — кисточки в Божьих руках»

Стены фойе Концертного зала Мариинского театра никогда не пустуют: здесь функционирует своеобразная художественная галерея.

Регулярно обновляемая экспозиция позволяет слушателям не скучать во время антрактов и занимать себя разглядыванием картин, фотографий, рисунков во время ожидания начала представления. Хорошая альтернатива — или дополнение — буфету. Публике демонстрируются работы самых разных стилей и жанров, творения признанных и начинающих художников, взрослых и детей, но, как правило, все экспонаты так или иначе связаны с музыкальной тематикой.

На третьем этаже фойе этим летом устроена выставка графических работ Веры Шанской, и каждый, кто приходит на концерт или оперу, имеет возможность познакомиться с творчеством этой художницы — лиричным, музыкальным, очень петербургским, не лишенным иронии, остроумия, чисто женского юмора (хулиганства даже), а порой и тонкого эротизма.

В сюжетах Веры Шанской много выдумки и шаловливой улыбки, теплоты и поэзии.

Особенно запоминается сказочная цветовая гамма: чего стоит один только синий, интенсивный и светящийся (репродукции не передают этого ощущения). Большинство этих графических листов могли бы стать отличными книжными иллюстрациями. Впрочем, художница действительно создаёт иллюстрации: например, у нее вышла совместная книга с питерским поэтом Галиной Пристенской (сборник «Мое измерение»), а теперь у них готов материал и для детской книжки.

Поскольку выставка проходит не где-нибудь, а в Концертном зале, многие из отобранных работ отчетливо музыкальны, причем среди них есть как лирические, так и саркастические («Органный вечер», «Осенний блюз», «Арфа», «Белый рояль», «Ёперный театр»).

Не менее значительная часть произведений посвящена Петербургу или содержит узнаваемые мотивы нашего города.

Причем художница воспринимает любимый Питер не как мрачный, унылый и серый город, а скорее как фееричный, воздушный, почти всегда уютный. Многие образы Петербурга у нее нереально красочны и по-театральному декоративны.

Случается и так, что эти две темы (музыка и Петербург) пересекаются и сосуществуют в одном произведении — как, например, в работах «Музыкальные мосты» и «После концерта».

Также выделяется серия картин с «ожившими» деревьями («Друиды»), в том числе «Паводок» (он положил начало этой серии в 1996 году), «Белый рояль» и другие — часто с видами Петербурга.

Вера Шанская родилась в семье ленинградских художников в 1967 году. Ее отец был реставратором монументальной и станковой живописи, а мама преподавала рисование. Традиционную художественную школу девочка не посещала: родители хотели, чтобы она научилась творить в собственном стиле и лишь потом получала академическое образование.

В 1990 году Вера Шанская закончила факультет графического дизайна училища им. Серова (Рериха). А ее дипломной работой стала серия театральных плакатов к произведениям М. А. Булгакова. С творчеством Михаила Афанасьевича художницу вообще связывает многое: в юном возрасте она не раз рисовала по мотивам булгаковских романов и пьес, а венцом этого литературного увлечения стала собирательная графическая работа «Мастер и Маргарита» (которую, кстати, тоже можно увидеть на выставке).

Первая выставка Веры Шанской состоялась в 1995 году. (Именно тогда впервые стала известна «Тень», одна из самых популярных работ художницы, также присутствующая на выставке в Концертном зале).

С тех пор ее работы регулярно выставлялись как в рамках совместных проектов, так и на персональных выставках. С 1995 года Вера Шанская является членом Союза художников России. Помимо оригинальных графических работ, она создаёт авторские постеры-репродукции, а также уютные подушки с трогательными собственными рисунками, календари и прочую сувенирную продукцию.

На творчество Веры Шанской повлияли Иван Билибин, Александр Головин, Николай Акимов, Анри Матисс, а также Ремедиос Варо — необыкновенная испано-мексиканская художница, представительница сюрреализма. При этом Вера убеждена, что творческие люди должны стремиться не перегружать себя информацией извне, чтобы не скатиться в тривиальность или неосознанный плагиат.

Приходите в Концертный зал дополнить свои музыкальные впечатления изобразительными!

♦♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Вера Шанская: «Все мы — кисточки в Божьих руках». Интервью журналу «Мираман»

2. Страничка Веры Шанской ВК

3. Вера Шанская, графика. Репродукции

4. Вера Шанская. Мозаика ассоциативных образов. Репродукции

5. Презентация выставки Веры Шанской в Концертном зале Мариинского театра

Время: с 20 по 28 мая 2015 года

Место: Санкт-Петербург, Россия; Петрикирхе (кафедральный собор свв. апостолов Петра и Павла)

Событие: Свет - Жизнь - Любовь. Выставка работ двух пасторов Евангелической Церкви в катакомбах Петрикирхе

К сожалению, эта небольшая выставка продолжалась недолго: вчера она работала последний день. Тем не менее, наш сайт решил рассказать об этом событии и заодно о том уникальном месте, в котором оно организовано.

На выставке «Свет-Жизнь-Любовь», организованной галереей Dreiklang из Нижней Саксонии (Ганн. Мюнден), показаны работы двух лютеранских пасторов: Курта Ройбера и Клауса Эккерта. Судьбы этих двух людей, которые не были знакомы друг с другом, — одновременно похожие и разные. Оба немецких священнослужителя попали во время Второй мировой войны в Россию. Курт Ройбер был призван в качестве врача, а Клаус Эккерт служил связистом. Первый умер в лагере для военнопленных, второй дожил до наших дней. Оба пастора были художниками-любителями и продолжали рисовать даже в те страшные дни. Портретные рисунки Курта Ройбера созданы в Сталинградском «котле» в 1942 году, а пейзажные акварели Клауса Эккерта — под Ленинградом, во время блокады, в 1941 году.

Через искусство эти два человека пытались переработать страшные образы войны, создать картину защищенности в ситуации мрака, смерти и обреченности.

«Эти работы говорят о любви к России, ее природе и людям, показывают, что природа и люди сильнее войны. Этой выставкой мы хотели бы вам сказать, что не все немецкие солдаты несли разрушение, среди них были люди, состоявшие в антигитлеровской коалиции, такие как Клаус Эккерт, к примеру. Его до конца жизни преследовало то, что он видел на войне, но его также сопровождала и любовь к России», — говорит представитель галереи Dreiklang Эккахарт Бушон.

Одна из особенностей выставки в том, что она проходит в необычном пространстве: в чаше бассейна, который был устроен в Петрикирхе в советские времена и работал с 1963 по 1993 год. К тому времени уже погиб орган и было утрачено оформление церковных интерьеров (в том числе росписи по проекту Максимилиана Месмахера). Перестройка в бассейн довершила разрушения: изменилась планировка, уменьшилась на 4 метра высота церковного зала — и была испорчена замечательная акустика. В алтарной части расположились вышки для прыжков.

После возвращения здания верующим в 1993 году бетонную ванну трогать не стали, так как это грозило обрушением всего здания. Новый церковный зал был сооружен на стальной конструкции поверх чаши бассейна. В ходе этих работ в теле сводов пробили большие отверстия для металлических колонн перекрытия. Бассейн ушел под пол, перекрыв по высоте уровень прежнего пола, и теперь в зал для богослужений люди попадают через боковую дверь, поднимаясь по винтовой лестнице.

Сегодня подземелье вокруг чаши известно как «катакомбы», а собор Петрикирхе до сих пор нередко называют «церковью-бассейном».

Интерьер бассейна служит мрачноватым напоминанием о страшных временах и сам является своего рода мемориалом.

Когда обходишь по периметру обезвоженной чаши, ощущение действительно странное: сверху льются мягкие звуки органа (над нами — церковный зал!), под ногами жестко хрустят осколки советской кафельной плитки, а со стен смотрят лица детей, стариков, женщин, с которыми Бог весть что стало.

Несколько слов о художниках, чьи работы представлены на выставке.

Курт Ройбер (Kurt Reuber) (1906-1944) был священником и врачом, а еще — всегда любил рисовать. В 1939 году он был призван на службу военным врачом. В 1941 году обслуживал участки оккупированной территории, знакомился с русскими людьми. В 1942 году Ройбер оказался под Сталинградом. Там им были созданы около 150 портретов местных жителей (но ни одного из сослуживцев). Чаще всего это были рисунки углём. В 1943 году Курт Ройбер попал в лагерь для военнопленных в городе Елабуга, где и умер в возрасте 38 лет.

Рисунки Ройбера отражают его попытку понять убитых горем и нуждой русских людей: «Я постоянно всматриваюсь в лица людей и не могу от них оторваться, — писал он. — Я вижу, как врожденная русская меланхолия владеет всем — смехом и плачем, жизнеутверждением и отрицанием. Какие темные силы ведут здесь свою игру? Русский человек во всем остается для меня загадкой. Постоянно оказываешься перед славянской душой как перед непроницаемой стеной тумана. И никогда не знаешь, что увидишь, когда она разомкнется: мягкий теплый свет или еще большую тьму».

Название выставки отсылает к самой известной работе Курта Ройбера — Сталинградской Мадонне. Этот рисунок углём был создан в Рождественскую ночь с 24 на 25 декабря 1942 года в окружении под Сталинградом во время завершающего этапа Сталинградской битвы. К тому времени немецкие войска были окончательно окружены в сталинградском «котле» частями Красной Армии. Солдаты и офицеры вермахта были морально сломлены. Выражением состояния этих людей, умиравших от холода и голода и боровшихся за выживание, и стал рисунок Курта Ройбера. «Кто-то из солдат спросил меня, могу ли я нарисовать для них картину к Рождеству... Когда я начал рисовать ее, из отдельных линий и штрихов начало складываться единое целое... Я вспомнил слова апостола Иоанна: “свет”, “жизнь”, “любовь”. Что мне было ещё сказать?» — писал Курт Ройбер в письме домой из Сталинградского котла. Рядом с изображением Сталинградской Мадонны художник написал на немецком языке: «Licht. Leben. Liebe. Weihnachten im Kessel. Festung Stalingrad» — «Свет. Жизнь. Любовь. Рождество в котле. Крепость Сталинград».

Перед этим рисунком-иконой молились немецкие солдаты в бункере под Сталинградом. Теперь оригинал хранится в Мемориальной церкви кайзера Вильгельма в Берлине. А копии и репродукции Сталинградской Мадонны, выполненные в самых разнообразных художественных техниках, хранятся в память о войне во многих храмах Германии, Австрии, Англии и России.

Сталинградская Мадонна, автопортрет Курта Ройбера и около 150 портретов были вывезены из Сталинграда в Германию его командиром.

Клаус Эккерт (Klaus Eckert) (1914-2007) также был пастором и художником. Он с 1934 года изучал теологию, а в 1941 году был призван связистом на фронт. Разворачивая кабель за линией фронта, он старался находить время для того, чтобы передать свои впечатления от окружающей природы. В рюкзаке у него всегда были рулон бумаги и акварельные краски. Свои работы Клаус Эккерт отправлял отцу полевой почтой, а после демобилизации переработал эти эскизы в картины более крупного формата. Клаус Эккерт пережил войну и умер в возрасте 92 лет. Близким он о своих травматических переживаниях во время войны практических не рассказывал.

На выставке представлены акварельные пейзажи с деревенскими мотивами, созданные Эккертом в районе поселка Шапки Ленинградской области.

Всего на выставке демонстрируется более 20 работ — фотокопий. Оригиналы были показаны в ноябре 2014 года в галерее Dreiklang, которая вот уже двадцать лет работает в сфере установления культурных контактов между Россией и Германией.

Выставка воспринимается как объяснение двух немецких солдат в любви русскому народу и русской земле. Она помогает понять, что только через любовь и единение можно прийти к миру на Земле.

Катакомбы Петрикирхе

Во время посещения выставки можно увидеть окружающий чашу бассейна подвал с основаниями колонн на уровне старого церковного зала, а также познакомиться с росписями стен в «катакомбах» Петрикирхе.

В 2007 году церковный подвал оформил вместе со своими сподвижниками известный американский художник-неоэкспрессионист Мэтт Лэмб (Matt Lamb) (1932-2012). Так здесь появились настенные рисунки с христианскими символами и многочисленные зонтики — зонтики надежды, метафора защищенности человека.

Мэтт Лэмб, успешный бизнесмен, впервые обратился к творчеству в 1984 году, когда ему исполнилось 52 года. Смертельный диагноз (как потом оказалось, ошибочный) заставил его переоценить свои приоритеты, продать компанию и использовать отмеренное ему время жизни для искусства и распространения посланий мира, толерантности, надежды и любви среди людей. После теракта 11 сентября 2001 года художник основал проект «Зонтики Лэмба за мир».

В 2003 году зонтики Лэмба были представлены в Европейском Парламенте в Страсбурге, в Немецком Бундестаге и Британском Парламенте. С тех пор более 2 млн участников в 32 странах приняли участие в подобных акциях. В 2007 году выставка картин Мэтта Лэмба состоялась в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.

Особенно интересно взглянуть на ту часть стен подземелья, которую украшают полноценные росписи-картины. Их автор — художник Адам Шмидт (1921-2011).

Этот российский немец прошел депортацию и лагерь: попал в Воркуту на отбывание 20-летнего срока каторжных работ за побег с места ссылки. Работая до ареста художником-декоратором, он продолжил рисовать и в лагере.

В 1972 году Адам Шмидт перебрался в Ярославль, где провел остаток жизни. Роспись «катакомб» Петрикирхе он выполнил в 2007 году.

Для «катакомб» главной лютеранской церкви России в Санкт-Петербурге Адам Шмидт создал целый цикл настенных картин о судьбе немцев в сталинской России: низложение креста с церкви, арест на квартире, высылка по этапу, лесоповал («трудовая армия»), тайное богослужение братской общины на дому, трудовой лагерь в Воркуте. Эти своеобразные фрески описывают непростую судьбу репрессированных русских немцев: от транспарантов «Религия – опиум для народа» до иллюстрации тюрьмы.

Так подвал церкви Петрикирхе стал мемориалом жертвам репрессий.

За эти росписи художник Адам Шмидт был награжден архиепископом большой серебряной медалью.

«Катакомбы» Петрикирхе бывают открыты для посещения во время различных выставок и других культурных мероприятий. Следите за информацией на стендах церкви и в ее социальных группах в Интернете.

Богослужения в главном церковном зале регулярно проходят по воскресеньям в 10:30 (на немецком и русском языках).

Церковь открыта для посещения ежедневно с 9:00 до 21:00.

Адрес Петрикирхе: Невский пр., 22-24, Санкт-Петербург.

♦♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Выставка 'Свет-Любовь-Жизнь' открылась в Петрикирхе

2. Курт Ройбер, статья в Википедии

3. Биография Курта Ройбера

4. Видеофильм по материалам выставки и интервью с вдовой Клауса Эккерта

5. Приходы Петербурга: кому достанется место под крышей? Фотографии бассейна в Петрикирхе

Время: с 20 августа по 20 ноября 2014 года (часы работы: ежедневно с 10:00 до 18:30, кроме среды и понедельника)

Место: Санкт-Петербург, Россия; Музей художественного стекла ЦПКиО им. С.М. Кирова (филиал Елагиноостровского дворца – музея)

Событие: Выставка Анастасии Прибельской «Грани природы» при участии Давиде Пенсо (Мурано, Италия) и Татьяны Бояриновой (Москва)

В петербургском Музее художественного стекла, который разместился в Оранжерейном корпусе Елагиноостровского ансамбля, есть Белый зал, предназначенный специально для временных выставок. Этой осенью здесь проводится выставка нежнейших творений московской художницы, дизайнера и ювелира Анастасии Прибельской.

Проникнутые настроением, образами — и, кажется, даже запахом — леса, трепетные лишайники и тонкие веточки из стекла и металла вполне соответствуют осеннему пейзажу за окном. Трудно себе представить, что эти необычные подвески и колье, такие хрупкие на вид, могут украшать чью-то шею. Однако вся эта красота пригодна не только для любования, но и для использования в качестве стильного аксессуара к женской одежде, что и доказало дефиле авторских украшений, состоявшееся на открытии выставки.

Анастасия Прибельская — художница, которая создаёт уникальные украшения и арт-объекты из глин, металла, стекла и ткани. При работе со стеклом она использует технику лэмпворк (художественная обработка стекла в пламени горелки), металклэй (работа с металлическими глинами), а также авторскую технику — реалистичную флористику Rowan Craft, о которой Анастасия написала целую книгу под названием «Реалистичные цветы из полимерной глины». Мастерски комбинируя различные техники и смело экспериментируя с новыми материалами, художница создает невероятно реалистичные образы, которые живо передают красоту природы, отражают любовь и внимание автора к фактуре и деталям окружающего мира.

Парочка определений для тех, кто не знаком с терминами «лэмпворк» и «металклэй»:

Лэмпворк (Lampwork, от англ. Lamp – лампа, горелка, Work – работа) — художественная обработке стекла в пламени горелки, одна из самых древних техник работы со стеклом. История изготовления стеклянных бусин насчитывает около 3 тысяч лет. При высокой температуре стекло становится мягким и податливым, позволяя добиваться необходимых форм и фактур. С 1960-х годов интерес к лэмпворку среди художников возрастает благодаря технологическому новшеству — появлению кислородной горелки.

Металклэй (Metalclay) — это материал, появившийся сравнительно недавно и представляющий собой смесь мельчайших частиц и пластификатора. Из этой массы художник создает задуманные формы. Сложность работы состоит в том, что художнику необходимо заранее просчитать усадку материала при последующей обработке в печи. При высоких температурах пластификатор выгорает, а частицы сплавляются в чистый металл.

Анастасия Прибельская известна как основательница «Академии стекла» — творческой мастерской, специализирующейся на обучении работе в технике лэмпворк, — и студии Rowan Craft, где любой желающий может научиться создавать реалистичные цветы из полимерной глины, авторских кукол, ювелирные изделия и скульптуру. Также Анастасия является одним из организаторов профессиональной международной выставки предметов искусства, созданных в огне, — Flame Creations.

Сама Анастасия позволяет немного заглянуть в свою творческую лабораторию, рассказывая о своей работе: «Когда я вижу что-то новое, что цепляет взгляд, заставляет в душе что-то замирать, сразу появляется мысль — а я могу это сделать? Могу ли я передать эти ощущения, цвет, запах, эмоцию? Должна ли я передать всё на ассоциациях или через внешнюю картинку? Потом приходит вопрос — из чего? Хочу ли я сделать акцент на цвете — и взять стекло, эмаль, керамику — или до мелочей передать тончайшие формы, «вплетая» бронзу или серебро. А может, необходимо что-то другое, то, что в каждом конкретном случае лучше передаст фактуры и настроение — глина, проволока, ткань?

Когда ловлю себя на этом внутреннем диалоге, понимаю — можно работать. Начинаю делать эскизы, тесты в разных материалах и техниках. Потом просто очевидным становится единственный верный для меня вариант, и начинается самое интересное!»

На выставке «Грани природы» можно увидеть избранные коллекции украшений и арт-объектов Анастасии Прибельской, созданные из муранского, чешского и американского стекла в технике лэмпворк с использованием бронзы и меди. О названии выставки сама художница говорит так: «Грани природы — это бездна океана, золото сосновой смолы, рисунки лишайников на ветвях, глубина человеческой души или песня старого шамана. Грани, бесконечные и неповторимые, неуловимо и прочно сплетаются в цельный безупречный узор жизни».

Основное место в экспозиции занимает «лишайниковая» коллекция авторских украшений «Cladonia». Проект был придуман художницей специально для выставки в Музее художественного стекла.

Эти удивительные изделия созданы на основе реальных природных образцов, собранных в лесах Подмосковья. Коллекция посвящена невероятным фактурам, формам и ароматам леса.

Очень красочна коллекция «Aquatica», посвященная подводному миру и тоже созданная специально для выставки. На этот раз художницу привлекли фантастические формы моллюсков, актиний и других обитателей морских глубин.

Данная коллекция, как несложно догадаться, родилась уже не в северных широтах. На ее создание художницу вдохновило путешествие по Италии и Хорватии, где она любовалась сказочными пейзажами и совершала погружения, наблюдая за жителями подводного мира. Так и получилась эта коллекция красочных «подводных драгоценностей», тронутых патиной, словно обнаруженных на борту затонувшего корабля или долго пролежавших на морском дне.

Кроме украшений, коллекция включает три чернильницы, сделанные с использованием антикварных флаконов.

В рамках коллекции «Aquatica» также демонстрируются завораживающие по глубине и цвету декоративные формы «Медузы». Эти волшебные произведения выполнены Анастасией Прибельской совместно с Татьяной Бояриновой.

Московский мастер Татьяна Бояринова обожает работать со стеклом и создаёт реалистичные миниатюры природных объектов (крошечные стеклянные скульптуры животных и растений, имитации ракушек, водорослей и кораллов) в технике лэмпворк. Как и Анастасия, она ведет авторские обучающие курсы в «Академии стекла».

Среди прочих экспонатов выделяется необычная коллекция «Чаша природы», созданная Аанастасией Прибельской специально для этой выставки, причем не где-нибудь, а на острове Мурано, известном на весь мир как центр художественного стеклоделия.

Этот проект был реализован в соавторстве с виртуозным венецианским мастером Давиде Пенсо (Davide Penso), который вот уже более 20 лет работает на острове Мурано, создавая уникальные стеклянные украшения в технике лэмпворк, а с 2000 года еще и проводит мастер-классы в собственной Академии стекла.

Рожденная в мировом центре стеклоделия, данная коллекция состоит из стилизованных кубков, отражающих разные грани подводного и наземного мира природы России и Адриатики. Разумеется, пить из таких кубков никому и в голову не придет!

Рядом можно увидеть несколько изделий из богемского стекла, которое издавна являлось одним из главных конкурентов венецианского. Строго говоря, перед нами не подлинное Средневековье, а современные чешские реплики посуды из богемского стекла XVI-XVII века (в частности, бокалы-флейты, фляжка паломника, классические большие бокалы-рёмеры и кувшин-колба) из коллекции Анастасии Прибельской.

Выставка будет открыта в Музее художественного стекла при Елагинском дворце-музее до 20 ноября 2014!

Стоимость входного билета в музей для взрослых составляет 100 руб., для школьников и пенсионеров — 75 руб.

Часы работы: ежедневно с 10:00 до 18:30, кроме среды и понедельника.

Более подробная информация о посещении Музея художественного стекла на Елагином острове в Петербурге (как добраться, часы работы, цена билетов и т.п.) приводится тут.

♦♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

- Информация о выставке на официальном сайте Музея художественного стекла на Елагином острове

- Официальный сайт Анастасии Прибельской

- Материалы об открытии выставки Анастасии Прибельской «Грани природы» в ее блоге

Время: с 24 по 30 июня 2013 года

Место: г. Ярославль, Россия

Событие: II Международный благотворительный фестиваль уличных театров в Ярославле

В 2012 году состоялся  I Международный благотворительный фестиваль уличных театров в Ярославле. Он прошел без финансовой поддержки со стороны властей. Но по завершении Фестиваля организаторам вручили благодарственное письмо от заместителя губернатора Ярославской области Игоря Елфимова. В областном Правительстве отметили, что Фестиваль вносит весомый вклад в развитие ярославского туризма.

На данный момент общественность Ярославля готовится ко II Международному благотворительному фестивалю уличных театров. По многочисленным просьбам жителей и гостей города, театров и деятелей культуры оргкомитет решил увеличить сроки проведения Фестиваля. В 2013 году Фестиваль будет длиться целую неделю: с 24 по 30 июня.

Инициаторы и организаторы Фестиваля — выпускники детских домов, волонтеры и общественные деятели. Это некоммерческий, благотворительный проект гражданских инициатив Ярославля.

II Международный благотворительный фестиваль уличных театров 2013 года станет отправной точкой, стартовой площадкой еще одного  благотворительного проекта: «Караван фестивалей уличных театров мира» 2013 года.

Миссия Фестиваля

Фестиваль призван:
- синтезировать мировой опыт высоких искусств;
- создавать благоприятные условия для творческого развития и процветания разных видов искусства;
- развивать правильную  целенаправленную благотворительную и миротворческую деятельность;
- осуществить мечту Вячеслава Полунина «Караван мира» и воплотить в жизнь проект «Караван фестивалей уличных театров мира».

На данный момент создан международный оргкомитет, куда вошли общественники  ближнего зарубежья: Украины и Республики Беларусь.

Благотворительная миссия Фестиваля

Фестиваль является универсальной площадкой, на которой каждый человек, коллектив или организация имеют возможность внести посильную лепту, проявив себя как благотворитель, волонтер, спонсор или партнер, как активный участник, помощник или как один из организаторов — всё это на добровольческой основе.

Участие артистов в фестивале не основано на гонорарах. Своими благотворительными выступлениями они вносят творческую лепту во имя развития уличных театров. Если артисты желают использовать принцип «шляпы», то имеют на это полное право! Кроме того, они могут самостоятельно распорядиться заработанным. Собранные средства будут считаться пожертвованиями и могут предназначаться либо для самого коллектива, либо для нуждающихся. Артисты сами принимают решение и передают пожертвования тому, кому считают нужным. Никакого благотворительного фонда при фестивале существовать не будет.

По желанию и возможностям коллективов им также будут предложены благотворительные выступления в специализированных учреждениях для социально незащищенных людей (в больницах, реабилитационных центрах, детских приютах).

Благотворительная миссия несет в себе и воспитательный характер. Фестиваль призван способствовать развитию и укреплению системы волонтерской деятельности, приводить людей к пониманию целенаправленной волонтерской деятельности, а в будущем — и к правильной благотворительности. Важно, чтобы волонтер выступал не только в роли хорошего исполнителя, но и мыслящего организатора. Это относится и к благотворителям. Волонтеры фестиваля — это новаторски думающие люди. Поэтому основную организацию фестиваля курируют сами волонтеры, а именно общественная структура — Общее собрание волонтеров фестиваля.

Правильная благотворительность, по мнению организаторов, основана, в первую очередь на активности благотворителя в мероприятии, на его соучастии. Его помощь состоит не только в выделении денежных средств (или какой-то продукции), но и в желании погрузиться в данную идею, тему и заинтересованности в дальнейшем развитии проекта. Именно к такому подходу призывает данный фестиваль.

Одна из задач благотворительной миссии фестиваля — привлечь как можно больше людей (горожан, организаций, учреждений) к волонтерской, благотворительной деятельности, так как организаторам важно, чтобы по завершении фестиваля количество людей, желающих помогать другим людям, росло.

Фестиваль уличных театров в Ярославле — это не коммерческий, а социально-культурный, социально значимый проект. Это благотворительная лепта его авторов и организаторов, общественных деятелей, творческих людей, волонтеров и благотворителей.

В программе Фестиваля запланированы следующие мероприятия:

- выступления профессиональных и непрофессиональных театров, работающих в жанре уличного искусства, на центральных улицах и площадях города Ярославля;
- гала-концерт, посвященный церемонии открытия и закрытия Фестиваля, с участием всех приглашенных театров, коллективов (пройдет на стадионе «Спартаковец»);
- карнавальное шествие  с участием ярославцев и всех приглашенных коллективов;
- пресс-конференции с участниками и гостями Фестиваля;
- работа «Режиссерской лаборатории» для коллективов;
- благотворительные акции, в том числе ориентированные на воспитанников и выпускников детских домов. Основной благотворительный акцент будет сделан на помощь социально значимому проекту «Поселение выпускников детских домов “Гостевой дом”».

Фестиваль приглашает к участию в том числе:

- негосударственные театры и творческие коллективы, которые работают в уличном жанре;

- реформаторские театры авангардных течений и абсурда;

- театры с эстетикой футуризма, дадаизма, сюрреализма;

- театры, работающие с приемами  теневых, пластических, музыкальных, звуковых ассоциативностей;

- театры, живущие и развивающиеся в синтезе искусств.

Фестиваль является универсальной площадкой для творческих гражданских инициатив и дает им возможность внести благотворительную лепту — лепту артиста, который участвует в Фестивале без  гонорара.

Фестиваль приглашает к активному участию детские дома России.

Рабочая обзорная программа Фестиваля

24 июня, понедельник:
- день заезда, размещения и знакомства участников, почетных гостей;
- пресс-конференция.

25 июня, вторник:
- карнавальное шествие;
- гала-концерт, посвященный церемонии открытия Фестиваля и проекта «Караван фестивалей уличных театров мира»;
- работа уличных площадок «Синтез искусств» на центральных улицах Ярославля.

26 июня, среда:
- день, посвященный участникам и почетным гостям: знакомство с городом, экскурсии, неформальные творческие встречи.

27 июня, четверг:
- работа уличных площадок «Синтез искусств» на центральных улицах Ярославля, в населенных пунктах Ярославской области;
- работа «Режиссерской  лаборатории» для коллективов.

28 июня, пятница:
- день благотворительных акций;
- работа круглого стола Международного общественного оргкомитета  благотворительного проекта «Караван фестивалей уличных театров мира».

29 июня, суббота:
- гала-концерт, посвященный церемонии закрытия Фестиваля и продолжению проекта «Караван фестивалей уличных театров мира»;
- пресс-конференция;
- праздничный фуршет.

30 июня, воскресение:
- день отъезда участников, почетных гостей.

P.S.: Более подробная программа Фестиваля, а также маршрут карнавального шествия будут представлены оргкомитетом в мае 2013 года.

Условия участия в Фестивале

а) Условия участия коллективов
1. Фестиваль берет на себя расходы, связанные с оплатой проживания и питания участников в Ярославле (на период участия в Фестивале). Расходы, связанные с оплатой проезда коллективов до и внутри Российской Федерации, Фестивалем не оплачиваются.
2. Фестиваль не оплачивает гонорар коллективам. Выступление коллективов является благотворительной творческой лептой.
3. Участники берут на себя оплату проезда до центрального аэропорта страны своего проживания.
4. Фестиваль не берет на себя расходы, связанные с получением въездных виз в Российскую Федерацию участниками Фестиваля, кроме оплаты оформления визовой поддержки в Представительстве МИД РФ в Ярославле. Фестиваль готов способствовать ускорению процесса выдачи виз посольствами и консульствами РФ.
4. Фестиваль готов рассматривать технические и финансовые условия.

б) Требования к коллективам
1. Отправить на электронный  адрес Фестиваля заявку (в произвольной форме, с наличием технического райдера) сроком до 20 января 2013 года. Приложить анонс спектакля и 3- 5 фотографий сцен  постановки хорошего качества (не менее 1 МБ, для афиш и СМИ).
2. Отправить на электронный адрес Фестиваля видеозапись постановки, перформанса и т.д. (хорошего качества, для использования материалов в СМИ).

Оргкомитет  оставляет за собой право вносить незначительные изменения в программу мероприятий 24-30 июня 2013 года, оповестив всех участников за неделю до начала Фестиваля.

♦♦♦♦♦♦♦

Группа Фестиваля в социальной сети «ВКонтакте»: vk.com/fest_teatr

Сайт Фестиваля: ulichnyi-festival.ru

E-mail: theatre.yarfestival@gmail.com 

Марина Акишина
Автор, президент II Международного благотворительного фестиваля уличных театров в Ярославле. Тел.: +7 905 135 93 23

Наталья Орлова
Директор II Международного благотворительного фестиваля уличных театров в Ярославле. Тел.: +7 903 638 34 79

Время: с 14 декабря 2012 года по 10 февраля 2013 года (часы работы: ежедневно с 10:00 до 19:00 [кассы до 18:00]; по четвергам с 10:00 до 21:00 [кассы до 20.00]; понедельник — выходной)

Место: Москва, Россия; ГМИИ имени А.С. Пушкина, основное здание; ул. Волхонка, 12 (ближайшая станция метро «Кропоткинская»)

Событие: Выставка «Лоренцо Лотто. Ренессанс в провинции Марке. Картины из итальянских собраний»

Стоимость билета на выставку для граждан РФ составляет 300 руб.

Благодаря новой выставке в ГМИИ имени А.С. Пушкина российские любители искусства впервые имеют возможность достаточно подробно познакомиться с творчеством Лоренцо Лотто (Lorenzo Lotto) (1480-1556), одного из крупнейших итальянских мастеров Высокого Возрождения, чинквеченто. В этот период в Италии работало столько гениев живописи, что за их могучими спинами легко мог затеряться даже недюжинный талант. Именно так произошло с Лоренцо Лотто, который, к тому же, был художником весьма самобытным и независимым, да еще и обладал неуживчивым, беспокойным нравом и не был склонен к созданию идеализированных образов. Немалую роль сыграло и то, что Лотто, хотя и был по рождению венецианцем, работал в основном не в крупных художественных центрах того времени (Риме, Флоренции, Венеции), а в провинциальных городах Северной Италии и области Ма́рке в центре страны. В общем, вскоре после его смерти о Лотто очень надолго забыли.

Лишь в конце XIX века Лоренцо Лотто воскресил для общественности критик Бернард Беренсон, большой специалист по части итальянского Ренессанса. После этого художником стали активно заниматься искусствоведы, а в 1953 году в Италии состоялась большая выставка, где этот своеобразный мастер был заново открыт и признан. В последние годы о нем было написано много статей и книг, а совсем недавно, в 2012 году, в Италии прошла обширная выставка, в полном объеме представившая творчество этого необычного художника, с таким опозданием заслужившего посмертную славу и так до конца и не вышедшего из тени своих великих современников.

На выставке в Москве демонстрируются десять произведений Лоренцо Лотто — не слишком много, но достаточно, чтобы составить представление о творчестве не самого известного, но, безусловно, выдающегося итальянского живописца первой половины XVI века. Даже эти немногочисленные работы ярко показывают, насколько оригинально, неожиданно, по-своему художник трактовал даже самые распространенные сюжеты.

Экспонаты прибыли в основном из небольших музеев области Марке, где художник провел значительную часть жизни, а также из Квиринальского дворца в Риме и Академии Каррары в Бергамо. Многие из этих шедевров редко покидают пределы Италии, и тем более ценно, что они какое-то время будут гостить в России.

Представленные на выставке в ГМИИ им. А.С. Пушкина картины были написаны Лоренцо Лотто в разные годы, но все они созданы для городов области Марке, расположенной в Центральной Италии на восточном адриатическом побережье Аппенинского полуострова (в первую очередь это города Анкона, Реканати, Ези, Лорето). Художник неоднократно возвращался в эту провинцию для выполнения частных и церковных заказов. Впервые он поехал туда в 1506 году для создания большой алтарной композиции в церкви San Domenico в городе Реканати. Впоследствии он возвращался в область Марке не раз, и там же, при храмовом комплексе Санта Каза (Святой дом Богородицы) в Лорето он окончил свои дни обездоленным и одиноким человеком.

Шедевры Лоренцо Лотто из городов региона Марке

Самая ранняя из представленных на выставке работ Лоренцо Лотто — совсем небольшая картина «Св. Иаков странник» (San Giacomo pellegrino/San Giacomo Maggiore) (1511-1513), хранящаяся в пинакотеке города Реканати (Museo civico Villa Colloredo Mels), где она и была написана. Картина изображает апостола Иакова Старшего (Иакова Зеведеева) в образе паломника и ранее находилась в посвященной этому святому часовне. Работа была написана Лоренцо Лотто после посещения Рима, где он вместе с Рафаэлем работал над росписью Ватиканских станц (в 1511) (его рросписи в Риме не сохранились).

Однако по своему художественному решению картина свободна от влияния классических образцов, а указывает скорее на контакты с заальпийской культуры и особенно — знакомство с творчеством Альбрехта Дюрера. Святой представлен в виде зрелого мужчины с печальным, утомленным лицом. Он изображен с традиционными атрибутами, книгой и посохом, в классическом плаще паломника, а у его ног на земле лежат фляга, перемётная сума и шляпа с ракушкой (раковина Св. Иакова является символом пилигримов и странников — видимо, этот образ был близок и самому Лоренцо Лотто). В этой картине сразу просматривается несколько примет, характерных и для будущего искусства Лотто. Так, например, почти во всех его произведениях встречается изображение пейзажа. В данном случае это, возможно, изображение порта городка Реканати. Сама фигура Иакова, несмотря на весьма скромные размеры картины, поражает мощью и статью.

Лотто работал не только в области религиозной живописи. Он также создал обширную галерею портретов и по праву считается одним из ведущих мастеров этого жанра. Об этой стороне его творчества помогает составить представление знаменитый «Портрет Лючины Брембати» (Ritratto di Lucina Brembati) (ок. 1518) из собрания Академии Каррара в Бергамо. Работа подтверждает славу Лоренцо Лотто как прекрасного портретиста, мастера тонких психологических характеристик. Мы видим фигуру молодой дамы на фоне ночного неба. Женщина смотрит прямо на зрителя, с гордостью демонстрируя свой наряд, богатые драгоценности и прическу, выписанные художником с необычайной тщательностью. Не вызывает сомнений, что художник далек от желания создать идеальный образ портретируемой. Напротив, портрету не чужда определенная ирония и очень личное отношение художника к модели. Отступая от господствовавшей в Венеции тенденции к идеализации образов, Лотто придерживается реалистичного подхода и не боится изобразить асимметричные черты лица, тяжелый подбородок, малосимпатичный нос и острый взгляд.

Интересно, что имя изображенной на портрете дамы было установлено лишь в начале XX века. На принадлежность женщины к известной семье Брембати указывает герб, украшающий ее кольцо на левой руке, а имя Лючина (Lucina) зашифровано в следующем ребусе: буквы «CI» на фоне луны (luna) в соединении дают имя «Lu-CI-na». Отметим и еще одну любопытную деталь. Предполагают, что наличие на портрете луны (Лючина или Луцина, то есть «светлая», — один из эпитетов богини Юноны, покровительницы брака и материнства, а для эпохи Возрождения, как известно, было характерно обращение к античности), а также жест правой руки дамы намекают на то, что эта женщина беременна.

К подлинным шедеврам Лоренцо Лотто принадлежит замечательная картина «Мистическое обручение св. Екатерины» («Мистический брак») (Matrimonio mistico di santa Caterina d'Alessandria/Nozze mistiche di Santa Caterina) (1523), также из собрания Академии Каррара в Бергамо. Слева от Мадонны на картине представлен заказчик произведения, Николо Бонги (Niccolò Bonghi). Полотно было написано в Бергамо — городе, для которого Лотто выполнил большое количество произведений в период с 1513-го по начало 1520-х годов. На картине изображен момент, когда младенец Христос надевает обручальное кольцо на палец святой Екатерины.

Действующие лица выдвинуты на передний план, причем три персонажа смотрят на зрителя и взывают к диалогу: Мадонна, святая Екатерина, а также сам заказчик картины (стоит обратить внимание на скошенный взгляд святой Екатерины — этот фирменный прием Лоренцо Лотто многократно использовал и в других своих работах). Картину отличают широкие плоскости интенсивного цвета, множество изысканных деталей, тонкие движения тел и рук персонажей и знаменитые наклоны голов, характерные для многих работ Лотто. Фигура заказчика выделяется среди них строго выдержанной вертикалью.

Персонажи картины изображены на фоне парапета, через который перекинут ковер с восточным орнаментом. По воспоминаниям современников, за ним открывался изумительный пейзаж с видом на гору Синай (вероятно, он был написан с реальных пейзажей области Марке). В 1527 году, когда французские войска находились в Бергамо, один из наемных солдат вырезал этот фрагмент картины и увез с собой. Теперь эта часть картины густо закрашена серой краской, и мы, наверное, уже никогда не узнаем, как выглядел этот пейзаж.

Некоторые из представленных на выставке работ в прошлом были частями алтарных композиций, но дошли до нас лишь во фрагментах. Это относится, в частности, к композиции «Благовещение», которая состоит из двух отдельных изображений Девы Марии и ангела (Angelo Annunciante e Vergine Annunciata) (ок. 1525-1527), некогда служивших боковыми створками алтаря. Сегодня эти две картины хранятся в пинакотеке города Ези (Jesi, Pinacoteca civica e galleria di arte contemporanea). Сцена Благовещения решена художником в совершенно новом, независимом ключе, не похожем на известные интерпретации этого религиозного сюжета. Лотто чрезвычайно тонко чувствует движение и цвет и доносит до зрителя глубинный смысл евангельского события. Особенно выразителен ангел, облаченный в голубой развевающийся плащ, напоминающий легкую воздушную пену. Этот изумительный образ с очень сложным движением одновременно стоит на земле и парит в воздухе, зависает в невесомости. Фигура ангела изображена в динамичном движении вперед, тогда как коленопреклоненная Мария отпрянула назад, вскинув руки с раскрытыми ладонями. Ангел приносит благую весть о том, что Мария станет матерью Христа, но Мария, воспринимающая это известие, явно удивлена и смущена. Жесты ее рук выражают скорее трепет и отталкивание. Обе фигуры как бы светятся изнутри, что превращает сцену в небесное мистическое событие. Теплый красный оттенок одеяния Марии контрастирует со светящимся голубым цветом плаща небесного посланника, что создает наглядное противопоставление двух миров.

Среди других работ Лотто, посвященных религиозной тематике, — большая картина «Святое семейство со Святой Екатериной Александрийской» (Sacra Famiglia con santa Caterina d'Alessandria) (1533), написанная, однако, не для церкви, а в качестве молельного образа для частного лица. Этот шедевр Лоренцо Лотто хранится в Бергамо, в Академии Каррара. Всё необычно в этой композиции, построенной на асимметричном расположении фигур, которое нарушает обычную схему изображения данного сюжета, но вносит в произведение необычайную динамику.

Авторская трактовка этого многократно изображавшегося сюжета отмечена эмоциональной напряженностью сцены и необычностью композиции. В центре картины, вопреки всем канонам, оказывается не Дева Мария, а святой Иосиф.

Мария же смещена влево, а у ее ног на каменной плите лежит, прикрыв глаза, младенец Иисус, над которым Иосиф держит белую ткань. Символическое толкование этих деталей очевидно: белый плат и каменная плита намекают на грядущую искупительную смерть Христа, олицетворяя, соответственно, саван и надгробие. На втором плане изображено раскидистое дерево — смоковница, отсылающая к идее первородного греха (Адам и Ева прикрыли свою наготу листьями смоковницы).

«Святое семейство» Лоренцо Лотто является одним из наивысших образцов колористического мастерства этого художника, создавшего удивительную по красоте гамму оттенков. Игру цвета живописец обогащает вибрацией складок и светотени, что делает композицию чрезвычайно подвижной как в смысле визуальном, так и эмоциональном. В очередной раз, как и во многих других картинах Лотто, нас поражает сложное переплетение и пересечение взглядов и жестов действующих лиц, особенно Марии и Иосифа. Не характерные для тициановской моды того времени контрасты диссонирующих цветов также свидетельствует о самобытности творчества Лотто.

В регионе Марке Лоренцо Лотто в основном выполнял заказы религиозного характера, предназначенные для церквей — большие алтарные образы. В частности, на выставке можно увидеть гигантскую композицию «Мадонна, коронуемая ангелами, с младенцем и святыми Стефаном, Иоанном Евангелистом, Матфеем и Лаврентием», которая хранится в городской пинакотеке Анконы (Pinacoteca civica Francesco Podesti, Ancona). Другое название этого произведения — «Алтарь алебарды» (Pala dell'Alabarda). Эта монументальная алтарная композиция была выполнена ок. 1539 года для церкви Sant'Agostinoв городе Анкона.

Как и в других религиозных произведениях Лоренцо Лотто, здесь главенствует идея сострадания, объединяющая в небесное сообщество Мадонну, младенца Христа и святых, молящих о заступничестве и покровительстве. Картина выдержана в духе традиционной иконографии, получившей название  Святого собеседования (Sacra Conversazione) (особенно распространенной в ту эпоху в Венеции), но имеет свои особенности. В центре картины изображена восседающая на троне Мадонна с младенцем, окруженная фигурами четырех святых и коронуемая ангелами. Слева представлены Стефан Первомученик, забитый за свою веру камнями, и евангелист Иоанн, автор Апокалипсиса, справа — апостол Симон Кананит и христианский святой Лаврентий. Взгляды двух персонажей обращены не на Марию с младенцем, а на зрителя, что необычно для композиций подобного типа, но отражает желание художника включить и нас в этот диалог. Как и в других произведениях мастера, симметрию разбивают многообразные жесты и позы персонажей. Вся композиция окутана всполохами света, что создает эмоциональное напряжение, характерное для работ Лоренцо Лотто.

Великомученик Симон опирается на сломанную и перевернутую алебарду, откуда и происходит второе название композиции. Этот алтарный образ был заказан Лотто всего через шесть лет после переворота, в результате которого город вошел в состав Папской области. Сопротивление местного населения было кроваво подавлена, многие бунтовщики были обезглавлены по приказу папского легата, и память об этих событиях была еще жива. В связи с этим предполагают, что сломанная алебарда служит символом надежды на мир.

Относительно небольшая картина «Святой Рох» (San Rocco) была написана Лотто в 1549 году и находится сегодня в городе Урбино (Urbino - Galleria Nazionale delle Marche). Рох из Монпелье (ок. 1295- 1327) — очень почитаемый христианский святой, и его изображения весьма распространены в искусстве XVI века. Рох был знаменитым целителем и заботился о больных чумой. Однажды он и сам заразился этой болезнью, но исцелился благодаря собаке, которая принесла ему хлеб. Вернувшись в родной город после исцеления, Рох был посажен в тюрьму как шпион. В заключении он и скончался. Святого Роха похоронили в Монпелье, но уже в 1485 году его мощи похитили венецианцы, создавшие религиозное братство его имени — благотворительное общество Скуола Сан-Рокко (Scuola Grande di San Rocco), известное тем, что его здание в Венеции расписал Тинторетто.

«Святой Рох» Лоренцо Лотто ранее являлся частью алтарной композиции (диптиха). Как и на других классических изображениях, святой поднимает одежду, указывая на чумную язву на левой ноге. Паломнический посох также является характерным иконографическим атрибутом этого святого.

Завершает экспозицию картина «Принесение во храм» («Сретение Господне») (Presentazione al Tempio) (1554-55), которая находится в Лорето, в Музее-пинакотеке (Museo pinacoteca) храма Santa Casa (Святой дом Богородицы). Большинство исследователей признаёт ее последней работой мастера. Картину даже называют художественным и духовным «завещанием» мастера. Исходя из некоторой непрописанности образов и блеклой гаммы, многие считают, что картина не закончена. Другие предполагают, что это был сознательный выбор художника в пользу предельной сдержанности и скупости изобразительных средств.

Так или иначе, картина полностью отражает состояние духа художника и его отношение к жизни. Особая живописная манера и горькое трагическое ощущение позволяет специалистам сравнивать это произведение с картинами жившего целым веком позже Рембрандта.

В нижней части композиции помещена сама сцена Сретения (Марию с младенцем Иисусом встречают в храме Симеон Богоприимец и Анна Пророчица), а наверху изображен интерьер храма (по-видимому, реального храма в Лорето). Из этого сумрачного пространства выглядывает бородатый монах (некоторые считают, что это автопортрет пожилого Лоренцо Лотто). Встречающие Спасителя три священника, стоящие один позади другого, иногда трактуются как символическое изображение трех возрастов человеческой жизни. Покрытый белым полотном престол с четырьмя вполне человеческими ногами, очевидно, олицетворяет тело Христово, его искупительную смерть.

Если присмотреться к действующим лицам, то, помимо священников, мы увидим странников, народные типы, которых часто видел во время своей скитальческой жизни Лоренцо Лотто. Это произведение, волнующее своей мистической атмосферой и эмоциональной напряженностью, завершает сложный и не очень счастливый путь художника, закончившего свои дни в благотворительном приюте в Лорето.

♦♦♦♦♦♦♦

Выставка картин Лоренцо Лотто, столь непохожих на творения Рафаэля, Леонардо, Микеланджело и Тициана, расширяет наши представления об искусстве итальянского Ренессанса, приоткрывает неожиданный образ Высокого Возрождения — не идеально-возвышенного и безмятежного, а тревожного и эмоционального, живого, оригинального и антиконформистского.

Лоренцо Лотто — исключительная фигура в итальянской художественной культуре XVI века. Внимание к психологической выразительности и эмоционально волнующим образам духовно роднит его с живописцами более поздних эпох. В творчестве Лотто видят новаторство, предвосхитившее важные линии развития позднейшего европейского искусства. Его называют предвестником Караваджо, а некоторые специалисты протягивают эту линию вплоть до Гойи.

Знаменитый искусствовед Роберто Лонги (1890-1970) через четыре столетия после кончины художника писал: «Если бы время смогло по достоинству оценить революционную суть искусства Лотто и он занял бы место духовного пастыря живописцев, то тогда, возможно, венецианское искусство развивалось бы в дальнейшем в направлении к Рембрандту, а не Тинторетто».

Дополнение. Неприкаянный Лоренцо Лотто (о жизни и творчестве художника)

Венецианец по рождению, Лоренцо Лотто уехал из родного города в юном возрасте и впоследствии приезжал сюда лишь эпизодически, не вписываясь в атмосферу враждебности и острого соперничества между Тицианом и другими художниками. Как уже было сказано, чаще всего он получал заказы в провинциальных городах, причем, будучи скитальцем по натуре, непрерывно переезжал, нигде не оставаясь надолго. Впрочем, причиной частых переездов, вероятно, была не только независимость его натуры, но и постоянные поиски заказчиков, поскольку творчество Лотто далеко не всем приходилось по вкусу.

Живописцу были чужды идеалы безупречного гармоничного человека эпохи Возрождения. Он видел жизнь более непосредственно и эмоционально, проявлял интерес к приметам народной жизни, создавал волнующие образы, которые не успокаивают, а будоражат зрителя. Лотто не подражал своим великим современникам, но всегда оставался верен самому себе, с годами всё острее ощущая, что его искусство чуждо родному городу.

Уже в своем раннем творчестве Лотто был далек от лирической созерцательности венецианских картин. В его работах постепенно начинают доминировать драматические интонации, он развивает тему диалога, сострадания, обращается к зрителю с призывом к соучастию и сопереживанию. Его единомышленником становится немецкий художник Альбрехт Дюрер, второй раз посетивший Венецию в 1505-1506 гг.

Скорее всего, Лотто и Дюрер были знакомы лично. В богатейшей графической коллекции Лотто насчитывалось немало гравюр Дюрера. Неслучайно также и то, что в течение долгих лет Лотто хранил портрет реформатора и богослова Мартина Лютера. Всё это указывает на его контакты с северной заальпийской культурой, увлечение идеями Реформации и творчеством художников Германии и Нидерландов. Неудивительно, что многие произведения Лоренцо Лотто отличаются остротой характеристик, реализмом деталей, экспрессией и мистическими пейзажными вставками, характерными для северного искусства.

В 1508-1509 гг. Лотто пригласили в Рим для росписи покоев верхних этажей Ватиканского дворца. Здесь он познакомился с искусством Рафаэля и Браманте, что оставило след в его творчестве, хотя и не затронуло его сути. У художника появилось новое чувство масштаба, что проявилось уже в первых работах, выполненных Лотто в Бергамо, куда он переехал в 1513 году по приглашению местного аристократа Алессандро Мартиненго.

В Бергамо Лотто выполняет динамичные и полные внутреннего напряжения алтарные образы для церквей San Bartolomeo, San Bernardino и Santo Spirito, а также выдающийся цикл фресок для частной молельни загородного имения семьи Суарди (Cappella Suardi) в городке Трескоре-Бальнеарио.

В 1525 году Лотто едет в Венецию, где много работает над частными заказами. В этот период он в основном пишет портреты. Всего им создано свыше 40 портретных изображений, которые отличает особая эмоциональная глубина и очень личное отношение к модели. Индивидуальным чертам модели в портретах Лотто отвечает и выбор атрибутов (письма, книги, осыпавшиеся лепестки роз...), несущих символическое значение и играющих очень важную роль для понимания личности изображенного.

С конца 1520-х годов Лотто особенно тесно сотрудничал с городами области Марке. Он создает монументальные алтарные образы для церквей и небольшие молельные картины для частных заказчиков. Особенно стоит выделить выполненный в 1532 году алтарь Св. Лючии, отмеченный необычайной свежестью и светоносностью палитры.

Последние годы жизни живописец также провел в области Марке, не имея близких и имущества. Он жил близ Анконы, в Святом доме Богородицы (Santa Casa) в Лорето, где и скончался.

♦♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. О выставке Лоренцо Лотто на официальном сайте Пушкинского музея в Москве

2. Пятое измерение Ирины Антоновой. О выставке "Лоренцо Лотто. Ренессанс в провинции Марке. Картины из итальянских собраний"

3. Сайт, посвященный творчеству Лоренцо Лотто в области Марке

4. Произведения Лоренцо Лотто разных периодов, статья в Википедии

5. Художественное преуменьшение. Анна Толстова о выставке «Лоренцо Лотто. Ренессанс в провинции Марке. Картины из итальянских собраний»

6. Лоренцо – великолепный. В ГМИИ открылась выставка полотен Лоренцо Лотто — незаслуженно малоизвестного мастера Возрождения

7. Сочувствовать и сопереживать: Лоренцо Лотто в музее изобразительных искусств

Время: с 7 июля по 31 августа 2011 года, для посетителей выставка открыта ежедневно с 12 июля по 31 августа, с 10 до 22 часов

Место: Санкт-Петербург, Россия; пляж Петропавловской крепости, Заячий остров; цена билета для взрослых 200 руб. (для льготников — 100 руб.), фотографировать можно бесплатно

Событие: Международный фестиваль (выставка) песчаных скульптур-2011, «Шедевры мировой культуры»

Этим летом на пляже Петропавловской крепости в Петербурге по традиции проходит Международный фестиваль песчаных скульптур.

Мы отправились на выставку на Заячьем острове в почти прохладный воскресный день, воспользовавшись коротким затишьем в знойном натиске питерского лета, которое даже уже нельзя назвать рекордно жарким, до того привычной стали эти аномальные температуры в наших широтах.

В этой заметке мы хотели бы поделиться своими впечатлениями и фотографиями с петербургского фестиваля песчаных скульптур-2011. Наш фотоотчет о предыдущих выставках можно посмотреть в разделах «VIII Международный фестиваль песчаных скульптур в Санкт-Петербурге» и «IX Международный фестиваль песчаных скульптур в Санкт-Петербурге».

На этот раз фестиваль проводится уже в десятый раз, и чувствуется, что за эти годы он заметно окреп: увеличилось число участников, расширилась их география, выросло количество работ. Пожалуй, столь пестрого спектра мастеров не наблюдалось еще ни на одном питерском фестивале песчаных скульптур. Только представьте: в этому году мы получили возможность любоваться песчаными изваяниями художников аж из 16 стран мира, причем не только из Европы, Прибалтики и стран СНГ.

В фестивале принимают участие более 30 команд, представляющих такие разные страны, как Австралия, Австрия, Венгрия, Германия, Дания, Западная Африка (впервые), Италия, Латвия, Литва, Португалия, Россия, Сирия, Украина, Финляндия, Чехия и Швейцария. Все мастера по традиции работали в парах, и общее количество участников составило 58 человек. Все они вошли в состав участников конкурса после тщательного отбора эскизов и на основании отзывов организаторов выставок песчаной скульптуры в других странах.

Похоже, организаторам выставки удалось добиться своей цели — вывести фестиваль на международный уровень по количеству и качеству работ, а также общему статусу конкурса среди мировых культурных событий. Действительно, с каждым годом в фестивале участвует всё больше прославленных скульпторов по песку. В то же время он интересен тем, что здесь можно увидеть и работы людей, которые не являются профессиональными скульпторами или архитекторами, однако считают ваяние песчаных скульптур своим хобби и уже сумели достичь в этом искусстве немалых высот.

Приятно, что выставка служит и еще одной благородной цели: популяризации петербургской культуры в мире. Поэтому не удивительно, что петербургская тема — в первую очередь, изображение питерских памятников архитектуры — нашла отражение в нескольких работах конкурсантов.

Как и в прошлом году, песок для создания скульптур специально доставлялся на пляж Петропавловской крепости с карьеров Ленинградской области. Это не простой, а тщательным образом отобранный мелкозернистый песок, чуть липкий, с достаточной примесью глины — в общем, идеально подходящий для того, чтобы материал хорошо трамбовался и фигуры долго держали форму.

Технология создания песчаных скульптур всё та же, традиционная: песок засыпают в опалубку, утрамбовывают тяжелой колотушкой и постоянно поливают водой, затем опалубку снимают и приступают к резьбе. По мере готовности верхних частей, опалубка разбирается, и пирамида песка постепенно превращается в песчаную скульптуру.

Основные материалы скульпторов по песку — самые простые: песок да вода. Однако чтобы структура сооружения удерживалась как можно дольше, законченные скульптуры в конце опрыскиваются стабилизирующим покрытием: смесью клея ПВА с водой. Закрепленные таким образом песчаные композиции могут, невзирая на дожди и ветер, простоять не один месяц. Основные рабочие инструменты — тоже нехитрые: лопата, мастерок, бутылка с водой. По желанию мастера в ход также могут идти другие инструменты для строительства или живописи, а что-то делается просто руками. Согласно требованиям фестиваля, композиции из песка не могут превышать определенных параметров: они должны быть не более двух с половиной метров в высоту и не более трех метров в ширину.

Среди членов жюри фестиваля — известные скульпторы, художники, критики, представители Государственного Эрмитажа, Государственного Русского музея, Государственного музея изобразительных искусств имени Пушкина, Третьяковской галереи и других.

В жюри вошли, в частности, председатель Комитета по культуре Санкт-Петербурга Антон Губанков, заместитель директора Музея истории Санкт-Петербурга Александр Бушмакин, заместитель директора Музея городской скульптуры Надежда Ефремова, Генеральный консул Венгрии Сергей Сюч и другие видные чиновники и деятели искусства.

Торжественное открытие конкурса и жеребьевка состоялась 7 июля. Затем мастера приступили к работе. На выполнение скульптур командам было отведено 5 дней. Наконец, 12 июля жюри оценило представленные произведения, были подведены итоги и состоялась церемония награждения и официального открытия выставки песчаных скульптур. Так что с 12 июля фестиваль работает уже в режиме открытой для всех выставки, которая продлится до конца лета.

Тема для нынешнего, юбилейного, фестиваля песчаных скульптур заявлена предельно широкая: «Шедевры мировой культуры». Если в прошлом году участники создавали из песка произведения на тему мирового кинематографа, то в этот раз простор для фантазии еще больше. «Песочных дел мастера» получили возможность запечатлеть в песке не только образы известных достопримечательностей из области скульптуры и архитектуры, но и обратиться к другим видам искусства: живописи, литературе, музыке, тому же кинематографу... Более того, скульпторы смогли воплотить в песке не только прославленные произведения искусства, но и портреты знаменитых личностей: художников, композиторов и т.д., а также придумать разнообразные философские, фантастические, коллажные композиции.

Скульпторы и вправду подошли к вопросу довольно изобретательно и не стали ограничиваться лишь классическими, античными образцами (на что намекала афиша фестиваля), а расширили понятие культуры, включив в него в том числе и массовую, поп-культуру (в частности, в виде героев мультипликации и творений Энди Уорхола). Такая трактовка темы оказалась очень неожиданной и привнесла в выставку свежую нотку современности.

Порадовала и географическая широта представленных сюжетов (что отчасти объясняется разнообразным составом участников, стремившихся показать богатство и уникальность культуры своей страны): зрители смогли увидеть и древнегреческие вазы, и истуканов с острова Пасхи, и Сиднейский оперный театр, и Пизанскую башню, и статуи крылатых духов из Ассирии, и фигуру индуистского бога Ганеша, и разнообразные пагоды, мечети и храмы...

Главной задачей каждого скульптора явилось максимальное раскрытие заданной темы. Во всяком случае, это играло основную роль при оценке работ членами жюри. Мы же, как обычные зрители, обращали внимание в первую очередь на оригинальность сюжетов, фантазию автора и мастерство, с которым сделаны скульптуры.

Итак, посмотрим на некоторые произведения песчаного искусства, которые были созданы в этом году в Санкт-Петербурге. Начнем, как обычно, с победителей.

Первое место на фестивале завоевала композиция «Лепестки мироздания», авторы которой — Агнесе Рудзите (Agnese Rudzite) и Карлис Иле (Kārlis Īle) из Латвии. Агнесе Рудзите живет в Риге и является профессиональным скульптором, художником и декоратором. Вместе с Карлисом Иле она также работает в жанре ледовой скульптуры.

Представленная латвийской командой композиция изображает женщину как символ творчества. Скульптура состоит из трех совершенно разных женских фигур (Богоматерь, Нефертити и кубическая девушка Пикассо), которые, как лепестки, обрамляют земной шар. Идея скульптуры состоит в том, что весь мир держится на женщинах. В работе латвийских скульпторов воплотилось женское начало и его роль в развитии мира. Образы выбраны очень яркие и выразительные, символизирующие Искусство, Знание и Творчество как различные женские ипостаси, лепестки мироздания.

Особенно поразил нас в этой композиции даже не выбор образов (хотя сочетание Богоматери и кубической девушки, безусловно, необычно), а мастерство и тщательности их проработки и очень высокое художественное качество. Полюбуйтесь, например, на нежный и волнующий лик Богоматери, вылепленный с какой-то особой бережностью. Не менее сильное впечатление, впрочем, оставила и кубическая девушка Пикассо. Образы современного искусства вообще встречаются на фестивалях песчаной скульптуры довольно редко. А здесь они еще и воплощены с таким мастерством и вкусом.

Второе место на конкурсе заняла работа «В Дали», авторы которой — Эдуард Абдулганиев и Теймур Абдулганиев из Ижевска. Это как раз один из тех нечастых случаев, когда скульпторы по песку затронули в своей работе тему современного искусства. Композиция посвящена сюрреалистическим образам в творчестве Сальвадора Дали, той таинственной и загадочной реальности, в которую в его работах преломляется восприятие мира. Как утверждают авторы, самая главная потребность художника — открыть глазам зрителя ларец, в котором лежит пылающее сердце творца. И ларец этот, искусно сделанный в виде выдвижного ящика, действительно присутствует в песчаной композиции.

В работе также использованы образы из знаменитой картины Сальвадора Дали «Утекающее время», известной также под альтернативными названиями «Мягкие часы» (Les Montres molles) и «Постоянство памяти» (La Persistance de la mémoire). На этом полотне часы свисают и растекаются по поверхностям подобно расплавленному на солнце камамберу, который и вдохновил сюрреалиста на написание этого необычного каталонского пейзажа. В Лондоне музей Сальвадора Дали находится прямо напротив Биг-Бена, отсюда, очевидно, и возник символ английской столицы, также частично размягченный и будто пришедший в движение вместе с шарфом длинноусого Сальвадора.

Третье место на конкурсе заняла работа, посвященная музыкальному искусству. Композицию «Музы маэстро Паганини» («Таинственный маэстро Паганини») создали Сергей Целебровский из города Жуковский Московской области и Сергей Заплатин из Екатеринбурга. С работами Сергея Заплатина мы уже встречались, например, на Восьмом и Девятом фестивале песчаных скульптур в Санкт-Петербурге. На этот раз композиция повествует о загадке Никколо Паганини, этого яркого виртуоза, открывшего миру новые горизонты скрипичной техники.

Основными элементами композиции является огромная скрипка, свитки нотных листов и красотка в венецианской гондоле, а также виды итальянских городов. Особую прелесть произведению придает интересная деталь: карнавальная маска и раскрытый футляр из-под скрипки, куда после открытия выставки посетители стали бросать мелочь. Между прочим, именно в Венеции Паганини познакомился с певицей Антонией Бьянки, которая подарила маэстро долгожданного сына. Известны также написанные им вариации «Венецианский карнавал». Отсюда, видимо, и родились образы Венеции в этой песчаной скульптуре.

Перейдем теперь к скульптурам, которые не завоевали призовых мест, но показались нам оригинальными и заслуживающими внимания.

Во-первых, стоит отметить очень позитивную и необычную композицию «Джузеппе Арчимбольдо. Осень». Авторы этой работы — Ева Карху из Финляндии и Мария Грозная из Австрии — воплотили в песке, в трехмерном измерении, одну из известнейших картин «отца сюрреализма» — итальянского художника, декоратора и «артистического директора» императора Максимилиана II, Джузеппе Арчимбольдо (1527-1593). С творчеством Евы Карху и Марии Грозной мы впервые познакомились на предыдущем фестивале песчаных скульптур. Их новая работа запомнилась неожиданным выбором темы и юмором.

Картина «Осень» (1573) относится к созданной Арчимбольдо серии аллегорий времён года и хранится ныне в Лувре. Полотно представляет собой фантастический портрет-коллаж, составленный из осенних овощей, фруктов, грибов, цветов и ягод. В этом антропоморфном образе наглядно видно, как умело Арчимбольдо использовал в своих картинах свойства оптической иллюзии, зрительные метаморфозы. В то же время в картине «Осень» нашла отражение тема среднего возраста, отмеченного обильным урожаем. Интересно, что винную бочку, из которой рождается голова этого чудо-человека, остроумные художницы дополнили плодами наших северных огородов — капустой и свеклой.

Постоянные участники питерского фестиваля песчаных скульптур Валерий Петренко (Украина) и Дмитрий Клименко (Россия, Санкт-Петербург) представили на этот раз композицию, посвященную науке как части мировой культуры, объединяющей всех людей. Свою работу они назвали «От бинома Ньютона до излучения Хокинга». Умелые портретисты, Валерий Петренко и Дмитрий Клименко создали двухстороннюю композицию, одну грань которой образует портрет Исаака Ньютона с непременным яблоком на голове, а другую — фигура физика Стивена Хокинга, который сидит в своеобразной нише, образованной париком Ньютона. Получилась скульптура с почти круговым обзором: со всех сторон можно увидеть что-то интересное.

Основной идеей композиции является большая роль науки в современном обществе и утверждение, что научный взгляд на вещи вовсе не исключает способности видеть красоту и поэзию природы. Напротив, ученый, возможно, способен видеть даже больше, чем художник.

Валерий Петренко — профессиональный скульптор, окончивший Академию им. И.Е. Репина; сейчас живет на Украине. Кроме фигур из бронзы и других традиционных материалов, Валерий уже много лет занимается созданием сезонной скульптуры. В сотрудничестве со своим другом, также профессиональным скульптором, Дмитрием Клименко из Ростова (Дмирий окончил Ростовское художественное училище им. М. Б. Грекова и  Санкт-Петербургскую художественно-промышленную академию), он создает композиции из снега, песка, льда. Валерий и Дмитрий принимают участие в большинстве фестивалей песчаной скульптуры в Петербурге и других городах России, а также за рубежом; несколько раз они занимали призовые места. Многим, например, запомнилась композиция «Собачье сердце», представленная этим российско-украинским дуэтом на прошлой выставке песчаных скульптур, где она завоевала специальный приз.

Андрей Александров из Челябинска и Татьяна Верхотурова из Санкт-Петербурга создали работу под названием «Творчество Альбрехта Дюрера». Композиция, как несложно догадаться, посвящена творениям этого величайшего мастера западноевропейского Возрождения. Художники поставили своей целью выразить творческую обстановку эпохи Дюрера (1471-1528). Повозка является символом творческого пути этого немецкого живописца и графика. В композиции нашли отражение мотивы, сопровождавшие Дюрера на протяжении всей жизни: «Мадонна с младенцем», «Житие Девы Марии», «Автопортрет».

Интересную работу представили российские мастера Павел Соловов и Сергей Асеев. Их произведение получило шутливое название «Раньше надо было думать!» Мы видим Мыслителя, который поддерживает падающую Пизанскую башню и думает, что делать. Тут же изображены персонажи последнего дня Помпеи, они в панике, а ангелы Рафаэля с неподдельным интересом наблюдают, что произойдет дальше. Авторам этого своеобразного коллажа из песка удалось соединить в своей работе сразу несколько знаменитых шедевров мирового искусства, да еще и обыграть эту, в общем-то, апокалиптическую тему в задорном духе.

Из персонажей мировой литературы на выставке можно было встретить Гамлета. Ваятели из Санкт-Петербурга Руслан Арсланбаев и Николай Коровин назвали свое творение «Гамлет Шекспира». Авторы скульптуры напоминают зрителям о том, что одиночество, неуверенность, метания Гамлета свойственны каждому человеку, переживающему разочарование. Этот герой Шекспира является знаковой фигурой в мировой культуре, и его история не потеряла актуальности и сегодня. Гамлет изображен в знаменитой сцене на кладбище. Он держит в руках череп Йорика, королевского шута.

Латвийские мастера Айнарс Зингникс и Зиле Озолиня-Шнейдер придумали интересную композицию «Аку-аку». Для своего творения они выбрали мотив знаменитых монолитных каменных истуканов с острова Пасхи в Тихом океане. Композиция названа в честь книги Тура Хейердала, в которой этот путешественник описал эти шедевры прошлого. Основной идеей работы является контраст простой, грубой каменной скульптуры с живой природой. Авторам хорошо удалось передать спокойное величие и фактуру этих могучих человеческих голов, называемых Моаи.

Очень понравилась сказочная композиция «Скульптура Ассирии». Ее авторы — Александр Скареднов из Тюмени и Анатолий Скареднов из Перми. Александр Скареднов — выпускник Уральской архитектурно-художественной академии, работает в том числе и в жанре ледовой скульптуры. Одну работу этих мастеров (образ Голлума из «Властелина колец») мы уже видели на прошлом фестивале песчаных скульптур.

На этот раз российские ваятели обратились к теме ассирийской цивилизации, одной из древнейших в мире. До нашего времени дошло много оригинальных произведений изобразительного искусства ассирийцев. Во всех пластических фигурах этих древних мастеров проявилось стремление к созданию идеала красоты и мужества, здоровья и физической мощи, которые выражаются в невероятно развитой мускулатуре и густых и длинных курчавых волосах. Кроме создания образов царей-победителей, скульптура в Ассирии играла большую роль в декоре дворцов. У входа во дворец посетителя встречали каменные фигуры крылатых духов-охранителей царя: невозмутимые, величественные львы и крылатые быки с человеческими головами.

Поразительно, как скульпторам удалось передать трещины, проступившие на древних камнях ассирийских изваяний.

Надо сказать, крылатые духи древней Ассирии неплохо гармонируют с классической панорамой Петербурга. Наверное, потому, что они рождают ассоциации с нашими «родными» сфинксами.

Инеса Вальтере-Уланде из Латвии и Педро Мира из Португалии продемонстрировали песчаную композицию «Энди Уорхол». В своей работе они попытались отразить творчество этой культовой персоны в истории поп-арт-движения. Кубы передают мощь его творений, но в то же время они тонут в бесконечном пространстве современного искусства.

Грани этих кубов украшают, в частности, портрет самого Энди Уорхола, изображения цветов и животных, а также портрет Мэрилин Монро. На одной из граней авторы поместили остроумную надпись Image not available. В целом композиция запомнилась высоким мастерством исполнения и современным звучанием, из-за чего завоевала симпатии многих зрителей.

Боб Атиссо из Ганы и Петес Томаш из Венгрии изваяли очень человечную работу под названием «Человеческие знания как средство мировой эволюции». Авторы размышляют на тему развития мира и человека в нем: в своей работе они изобразили пирамиды как одну из древнейших построек на земле, являющуюся олицетворением прошлого и памяти предков, а также женщину с компьютером, являющуюся символом современного мира, олицетворением настоящего. Ребёнок у ног женщины представляет будущее, пока нам неведомое.

Поразительно живо и реалистично сделана фигура женщины с очень выпуклыми рельефными чертами доброго лица.

Австралийские скульпторы Мэтью Хардинг (Matthew Harding) и Бенджамин Гилберт (Benjamin Gilbert) в своей композиции «Всплеск» попытались провести параллель между таким шедевром современной архитектуры, как открытый в 1973 году Сиднейский оперный театр, и цивилизацией аборигенов австралийского побережья, которая насчитывает более 40 тыс. лет. Они призывают обратить внимание на очевидное сходство архитектурного решения оперного театра в Сиднее и созданных самой природой, а затем обработанных аборигенами раковин моллюсков.

Татьяна Тикка из Санкт-Петербурга и Александра Грозная из Москвы выполнили своеобразную композицию «Встреча культур», с одной стороны которой изображен индуистский бог Ганеша, символ мудрости и благополучия, воплощение многовековой культуры востока, а с другой стороны — мультипликационный герой Уолта Диснея Микки Маус, символ современной западной культуры. Бог Ганеш, безусловно, хорошо, а вот Микки Макс... Одним посетителям он приглянулся чуть ли не больше остальных персонажей выставки, а вот других эта улыбающаяся рожица навела скорее на мысли о деградации современного общества.

Своей динамичностью и могучим стихийным духом понравилась работа «Бетховен», которую создали Александр и Анастастия Ким из Петрозаводска. С одним творением этих мастеров мы уже познакомились во время прошлогодней выставки песчаных скульптур. На этот раз петрозаводские мастера посвятили свою композицию бессмертной музыке великого немецкого композитора, его вере в победу света над мраком, борьбе за свободу и братство людей, демократизму, человечности и гуманизму. «Музыка должна высекать огонь из людских сердец», — говорил Бетховен.

В композиции нашла выражение сильная личность бунтаря Бетховена, который в своем творчестве бросал вызов судьбе. Сутью его жизни стала непреклонная воля, борение и преодоление страданий. Вокруг головы Бетховена мы видим целую вселенную, рождающуюся из гривы его волос. Обратите внимание на три оплывших свечи, искусно сделанных из песка другого оттенка.

Забавную композицию с русскими матрешками представили на фестивале Павел Мыльников и Баграт Степанян из Москвы. Кстати, именно эти мастера в прошлом году порадовали нас работой «Холмс и Ватсон», завоевавшей второе место. В этом году они назвали свою скульптурную композицию «Матрёшки наступают», и она запомнилась нам не только необычным выбором сюжета (хотя почему бы и нет; матрешку совершенно справедливо можно назвать шедевром мировой культуры, тем более что она несет в себе бесконечные возможности для фантазии), но и тем, что в нее были включены единственные на всей выставке полихромные фигуры из песка.

Очень понравилась композиция «Гонка», авторы которой, Андриус Петкус из Литвы и Ийри Каспар из Чехии, представили шедевр мировой культуры — древнегреческую вазу с удивительной росписью — в своеобразном формате 3D. Скульпторы утверждают, что трехмерное изображение сегодня пришло во все сферы искусства, и это является одновременно и прогрессом, и своего рода гонкой.

Прекрасная задумка и прекрасная реализация. Здорово переданы трещины на древнегреческой вазе, и особенно интересно сделан тот самый «3D-эффект»: композиция представляет разные модели движения запряженной в колесницу лошади. Мы можем видеть весь спектр вариантов визуализации: от плоскостного изображения, через разной степени  выпуклости барельефы к горельефу.

Вадим Грядов из Нижнего Тагила и Владимир Спиридонов из Ревды создали композицию под названием «Йамаха». Основной идеей работы является искусство как машина времени. Лучшие образцы искусства остаются с людьми на все времена и дают возможность даже через множество столетий прикоснуться к породившей их культуре. В название композиции авторы заложили хитроумную  игру слов: с одной стороны, в нем содержится намек на название известной японской фирмы-производителя современной техники; с другой — мы видим тут знаменитый портрет кисти Франсиско Гойи «Маха обнажённая», один из шедевров мирового искусства.

Композиция «Песочница» была создана двумя жителями Екатеринбурга: Александром Савиновым и Александром Хамзиным. Поскольку нынешний фестиваль песчаных скульптур юбилейный, мастера решили изобразить в своей работе десять культовых сооружений, шедевров мировой архитектуры, разных по стилям, конфессиональной принадлежности и месту на планете. В названии композиции содержится намек на то, что многие творцы в детстве играли в песочнице, а в итоге это привело к созданию величайших произведений искусства.

Авторы расставили здания в хронологическом порядке: от древности до наших дней. Среди представленных в композиции памятников архитектуры — пагода (позолоченная ступа) Шведагон в Янгоне (Мьянма), Парфенон в Афинах, буддийский храм Махабодхи в Бодх-Гая (Индия), собор Св. Софии в Константинополе, собор Парижской Богоматери, собор Св. Петра в Ватикане, петербургский Спас на Крови, церковь Саграда Фамилия в Барселоне, церковь Халлгримура (Хатльгримскиркья) в Рейкьявике, мечеть шейха Заида (Зайда)в Абу-Даби. Мы смогли идентифицировать все элементы композиции, кроме храма Саграда Фамилия. Видимо, он пострадал во время одной из бурь. А жаль, ведь именно это творение Гауди как никакое другое так и просится быть созданным из песка. Его башни-колокольни так похожи на оплывающие свеч или песчаные замки.

Кирилл Баир из города Королёва и Николай Гетъман из Лосино-Петровского создали композицию по мотивам самого известного романа Германа Мелвилла (1819 -1891) «Моби Дик, или Белый кит», повествующего о борьбе человека с природой. Роман полон лирических отступлений, проникнут библейской образностью и многослойным символизмом. Произведение не было понято и принято современниками писателя, но ныне считается хрестоматийным образцом американской литературы.

Художники изобразили огромного спрута со множеством щупальцев и присосок, которого пожирает кашалот. Рядом изображена шлюпка с моряками, которая кажется совсем маленькой рядом с этими морскими гигантами.

Красивая композиция из песка под названием «Она молчит, я тоже» навеяна знаменитейшим полотном Марка Шагала «Над городом» (1914-1918). Авторы этой романтической работы — Татьяна Кузнецова и Марина Еркович из Перми. На пояснительной табличке к скульптуре художницы привели выдержку из автобиографической книги Марка Шагала «Моя жизнь»: «Она молчит, я тоже. Она смотрит — о, ее глаза! — я тоже. Как будто мы давным-давно знакомы и она знает обо мне все: мое детство, мою теперешнюю жизнь и что со мной будет; как будто всегда наблюдала за мной, была где-то рядом, хотя я видел ее в первый раз. И я понял: это моя жена. На бледном лице сияют глаза. Большие, выпуклые, черные! Это мои глаза, моя душа. <...> Я вошел в новый дом, и он стал моим навсегда». Вот вам еще один пример интерпретации современной живописи, ее «переноса» в трехмерной пространство песчаной скульптуры. Основу композиции составляет сказочный лес и пейзаж родного Витебска, почти слившийся с подолом героини, а задний план образуют массивные листы какой-то книги.

Скульпторы Яссер Курди из Сирии и Артём Карамышев из Челябинска соорудили композицию «Пальмира», в которой решили соединить два мировых шедевра со схожими названиями: нашу Северную Пальмиру (город Санкт-Петербург) и древнюю Пальмиру — город легендарной красоты, который некогда был культурным центром древней Сирии.

Жители и гости Санкт-Петербурга смогут любоваться песчаными скульптурами на пляже Петропавловской крепости до конца лета. Выставка будет открыта ежедневно, с 10 до 22 часов.

♦♦♦♦♦♦

Другие материалы о выставках песчаных скульптур в России и мире:

- VIII Международный фестиваль песчаных скульптур в Санкт-Петербурге, «Древнегреческий олимпийский огонь»

- IX Международный фестиваль песчаных скульптур в Санкт-Петербурге, «Мировое кино»

- Крупнейший в Скандинавии международный фестиваль песчаных скульптур в городе Сёндервиг, Дания

Время: с 21 апреля по 15 августа 2011 года; с 10 до 18 часов, в понедельник с 10 до 17, вторник — выходной

Место: Санкт-Петербург, Россия; Государственный Русский музей, корпус Бенуа (стоимость билетов для взрослых 180 руб., для пенсионеров — 50 руб.; фотографировать на выставке не разрешается)

Событие: Выставка Бориса Григорьева

Борис Дмитриевич Григорьев (1886-1939) — интереснейший русский художник первой половины ХХ века, выдающийся живописец и виртуозный график. Длительное время изучение его творчества в нашей стране не приветствовалась, так как Григорьев был эмигрантом. В наши дни отношение к Григорьеву кардинально изменилось: его картины стали постоянными участниками музейных экспозиций, изучением его творчества занимаются многие исследователи, издаются каталоги и книги, появляются мемориальные доски... Однако столь масштабная и разнообразная ретроспектива творчества Бориса Григорьева, какая предлагается публике сегодня в Русском музее, делает эту выставку первой в России по-настоящему представительной экспозицией.

На выставке можно увидеть около 150 произведений Бориса Григорьева из отечественных и зарубежных собраний (музеев и частных коллекций). Это картины и рисунки самых разных творческих периодов (от самых ранних до созданных перед смертью) и жанров. Здесь представлены портреты и прочая станковая живопись, бытовые зарисовки, иллюстрации к книгам (современных авторов, а также классиков, включая Пушкина и Тургенева) и журнальным публикациям (в журналах «Новый Сатирикон» и др.), эскизы для театральных постановок (известно, например, что Григорьев работал над эскизами костюмов и декораций для неосуществленной постановки оперы «Снегурочка» в Большом театре).

Из-за невероятной хронологической и географической широты и разнообразия представленного материала выставка оставляет смешанное впечатление. Тут много неожиданных открытий, много знаменитых культовых картин, но есть и немало работ, которые ставят в тупик своей стилистической разноголосицей. Большинству российских зрителей творчество Григорьева знакомо по его картинам из собраний Русского музея и Третьяковской галереи, и в нашем представлении Борис Григорьев всегда ассоциировался с жутковатыми гротескными полотнами на тему вырождающейся деревенской Руси, с трагическими, замкнутыми или даже звероподобными лицами крестьян, которые взирают на вас пустыми или полными отчаяния и усталости глазами. В меньшей степени известны его потрясающие портреты видных деятелей русской культуры, и уж совсем в новинку многим покажется цикл «Intimité» (Интимность), или волшебный бретонский цикл, или удивительно нежные образы жены и сына.

Но дело даже не в этом: во многих работах поражает редкостное отсутствие того самого стиля, который можно было бы определить как характерный, знакомый нам, «григорьевский». Чего стоят, например, непривычные образы бразильских и аргентинских тропиков! Или, например, ранние рисунки на фольклорные мотивы — яркие, гротескные, выполненные очень качественно и выдержанные в едином стиле работы, в которых, однако, еще трудно распознать почерк Григорьева, его индивидуальный язык, запомнившийся многим по наиболее известным его работам. Или взять хотя бы полные мрачноватого эроса парижские зарисовки, в которых перед нами предстает опять-таки довольно самобытный художник, однако поверить в авторство Бориса Григорьева довольно трудно, потому что здесь снова манера совершенно иная!

Весь этот пёстрый комплекс показывает нам, каким разным художником был Борис Григорьев, и убеждает, что его наследие не сводится к пронзительным образам пред- и послереволюционной «Расеи». Возможно, такое многообразие связано с беспокойной и неуемной натурой мастера. Борис Григорьев, как известно, был человеком непоседливым и вечно находился в поиске. По словам жены, он «любил путешествовать и всегда жадно стремился все дальше и видеть новое» [17]. В необычных работах этого блистательного творца Серебряного века реализм соединился с новейшими приемами кубофутуризма, фовизма, экспрессионизма, символизма... В то же время он никогда полностью не поддавался влияниям новейших течений. Важно хотя бы то, что, в отличие от представителей авангарда, он никогда не покидал рамок фигуративного искусства.

Выставка выстроена в строго хронологическом порядке: тут и ранние фольклорные графические работы, создававшиеся для  известного издателя и мецената А.Е. Бурцева; и карнавальные гротесковые произведения, связанные с работой Григорьева над оформлением артистического кабаре «Привал комедиантов» и его деятельностью в студии Мейерхольда; и портреты знаменитых деятелей искусства и членов семьи художника; и работы бретонского периода; и, разумеется, циклы «Расея» и «Лики России».

Фольклорные мотивы ранних произведений

В начале 1910-х годов молодой Борис Григорьев сотрудничал с известным издателем и меценатом А.Е. Бурцевым, который был коллекционером и покровителем живописцев и «благодетелем» Григорьева на начальных этапах карьеры художника. Этнограф и собиратель русской старины, Бурцев интересовался национальным русским фольклором и бытом. Григорьеву эти темы были тоже близки, поэтому он с воодушевлением создал обширную серию работ для фольклорных и этнографических изданий Бурцева.

В сборниках «Досуги», «Свободные часы», «Мой журнал для немногих», «Мой досуг» из номера в номер появлялись иллюстрации Григорьева к русским сказкам, присловьям, заговорам, песням, народному календарю. Григорьев также выполнил иллюстрации русского фольклора к книге «Жизнь русского народа. Его нравы и обычаи в картинах художников и в снимках с натуры» (1914).

В работе над фольклорным циклом проявилась неистощимая творческая фантазия молодого художника, сформировалась яркая графическая манера, отмеченная декоративностью, ритмическим и фактурным разнообразием. На фоне прочего иллюстративного материала рисунки Григорьева выделялись подчеркнуто гротескной трактовкой образов русских баб, мужиков, мальчишек, животных. Острый глаз художника умело выявлял в незамысловатых деревенских сюжетах простодушно-грубоватые черты народной жизни. Среди графических работ этого своеобразного цикла можно назвать, например, следующие рисунки: «Маленькие бабы», «Деревенская любовь», «Девушка с косами», «Возвращение с поля», «Кухарка и дети».

Особенно запоминается выразительный рисунок «Маленькие бабы» (1911 год, коричневая бумага, графитный карандаш, белила), где игрушечно-округлые фигуры баб уподобляются стволам берез. Пестрый орнамент их платков и почти малявинских юбок перекликается с узором березовой коры, щекастые лица обнаруживают сходство с крупными грибами у их ног, а ритм складок одежды вторит ритму деревьев. Помимо самоценной декоративности, эта иллюстрация может рассматриваться как размышление Григорьева о естественной взаимосвязи форм жизни на земле [11].

Парижские зарисовки

1913 год стал поворотным в творчестве Григорьева. Художник четыре месяца провел в Париже, и это оказало решающее влияние на его графический стиль. Парижские рисунки были выставлены осенью 1913 года в Санкт-Петербурге в Художественном бюро Н.Добычиной и имели триумфальный успех, заслужив восторженные отзывы ведущих критиков.

Считается, что именно после поездок в Париж 1911 и особенно 1913 года начинается «настоящий Григорьев». Во французской столице он создал несколько тысяч рисунков и многому научился. Знатоки увидели в недавнем ученике сложившегося мастера с собственной манерой. Григорьев показал себя как художник, для которого нет мелких, незначительных тем. Теперь его называли «лукавым естествоиспытателем» и «охотником на людей», который с жадностью всматривается в жизнь города и обитателей. Критики заметили беспристрастную остроту характеристик и виртуозное мастерство исполнения работ. В кулуарах тогда кто-то сказал: «Родился новый Тулуз-Лотрек». Богемный дух Парижа вдохновил Григорьева на создание нескольких тысяч рисунков. Консьержки, клоунессы, гарсоны, обыватели, уличные женщины — целая вереница типажей непарадного Парижа создает в этих листах законченный в своем роде образ города.

А. Бенуа отмечал: «На первом месте стоят восхитительные рисунки Григорьева — целая стена остроумных альбомных набросков животных, уличных типов, пейзажей, людей — всё это исполнено с совершеннейшей маэстрией и с обостренной наблюдательностью... Тут же познакомился с совершенно юным автором, поразившим меня сообщением, что им сделано в четыре месяца парижского пребывания несколько тысяч подобных же рисунков» [11].

В этих ранних работах проявилась редкостная наблюдательность Григорьева, которая, по словам С. Маяковского, «заострена насмешкой, его вкус тяготеет к гротеску, к причудам обыденного, к фантазму пошлости» [2]. Но особенно важно, что уже тогда Григорьев продемонстрировал свою «одержимость линией». Критик заметили невероятную легкость, стремительность и безупречную точность его линий. Сам Борис Григорьев говорил: «Сдвиг; пропуск, ироническая гипербола делают линию мудрой. Линия самое минимальное средство в руках художника. Вот почему она требует и “культуры” глаза и изобразительной воли» [2].

Педагог Григорьева по «Строгановке» Д. А. Щербиновский в свое время поразил воображение молодого художника виртуозным владением линией и воспитал в нем отношение к рисунку и линии как основе любого произведения искусства. О чудодейственных свойствах линии Борис Григорьев неоднократно писал в своих литературных произведениях, поэтических и прозаических. Например, в поэме Григорьева «Расея» есть такие строки: «И линией премудрой/ разрежу скуку глаз,/ как молния, как утро,/ она разбудит вас!»

Гибкую, упругую линию Григорьева современники даже сравнивали с хирургическим инструментом, с помощью которого художник вскрывает души своих героев. Среди работ парижского цикла можно назвать, например, «Русские в Париже» (1913), «Гарсоны» (1913), «Парижские типы» (1913), «Парижское кафе» (1913), «В экипаже» (1913).

В Париже в 1913 году Борис Григорьев много работал в зоологическом саду. На выставке в Русском музее представлены изображения животных и птиц, фиксирующие мимолетные движения и позы, пластику и мимику четвероногих и пернатых моделей: например, «Зебры» (1913) или «У зебр (в зоологическом саду)» (1913). В этих зарисовках проявилось мастерство рисовальщика и ироничный склад ума, способного даже в натурную штудию привнести интригу. «Что-то человеческое и милое есть в этих животных», — говорил Н.Пунин.

А. Бенуа писал: «Первое, что я увидел из творчестве Григорьева, были как раз такие привезенные из Парижа рисунки, и более всего меня в них поразила их баснословная меткость и характерность» [18]

Явным влиянием парижских впечатлений пронизаны и более поздние  картины Григорьева, такие как «В цирке» (1918), «Женщина в цилиндре» (1919), «Консьержка» (1918). Это яркие и броские по колориту полотна, в которых доминирует красный цвет. Они демонстрируют отклик художника на бурную стихию парижской жизни, показывают неповторимую атмосферу Парижа — мир богемы и цирков, кафешантанов и продажной любви.

Как известно, тема цирка (чрезвычайно популярного в ту эпоху зрелища) вдохновляла многих художников того времени, включая Ренуара, Сёра, Дега, Тулуз-Лотрека. Это была возможность показать красочный калейдоскоп выступлений клоунов и акробатов, их гротескный внешний облик, передать психологическую остроту и динамику трюков, обнажить будничный мир артистов и скрытую за сияющими огнями арены жестокость отношений.

Надо сказать, театральная и балаганная тематика привлекала Григорьева издавна. Еще в Рыбинске, где большая семья Григорьевых (в семье было шестеро детей – 5 сыновей и дочь) снимала 12 комнат в доме Волжско-Камского банка, Борис и его братья постоянно ставили домашние спектакли. Григорьевы увлекались музыкой и театром, играли на различных инструментах, абонировали ложу в городском театре. Затем, уже живя в Петербурге, Борис Григорьев был частым посетителем литературных вечером в кабаре «Бродячая собака», «Привал комедиантов», где выступал не только как декоратор, но и как поэт. Разбуженная в детстве любовь к театру и театрализации, проявилась также и в работе над театральными декорациями и сценическими костюмами, в картинах на цирковые и танцевальные мотивы.

Еще одной картиной из парижской жизни является «Консьержка», на которой Григорьев дал яркий психологический портрет консьержки отеля, немолодой и некрасивой женщины в ярко-красной одежде. Ее измученное лицо на первом плане он изобразил крупно, резко и неповторимо индивидуально. По словам Р.Н. Антиповой, «в работе нет ни сентиментальной жалости, ни тем более осуждения — такова обыденность жизненной драмы» [11].

Цикл Intimité и эротическая тема

Из отдельных парижских рисунков 1913 г. и переработанных парижских набросков Борисом Григорьевым был составлен большой цикл, названный «Intimité» («Интимность»), куда вошли также работы 1916-18 гг. из серий  «Женщины», «Парижские кафе», «История одной девушки» и близкие им по тематике произведения, изображающие быт цирковых артисток, кафешантанных певиц, проституток. В 1918 году в Петрограде, в издательстве Б.М. Ясного вышла также книга (альбом) «Intimité», куда вошли навеянные парижскими впечатлениями рисунки, акварели и гуаши Б. Григорьева, а также статьи искусствоведов В. Дмитриева и В. Воинова.

Цикл «Intimité» открыл эротическую тему в творчестве Бориса Григорьева. Интерес к подобным мотивам был достаточно распространенным явлением в ту эпоху, однако эротика Григорьева, как и другие жанры его искусства, обладала своеобразием, была не чужда юмора и бытовых деталей.

Эротическая тема вообще была для Бориса Григорьева важным аспектом осмысления жизненных явлений. Его искусство насыщено эротикой. «В эросе пафос его творчества, — писал П. Щеголев. — Изумительное богатство красок, влекущая заманчивость его линий, весь его художественный мир был полон волнующего эроса. Портреты, природа, звери на его картинах, самые их краски, точно солнечным лучом, были пронизаны эросом» [2].

Константин Сомов отозвался о серии «Intimité» резко: «<…> Григорьев, замечательно талантливый, но сволочной, глупый, дешевый порнограф». Изображая непристойные деталии и выставляя напоказ смелые наряды, порочные жесты и тупые, неосмысленные лица, Григорьев  бросал вызов русской традиции, ее целомудренной сдержанности [24].

Одной из самых ярких работ этого периода является монументальное полотно «Улица блондинок» (1917), которое обобщало цикл «Intimité» и репродуцировалось в качестве фронтисписа в одноименном альбоме. Эта сюжетно загадочная картина сообщает эротической теме горькую, угрюмо-безжалостную тональность. Здесь эротический мотив сплетается с социальной проблематикой и театральными реалиями. В центре композиции на подобии стола или пьедестала изображена в полный рост молодая женщина, которая стоит спиной к публике, в профиль.

Одежда на ней фривольно расстегнута, алый рост сконцентрировал в себе, кажется, всю возможную чувственность. Однако на расположившихся у самых ног женщины мужских лицах лежит печать отрешенности и какого-то безнадежно тоскливого выражения. Впоследствии физиономии этих персонажей, согласно исповедуемому художником принципу балаганных масок, продолжат свое существование уже в качестве сугубо портретных образов и будут воспроизведены в зарубежном издании «Расеи» [11].

На выставке также можно увидеть иллюстрации Бориса Григорьева к сборнику эротической поэзии и прозы «Эрос Московитов», который был выпущен в Мюнхене в 1924 году. В качестве этих иллюстраций были использованы литографии художника из альбома «Русский эрос», изданного годом ранее в Германии.

Жизнь и творчество Бориса Григорьева после эмиграции

В октябре 1919 года художник с женой и сыном тайно пересек Финский залив на лодке — «на веслах, на рваной тряпке вместо паруса» [2] — и переправился в Финляндию, после чего некоторое время жил в Берлине, а потом перебрался в Париж, где прожил около восьми лет. В эти годы и до самой своей смерти Борис Григорьев много путешествовал, работал в странах Западной Европы, Латинской Америки и США.

Именно в эмиграции Борис Григорьев создал многие свои крупные работы, такие как «Лики России», написанные им в 1921 году в Париже. Русские темы продолжали волновать художника и за границей. Он тосковал и даже хотел вернуться в Россию, но ему не позволили, хотя в 1922-1924 гг. Григорьев неоднократно передавал через Маяковского и Бринтона свои просьбы Луначарскому.

Некоторое время художник верил, что сможет вернуться на родину и окажется «принятым в ее объятия», верил, что сможет быть не пасынком, а сыном своей родной страны. Однако в тексте поэмы «Расея» наивные надежды и ностальгические воспоминания уступили место теме пасынка, потерявшего мать-Россию, на месте которой проступили деформированные, уродливые черты мачехи. Возможно, одной из решающих причин этого перелома в сознании художника стала встреча с выехавшим на Запад Евгением Замятиным, старым другом Григорьева, который некоторое время жил в парижской квартире художника, а лето 1932 года провел на вилле Григорьевых «Бориселла» около Ниццы (название виллы составлено из имени художника и его жены Эллы — Елизаветы фон Браше (1883-1969)). Из рассказов Замятина Григорьев, вероятно, узнал, что не существует «лыковой Расеи», как нет больше святой Руси Нестерова или сказочного царства Васнецова. Всё это наложилось на собственный опыт борьбы за существование и подступавшую болезнь (рак желудка). В 1939 году художник скончался на своей вилле в городке Кань-сюр-Мер близ Ниццы.

Бретонский цикл

После переезда в Париж весной 1920 года Борис Григорьев совершал частые поездки в Бретань и Нормандию. В этот цикл вошли пейзажи, натюрморты и портреты-типы рыбаков, стариков, детей, написанные в неоклассической манере, где чувствуется влияние ранней нидерландской живописи.

Григорьев работал в Бретани и Нормандии несколько лет, в летние месяцы. Его увлекала атмосфера патриархальности и старины, тихие лаконичные пейзажи, старинные жилища и люди, в простых лицах и костюмах которых запечатлелась прародина.

Среди произведений бретонского цикла Бориса Григорьева — «Бретонские крестьяне», «Старуха бретонка», «Женщина из Бург де Батц», «Бретонские волынщики», «Бедность», «Замечательный суп» и др.

Потрясающая работа «Бретонские волынщики» («Крестьяне, играющие на дудках») привезена на выставку из Лихтенштейна. Эта картина фрагментарно включена Григорьевым в полотно «Лики мира». Григорьев очень интересовался фольклорной музыкой и считал ее важной для понимания крестьянской сущности. На этом крупном полотне он создал глубокие психологические портреты двух деревенских музыкантов из Бретани, играющих на дудке и волынке. Их выделяющиеся на переднем плане фигуры кажутся монументальными на фоне лоскутного одеяла расстилающегося за их спинами дробного пейзажа, который как бы вторит сложному ритму исполняемой музыкантами народной мелодии.

Только за один сезон 1924 года художник написал в Бретани более 40 работ. Эти картины отличает классичность композиции и выверенность линий, что говорит об усилении в его творчестве влияния старых европейских мастеров.

Пейзажи, интерьеры и портретные образы бретонского цикла «просто и без особых этнографических излишеств отражают душу Бретани», имеющую совсем иной склад, чем образы Расейского цикла [11].

Приобщаясь к душе Бретани, Борис Григорьев работал с упоением: «Сейчас я очень воспрял духом, повеселел и буквально все меня принимают за сумасшедшего — я громко ору в полях, плачу от восторга и любви и работаю как безумец», — пишет художник в письме М. Горькому от 14.07.1926 года [11].

А несколько позднее в письме В.Каменскому Григорьев так оценивает свою работу: «Написал я 14 вещей <...> бретонская старина, церемонии, обычаи и т.д. Вещи, брат, не хуже Пьетро делла Франческа. Ты не поверишь. Сейчас я первый мастер на свете... Я не извиняюсь за эти фразы. Надо знать и самому — кто ты есть, иначе не будешь знать, что делать. Да и жизнь моя святая от труда сверх и чувства сверх, и сорок лет моих это доказывают» [11].

Портреты Бориса Григорьева: образы русской интеллигенции

Борис Григорьев был необычным и очень талантливым, проницательным портретистом. Под его портреты выдающихся деятелей русской культуры на выставке в Русском музее выделен целый зал. Уже современники отдавали должное портретной силе художника. Считалось, что Григорьев воссоздает на полотне не столько конкретную личность, сколько свое представление о ней, и портрет нередко оказывался ближе к тематической картине.

Портреты Григорьева поражают удивительным сочетанием анатомического сходства личности и гротескности образа, созданного в неповторимой, узнаваемой манере художника.

Настоящим любовным открытием была для Григорьева работа над портретом С.В. Рахманинова: «Шестьдесят четыре часа прекрасной музыки, совершенного контакта и работы на сто сотых» [19]. Рахманинов эмигрировал из России в конце 1917 года и тяжело переживал разрыв с родиной. Григорьев очень хотел написать портрет композитора, и осенью 1930 года, на даче Рахманинова в Клерфонтене, ему это удалось. Художник сделал два варианта, которые сначала не понравились Рахманинову, предпочитавшему, видимо, более романтический стиль. Композитора не устраивала жесткая гипертрофированная манера Григорьева, усиливавшая предельный драматизм переживаний портретируемого. Но год спустя Рахманинов, откликнувшись на бедственное положение художника и его просьбы, приобрел оба портрета. Позже они были переданы дочерью Рахманинова И.С. Волконской в дар России. Ныне они находятся в коллекции Государственного музея музыкальной культуры им. М.И. Глинки в Москве. Еще один портрет композитора сейчас находится в частном собрании.

Представленный на выставке живописный портрет Рахманинова невелик по размеру и предельно лаконичен по композиции: все внимание сосредоточено на изображенном в профиль лице композитора, пластическая проработка которого отличается необычайной тщательностью (набухшие веки, мешки под глазами, глубокие складки морщин, темная кожа лица). В каждой черточке лица художник находит природное согласие, поразительную логику развития форм, отлитых в замкнутую маску [11]. Природный материал человеческой плоти словно оттачивается резцом жизни, что лишает лицо покоя, насыщает его духовной энергией (сам Григорьев писал, что портрет наполнен «бурной, творческой, полной музыкального грома атмосферой»). Так передается художником загадка природы — феномен гениальности.

Сам Григорьев лучшей своей работой в портретном жанре называл портрет М.Горького. Григорьев и Максим Горький познакомились в Петербурге в 1919 году. Переписка говорит о том, что Григорьев восторженно воспринимал личность писателя. Портрет Горького был написан им в начале 1926 года в Италии, в окрестностях Сорренто, на вилле писателя. Над созданием портрета художник работал с упоением, находясь под большим обаянием писателя и его окружения. Горький позировал по 2,5 часа в день, продолжая писать или рассказывая о прошлом, и Григорьев вскоре начал ощущать в нем «подлинного друга»; «Я люблю всё, что его окружает. Он дорог и близок мне как часть меня самого... Он прост, лишен претензий. Он удивителен, блестящ и по-человечески добр... Он знает так много, так глубоко чувствует, так тонко понимает... Моя любовь к нему приближается к истерии» [11].

Фоном картины служит пейзаж русской деревни, поднимающейся горками, с бедной церквушкой на холме, с треугольниками снопов. На втором плане картины, за спиной писателя, размещены лица героев его литературных произведений. Поначалу Григорьев планировал запечатлеть Горького среди мужиков, баб и детей, одетых в живописные одежды. Однако со временем его замысел претерпел изменения: художник решил изобразить за спиной писателя толпу героев его книг. Маски персонажей пьесы «На дне» превращены Григорьевым в страшные символы юродивости, в лики дна России [11].

Сам Горький, чьи руки застали в несколько неестественном положении, изображен в роли фокусника или кукловода, манипулирующего персонажами. В то же время в это жесте есть и нечто обреченно-бессильное, нечто от марионетки, которую также дергают за ниточки. Таким образом центральный образ М. Горького включен на этом полотне в рождающую его или сотворенную им среду.

Образ писателя, созданный художником, нравился и самому Горькому и был признан одним из наиболее глубоких и убедительных. Горький не знал, что Борис Григорьев и сам был оригинальным писателем и потому, в шутку сравнивая его с известным литератором Аполлоном Григорьевым, говорил: «Оный Григорьев, хотя и не Аполлон и стихов не сочиняет, критических статей не пишет, но — талантлив удивительно» [2]. Художник писал: «Я тоже чувствую, что это моя лучшая работа» [11].

Прекрасен портрет оперного певца Федора Шаляпина, написанный Борисом Григорьевым еще до эмиграции, в 1918 году. Портрет был представлен на Первой свободной государственной выставке картин во Дворце искусств (так тогда назывался Зимний) в Петрограде в апреле 1919 года, а после выставки приобретен Исааком Бродским. Полотно по сей день хранится в музее-квартире И.И. Бродского в Санкт-Петербурге.

Портрет весьма необычен. Шаляпин изображен в собственном доме, в халате и с обнаженными ногами. Он возлежит в домашней одежде на кровати, пышный полог которой напоминает театральный занавес и как бы вводит образ в рамки всеопределяющего изначального актерства. И действительно, Шаляпин продолжал «играть роль» даже в самых банальных бытовых ситуациях. Как вспоминает Борис Григорьев, даже во время игры в преферанс «с нищенской картой» Шаляпин оставался «великим артистом»; он «хотел не денег шиберов, а самой игры, ее артистичности, веселого хода» [2].

Большой формат вытянутого по горизонтали холста, поза певца, домашняя одежда подчеркивают могучую (как в прямом, так и в метафорическом смысле) фигуру изображенного. Ассоциируясь с горным хребтом (по воспоминаниям Григорьева, во время работы над портретом дочурки Шаляпина «лазали по отцу, как по Арарату, укладываясь в складках халата, точно бабочки»), фигура Шаляпина воспринимается как олицетворение природных сил.

Вот что пишет Борис Григорьев о работе над портретом Шаляпина: «Я написал его на огромном холсте. Более натуральной величины, как всегда. Он лежит на диване, у себя в столовой. Само собой, столовую я не писал. <...> После выхода в свет моей книги “Расея”, я получил приветствие и от Ф.И. Шаляпина. Он выразил желание узнать меня поближе. <...> Шаляпин заказал мне свой портрет. <...> Надо было начинать портрет. Настроение явилось сразу. У Шаляпина было тепло. Он лег в столовой на тахту. Я увидел в нем такое, чего не увидишь еще один раз. Львица, Цезарь, актер, крючник... Он лежал в пунцовом халате. Грудь ему я раскрыл. Ноги — разул. Горы в плечах, в бедрах. Бугры в лице, на шее, в ногах. И во всем — сила и движение. Ни единая часть не лежит пластом, не молчит. Всё живет и прет. Глаза из-под светлых бровок глядят хитро, мудро, сильно. Но они и требуют. Они властно приказывают. <...> Дважды в жизни я так наскакивал на холст. Еще было при Мейерхольде, который, милый, стоял по моему заказу, скрючившись, во фраке — творящий и охающий от трудностей позы» [2].

Упомянутый в этом тексте григорьевский портрет Мейерхольда, изломанного в немыслимой арабеске, занимает особое место на выставке в Русском музее. Этот прославленный двойной портрет, выполненный в 1916 году на большом, более чем двухметровом холсте, считается кульминацией стиля гротеск в творчестве Григорьева. При создании портрета Григорьев использовал свои наблюдения за пластикой и движениями Мейхерхольда во время работы с актерами в его питерской студии на Бородинской улице (Борис Григорьев был одним из учредителей этой студии и присутствовал почти на всех репетициях). Мейерхольд обучал студийцев правильно двигаться. На заднем плане картины Мейерхольд в алом плаще лучника натягивает тетиву, показывая, как надо на сцене убивать. А на переднем плане режиссер, уже одетый в костюм денди, обучает, как надо на сцене умирать [10].

Художнику удалось показать самую сущность натуры режиссера, творца нового театра, создателя теории театрального гротеска. Причудливо изломанный, корчащийся силуэт фигуры режиссера, очень точно (по словам знакомых Мейхерхольда) передавал его пластику.

Худой, необычайно высокий, угловатый Всеволод Эмильевич изображен в черном цилиндре, черном фраке и белой манишке, в условном сценическом пространстве, с театральной маской, сросшейся с его рукой. В композиции преобладает резкая ломаная ритмика. Контраст красного и черного цветов вносит в произведение ноту трагизма и усиливает противостояние основных персонажей: трагически-выразительной, словно потерявшей точку опоры фигуры Мейхерхольда-денди и — пламенеющей фигуры его зловещего двойника («стрелка»), застывшего в напряженной позе. Актер А. Мгебров вспоминал: «Долго... работали над пантомимой, где основной темой были символические охотники, подстреливающие чудесную птицу, никому не ведомую, всем чужую и потому обреченную на смерть». Портрет оказался мистическим предзнаменованием судьбы мастера. Его театр был обвинен в отрыве от советской действительности и закрыт, а через год, летом 1939 года, Мейхерхольд был арестован и расстрелян 2 февраля 1940 г.

Концептуальный портрет Мейерхольда стал своеобразным символом эпохи и, по словам В.Воинова, запечатлел «гримасы современного духа..., какой-то надлом его, заставивший кошмарам русской действительности предпочесть кошмары “балаганчика”» [17].

Наряду с собственно портретами, на выставке представлен знаменитый автопортрет Бориса Григорьева под названием L'éntanger («Иностранец» или «Чужой») (в книге К. Уманского «Новое русское искусство» картина обозначена как Ein Russisch («Русский»)). Эта работа занимает особое место в творчестве художника. Данный автопортрет был написан Григорьевым в 1916 году и впервые представлен на выставке «Мира искусства» в 1917 году. Репродукцией этого полотна открывалось берлинское издание «Расеи» (1922). Прекрасно вылепленное лицо мужчины в широкополой шляпе выражает презрение и превосходство, рука энергично сжата в кулак. Редкая композиция поколенного портрета словно возвышает героя над зрителем, а смещение фигуры вправо усиливает неравновесность, подчеркивает исходящую от нее тяжесть и угрозу.

На рубеже 1900 и 1910-х годов Григорьев кратковременно сблизился с художниками и поэтами-футуристами, разделял их поиски свободы творчества и обновления языка. Ему были близки и поэтические поиски Маяковского, острые и злободневные. Свой автопортрет он наделил романтическими чертами, свойственными этой среде. Горделивый пристальный взгляд, черная шляпа, костюм «Апаш». Всё это свидетельствует о том, что григорьевский образ точно отражал нерв предреволюционного времени, экспрессию эпохи трибунов, горлопанов, бунтарей. И характерная складка меж бровей, и папироса в углу рта, и кусок желтой кофты настойчиво напоминают о Владимире Маяковском. Давние знакомые, Григорьев и Маяковский, во время написания этого портрета сотрудничали в журнале «Новый Сатирикон».

Как и Маяковский, Борис Григорьев отличался высоким ростом. Как вспоминает художник Ю. Черкесов, это был широкоплечий, огромного роста человек. «Северные (шведские) — глаза со столь острым, глубоким, пронизывающим взглядом, вздернутый нос с большими ноздрями, высокий лоб, кончающийся непокорным светлым коком мягких волос, рот резко очерчен и подбородок той особенной формы, которая, как говорят, является признаком упорства и настойчивости» [2] [мать Бориса Григорьева была по национальности шведкой].

Портрет фотографа Мирона Абрамовича Шерлинга, автора фотопортретов известных деятелей культуры; 1916 год:

Портрет Анны Ефремовны Грилихес, жены известного петербургского врача М.С. Грилихеса; 1917 год:

Портреты близких

Борис Григорьев с любовью рисовал портреты своих близких, особенно жены, Елизавета Георгиевны Григорьевой, и сына Кирилла. Хорошо известна, например, картина из собрания Русского музея «Мать», изображающая жену художника с сыном Кириллом.

В этом написанном в 1915 году портрете есть нечто большее, чем индивидуальная характерность. Образная трактовка и типологически обобщенное название говорят о выходе за пределы единичного существования. Основное пространство холста занимает изображение кормящей младенца женщины в светлых одеждах и с обнаженной грудью. «Мой сын родился в мае 1915 года, и мы переехали на дачу Куоккало. Я кормила его, и Борис написал с меня мадонну», — пишет в одном из писем Е. Григорьева [11].

Картина дышит нежностью и любовью. Женский образ исполнен телесной красоты и достоинства. Однако — хотя современники были склонны видеть в этой чувственной живописи только эротическое начало — целый ряд деталей вносит в композицию неспокойную ноту. Это и напряженно-озабоченное выражение лица героини, и ниспадающее движение складок одежд и детских пеленок, что придает неустойчивость положению младенца, словно забытого матерью. Грядущие события словно подтвердили прозорливость художника. Уже в 1916 году Елизавета Георгиевну арестовали («понятия я не имела, за что арестована»), два месяца она провела в тюрьме. Лишь благодаря энергичным хлопотам мужа всё обошлось благополучно, «но если бы он так не действовал, то меня этапом отправили бы куда-нибудь в Сибирь. Арестовали меня в октябре, значит в начале зимы, конечно, Кирилл и я погибли бы на этапе» [11].

Семейной теме посвящена и еще одна представленная на выставке картина: написанная в 1918 году композиция «Мать и дитя», на которой снова изображена жена художника (на этот раз за рукоделием) и уже немного подросший сын Кирилл с яркими пухлыми губками и недоверчивым, по-девичьи круглым личиком. На лице Елизаветы Георгиевны застыло несколько отрешенное выражение. Задумчивая и сосредоточенная на каких-то мыслях, она, кажется, погружена в себя и, возможно, думает о будущем.

Цикл картин и рисунков Бориса Григорьева «Расея»

Особый раздел выставки составляют произведения из серии «Расея», созданной в революционные годы и отразившей сложные размышления художника, которому к тому времени было немного более тридцати лет, о судьбах русского мира.

Работы из цикла «Расея» и продолжающего его цикла «Лики России» занимают на выставке отдельный зал. Эти произведения — портреты и зарисовки, пейзажи, а также композиционные полотна — посвящены традиционной для русского искусства теме крестьянства, которая получила в интерпретации Григорьева новый гол зрения и новую экспрессивную трактовку. Материалом для этих работ послужили давние детские впечатления от русской провинции (детские и юношеские годы художника прошли в Рыбинске) и приметы жизни крестьянства Олонецкой губернии, где Григорьев побывал летом 1918 года.

Масштабный цикл картин и рисунков «Расея», впервые показанный на выставках «Мира искусства» 1917-1918 гг., произвел на современников сложное впечатление. В русском искусстве было традиционно принято идеализировать народ и патриархальную Русь, поэтому крестьянские образы из цикла «Расея» были восприняты противоречиво. «Многих охватил одновременно с восторгом от явной талантливости и род ужаса», — писал А. Бенуа. По выражению А. Блока, в картинах и рисунках «Расеи» Григорьев предстал художником, мыслящим «глубоко и разрушительно». «Иные считают его “большевиком” в живописи, иные оскорблены его “Расеей”, иные силятся постичь через него знаковую сущность молчаливого как камень загадочного славянского лица, иные с гневом отворачиваются — это ложь, такой России нет и не было...» — охарактеризовал разноголосицу мнений А. Толстой [11]. С.К. Маковский определил художника как «необычайно острого и “злого” психолога современного вырождения» [24].

Первоначально цикл «Расея» насчитывал 9 картин и 60 рисунков, которые раскрывали образ безысходной, мрачной, «лыковой» России. Наиболее значительные из них представлены на выставке в Русском музее. Цикл представляет собой галерею типов и пейзажей русской деревни как их увидел художник, со свойственным ему психологизмом и эмоциональностью. Реальность, преображенная его ярким, самобытным талантом, явилась откровением для публики.

В цикле «Расея» Григорьев изобразил жуткую, смятенную, запутанную, полезвериную, грешную Россию. В жесткой гротескной форме он представил образы русской провинции, отразив тягостную картину пред- и послереволюционного времени. Художник создал как бы групповой портрет русского крестьянства в переломный момент истории.

Ощущая приближение потрясшей Россию катастрофы, он писал угрюмые, корявые лица крестьян, «реальные до жути». В картинах много от иконографии: фронтальные фигуры, максимальное приближение к зрителю, статика предстояния (контакт «глаза в глаза» со зрителем), поясной срез фигур. Однако лики далеко не святые. Напротив, мы видим напряженные, опустошенные или озлобленные лица, которые и сегодня заставляют задуматься и оставляют мучительное ощущение безнадежности. Лишь иногда, в основном в лицах стариков, проглядывают мудрость и просветление.

Лучшие работы цикла — «Олонецкий дед», «Старуха-молочница», «Девочка с бидоном», «Земля народная» (другое название «Крестьянская земля»), «Расея». В пронзительном полотне «Старуха-молочница» («Старуха с коровой») (1917) мы видим старую женщину в черном повойнике и выцветшем сарафане с болезненно сжатым, впалым ртом и невидящими глазами. В отличие от многих других образов «Расеи», в лице старухи нет озлобленности, хотя мы чувствуем, что эта русская крестьянка прожила многотрудную жизнь. Ее сухое тело и худые руки с синими прожилками написаны художником с великолепным пластическим мастерством. Многочисленные оттенки земляной охры и представленный рядом образ кормилицы-коровы с огромным васильковым глазом расширяют значение образа, указывая на его единение с природой и в то же время с почвой, прахом. В лице обычной деревенской женщины проступают черты древней праматери.

На картине «Девочка с бидоном» (1917) голубоглазая девчушка смотрит на зрителя напряженным, полным страха и обреченности взглядом. Даже в детских лицах у Григорьева с безжалостной точностью передана отупевшая серьезность и печаль, отличающая тех, для кого страдание и нищета стали будничной нормой.

Вытянутая по горизонтали многофигурная картина «Земля народная» («Земля крестьянская», 1917) является композиционным полотном, в котором собраны воедино сюжеты и образы, уже отображенные художником в отдельных рисунках и холстах цикла. Например, образ худой девочки в черном платье «переведен» Григорьевым с приводившегося суть выше графического листа: взгляд этой рано повзрослевшей девочки, с рождения надломленной тяжестью жизни, преследовал художника. В остальных, суровых и искаженных страданием лицах с рысьими глазами мы тоже видим усталость и скрытую угрозу бунта.

В цикл «Расея» вошел и ряд пейзажных зарисовок русской деревни. Например, несколько неожиданная для Григорьева картина «Дом под деревьями» (1918) воспринимается как глоток свежего воздуха после выжженных нив и огрубевших душ предыдущих композиций. Это светлое, весеннее полотно с атмосферой спокойствия и свежести, глядя на которое отдыхаешь душой.

Картина находится в постоянной экспозиции Русского музея.

«Лики России»

Крестьянская тема продолжала волновать художника и в эмиграции. Цикл пополнился значительными картинами, включая холст «Степная мадонна» (1919-1920).

А в 1921 году появилось полотно «Лики России» (до недавнего времени оно находилось в собрании Ростроповича—Вишневской), и начался новый одноименный цикл, ставший продолжением цикла «Расея». В композициях этой серии вновь изображены русские крестьяне и горожане с лицами, подобными масками, несущими печать тяжелой жизни и болезней. Мрачно-экспрессионистская по трактовке тема произведений отразила драматические переживания художника и всего эмигрантского сообщества о судьбах родины и предчувствие ожидающих ее трагических потрясений.

В монументальную картину «Лики России» включен, в частности, портрет крестьянского поэта Николая Клюева («Клюев-пастырь», или «Портрет поэта Клюева. Чабан»), созданный в 1920 году в рамках цикла «Расея». Во имя предельной выразительности Григорьев усилил наиболее характерные черты лица поэта, а бессловесные овечьи головы за его спиной служат метафорой его крестьянского происхождения и предвестием мученической смерти поэта-пастыря, который был расстрелян в сибирской ссылке в 1937 году.

В продолжение темы русской деревни в 1918 году Григорьевым была выпущена книга «Расея». Затем в Берлине вышло переиздание книги «Расея» (1922) в сопровождении очерков А.Н. Толстого, Я. Яблоновского и В. Шайкевича. Также за границей была издана книга «Лики России» (Visages de Russie) (1923-1924) на французском и английском языках с текстами Клода Фаррера, Андрей Левинсона, Клэр Шеридан. Борис Григорьев всегда мыслил свои крупные графические и живописные циклы как книги и стремился увидеть их напечатанными в сочетании с текстом.

Поэтическим эквивалентом серии живописных и графических работ, опубликованных в книгах «Расея» и «Лики России» в 1918-1924 гг., стала поэма «Расея» — наиболее значительное произведение Григорьева-литератора. В этой поэме, создававшейся на протяжении 15 лет, запечатлелись искренность и непосредственность художника, приступы разочарования в себе и окружающих, радость творческой удачи, тоска по России и невозможность возвращения. Работа над поэмой началась после отъезда из России, в 1919 году, под впечатлением последнего перед эмиграцией лета, проведенного в Вытегорском уезде.

Краткая хронология жизни и творчества Бориса Григорьева

Использованные источники:

1) Борис Григорьев в Русском музее, репортаж на интернет-телеканал «Искусство ТВ».

2) Борис Григорьев. Линия. Литературное и художественное наследие. М.: Фортуна ЭЛ, 2006.

3) Выставка Бориса Григорьева на официальном сайта Русского музея.

4) Коллекция репродукций Бориса Григорьева.

5) Григорьев, Борис Дмитриевич, статья в Википедии.

6) Александра Поляновская. Многоликий Борис Григорьев.

7) Слишком большой художник. Борис Григорьев в Русском музее.

8) Крестьяне, играющие на дудках, репродукция картины Бориса Григорьева.

9) Биография и творчество Бориса Григорьева.

10) Искусство художников-эмигрантов. Неповторимый Борис Григорьев.

11) Р.Н. Антипова. Борис Григорьев. Очерк жизни и творчества.

12) Б. Григорьев. Расея.

13) Энциклопедия русской живописи. Григорьев Борис Дмитриевич.

14) Сергей Хачатуров, Звериный оскал неоклассики.

15) Великий русский Григорьев.

16) Борис Григорьев в мастерской, фотография художника.

17) Русское зарубежье. Золотая книга эмиграции. Первая треть XX века. Энциклопедический биографический словарь. М., 1997.

18) Статья Александра Бенуа о творчестве Бориса Григорьева, 1939 г.

19) Переписка Бориса Григорьева с баронессой Марией Врангель.

20) Григорьев Борис Дмитриевич. Биография.

21) Светлана Рухля. Парадоксов друг. В Санкт-Петербурге проходит выставка Бориса Григорьева.

22) Выставка русского издания альбома «Борис Григорьев. Русский эрос». Галерея С.АРТ.

23) Из воспоминаний Бориса Григорьева.

24) Ирина Вакар. Борис Гроигорьев. Быть художником в век торговли.

Время: с 10 по 13 июня 2011 года

Место: Санкт-Петербург, Выставочный центр Санкт-Петербургского Союза Художников, ул. Большая Морская, д.38 (вход для детей и пенсионеров 50 руб., для взрослых 200 руб., фотографировать можно бесплатно)

Событие: «Время кукол-7», крупнейшая в Санкт-Петербурге выставка кукол

Официальный сайт выставки: www.dolltime.ru

Летнее «Время кукол-2011» традиционно прошло в Выставочном центре Санкт-Петербургского Союза Художников в сезон белых ночей, как и «Время кукол-5» (см. также наш фоторепортаж о зимней выставке «Время кукол-4»). Мастера-кукольники со своими работами, как обычно, заняли два этажа выставочного центра.

По причине свалившейся на город летней жары находиться в некоторых залах было не очень-то комфортно (каково, интересно, было самим авторам, которые вынуждены сидеть возле своих стендов в такой насыщенной атмосфере на протяжении четырех дней, с утра до вечера). К счастью, спасало отсутствие ажиотажа и местами даже наличие вентиляторов.

Пожалуй, в этот раз дышалось всё-таки легче, чем во время предыдущей летней выставки. У нас создалось впечатление, что организаторы то ли выделили под стенды больше места, то ли просто участников было чуть меньше. В общем, несмотря на духоту, впечатление от выставки «Время кукол-7» осталось очень легкое, свежее и радостное. Не возникло ощущения перегруза, и в то же время удалось увидеть довольно много разнообразных работ.

В отличие, скажем, от «ВК-5», в этот раз в экспозиции были представлены в основном отечественные авторы (хотя приехало также несколько мастеров из Казахстана, Литвы, с Украины). Но от этого выставка ничуть не проиграла. Более того, выставка «Время кукол-7» стала чуть ли не самой интересной за всё последнее время — прежде всего благодаря редкой возможности познакомиться с творчеством таких ярких (и таких непохожих) художников, как Ирина Андреева и Марина Бычкова.

Как всегда, порадовало обилие интересных авторских работ, созданных художниками-кукольниками из разных городов России и других стран, и, конечно, множество знакомых лиц, которые из года в год участвуют в экспозиции (и даже занимают одни и те же места на стендах). Мы смогли не только оценить высочайшее качество работ, поразительную фантазию и теплоту, с которой сделаны работы, но и не всегда обычный выбор материалов. Скажем, помимо произведений из традиционной пластики, мохера и войлока, мы увидели довольно редкие работы из фарфора, керамики (фаянсовой глины) и даже бумаги.

Пришедшие на выставку любители и профессионалы кукольного дела получили возможность не только познакомиться с работами мастеров авторской куклы и купить подарок себе и своим друзьям, но и приобрести специализированные журналы и пособия по рукоделию, а также разнообразные материалы и рабочие инструменты для художников по войлоку, теддистов и кукольников (пластику, фетр, войлок, шерсть для валяния, мохер для изготовления медведей, глазки для кукол и медведей, декупажные карты, декоративные сорта бумаги, разнообразные аксессуары для творчества и прочее).

Помимо кукол и медведей Тедди, на выставке «Время кукол», как всегда, была представлена оригинальная бижутерия ручной работы, авторский текстиль и декоративные предметы для украшения дома. Благодаря визиткам и информационно-рекламным буклетам, которые можно было найти практически на каждом стенде, посетители смогли узнать не только о существующих в России магазинах авторских игрушек и товаров для кукольников, но и подобрать для себя какой-нибудь мастер-класс или школу рукоделия по интересующему направлению (например, валянию из войлока и фетра, лепке из пластики, изготовлению мишек Тедди, декупажу, бумагокручению (квиллингу), скрапбукингу и прочим, самым экзотическим, видам творчества).

Среди интересных мастер-классов и курсов, о которых мы узнали на выставке, можно назвать, например, школу рукоделия при студии бумажного творчества «Милое дело» (эта школа находится в Санкт-Петербурге и специализируется на рукоделии из бумаги, в частности бумагокручении и декупаже), мастер-классы Ирины Егоровой Ацикулярис (эти мастер-классы проводятся в Москве и Санкт-Петербурге и посвящены сухому валянию очаровательных миниатюрных игрушек), а также школу авторской игрушки «Сундучок» (эти курсы работают в центре Петербурга, на них можно научиться делать войлочные игрушки, шить классических мишек Тедди, создавать авторские украшения, валять картины из шерсти и даже изготавливать ароматизированные текстильные игрушки). Стоит назвать также Школу Авторской Куклы Санкт-Петербурга, где можно научиться делать кукол, шить плюшевых мишек Тедди, создавать симпатичные валяные игрушки и кукол из текстиля, папье-маше, пластика и других материалов. Мастер-классы проводятся также при Петербургском музее кукол. А еще курсы по  изготовлению мишек Тедди в Санкт-Петербурге предлагает галерея «Медовые мишки Тедди».

Из салонов, магазинов и галерей авторской куклы и мишек Тедди в Санкт-Петербурге стоит упомянуть салон авторской игрушки «Сундучок» (где можно приобрести не только добрые подарки ручной работы, но и специализированные журналы и материалы для творчества); галерею «Ручная работа» (где можно купить эксклюзивные подарки и авторские изделия для интерьера, в том числе вышитые картины, авторских кукол и батики); магазин при студии бумажного творчества «Милое дело» (где продается всё для работы с бумагой (в том числе специальные инструменты и материалы для квилинга), а также различные картины и сувениры из бумаги). Различные материалы для валяния (шерсть, кардочёс, меринос, волокна, иглы для фильцевания) можно заказать в магазине «Легенда войлока». Назовем еще магазин коллекционных кукол и мишек Тедди Dolly’s House на Петроградской стороне. Некоторые другие питерские школы кукольного мастерства и магазины авторской куклы и мишек Тедди перечислены тут.

А теперь предлагаем вам свой фотоотчет о посещении выставки «Время кукол-7», который, как обычно, не претендует на полноту и объективность. Мы избирательно расскажем о некоторых мастерах и наиболее ярких, на наш взгляд, работах, которые понравились и запомнились нам больше всего.

Наиболее сильное впечатление на выставке «Время кукол-7» на нас произвел авторский проект Ирины Андреевой «Тёплый день», состоящий из восьми полноценных художественных композиций из войлока. Выставка разместилась в зале Трапеция. Ирина Андреева — знаменитый мастер войлочной скульптуры, но мы ее работ, признаться, раньше никогда не видели. Собственно, ничего подобного мы вообще никогда не видели.

И дело не только в «монументальном» размере, обычно нехарактерном для войлочных изделий. Хотя и это тоже впечатляет. Представьте себе полноценный войлочный интерьер с войлочной мебелью практически в натуральную величину. Такие на удивление масштабные проекты даже физически трудно осуществить, ведь валяние, особенно валяние таких массивных предметов, — это тяжелый физический труд. Однако Ирина Андреева — хрупкая миниатюрная женщина — каким-то загадочным образом справляется с этой работой. У нее очень сильные пальцы — и сильный дух.

Поразительно, сколько труда и человеческого тепла вложено в эти восхитительные войлочные работы, такие душевные, нежные и трогательные. И какое тепло исходит от этих работ!

Волшебные, но очень домашние и знакомые образы, созданные Ириной Андреевой из белого и графитового войлока с многообразными оттенками серого и черного, сразу погружают вас в какой-то далекий мир детских воспоминаний, добрых советских мультфильмов и забытых сказок. Пушистые варежки на резинке, до боли знакомые колготки, смешная шапка, валенки, свернувшаяся клубком кошка, радиаторная батарея, телевизор с мультиками, окно в зимних узорах, домашний уют... «Это про нас» — ключевая эмоция, которую вызывают работы Ирины. Всё это из нашего советского детства, всё это вызывает очень интимные, сокровенные воспоминания и эмоции.

Как в лучших произведениях искусства, художественные образы у Ирины Андреевой не слишком конкретные (лиц как таковых у персонажей нет, лишь намёк на конкретные образы, чтобы дать возможность зрителю самому наделить персонажа эмоцией), но при этом реальность воссоздают удивительно живо. В работах Ирины Андреевой обычно преобладает монохромная гамма. Такая графичность позволяет не отвлекать яркими красками от характера самого материала, от самого образа, позы, персонажа.

Тёплый домик с большим комодом, окно, кровать, снеговик на улице — всё это сделано из войлока, всё очень тёплое и мягкое. Хочется укутаться в этот всем знакомый клетчатый плед и любоваться этой красотой.

Особенный фурор среди посетителей произвели валяные пельмени (композиция «Пельменная рапсодия»). Ну и, конечно, настоящий валяный холодильник! Хорошо охладиться по жаре.

У зрителей творчество Ирины Андреевой вызывает самые положительные эмоции и самый живой отклик. Радостные и изумленные «охи» и «ахи», восторженные возгласы, а у кого-то и слёзы наворачиваются от детских воспоминаний. Многие узнают в этих картинах себя. Перед вами не просто декоративные работы, а настоящее искусство. Я бы даже сказала, литература. Наверное, потому, что эти войлочные композиции могли бы послужить превосходными иллюстрациями для какого-нибудь детского рассказа, повести — или даже стихотворения. Вот, валенки, например, оказывается, растут на деревьях. Как у Чуковского:

Лапти созрели,
Валенки поспели,
Что же вы зеваете,
Их не обрываете?

Вот оно, Валеночное дерево Ирины Андреевой, которое, по словам автора, плодоносит каждый Новый год. В создании дерева принимали участие и дети Ирины.

Художник по войлоку, кукольный мастер Ирина Андреева родом из Сарапула, что на берегу реки Камы. Она закончила художественно-графический факультет Педагогического Университета в Ижевске, а несколько лет назад вместе с мужем  и маленьким сыном перебралась в Москву, где и стала известна как очень искренний художник со своим неповторимым почерком. Впрочем, изначально Ирина серьезно заниматься куклами не планировала. Она ориентировалась скорее на работу дизайнера, но в итоге попала в кукольный мир, и оказалось, что это тоже очень серьезное искусство с вековой историей.

Сегодня Ирина является постоянным участником и победителем множества фестивалей и выставок авторской текстильной куклы и мишек Тедди. Ее работы регулярно участвуют в экспозициях в Кукольной Галерее Вахтановъ в Москве, а также находятся в частных коллекциях в России, Прибалтике, Великобритании и США. Ирина Андреева работает в древней технике мокрого валяния из шерсти (чудесные фотографии купания её валяных созданий можно посмотреть тут). Сейчас Ирина Андреева совершает тур по городам Европы со своим проектом (Арт-Фельт-Шоу) «Тёплый день».

Почему для своего творчества Ирина Андреева выбрала именно этот материал, войлок, она точно не знает. Этот материал Ирина впервые попробовала лет 15 назад, но только около 6 лет назад, после переезда в Москву, начала обращаться к нему серьезно. «Он очень хорошо понимает меня. Войлок является соавтором моих работ, и он меня корректирует всё время», — говорит она об этом материале. Вот что говорит об этом сама художница: «Своей фактурой цветом и ароматом войлок покорил, заставил влюбиться, и, кажется навсегда. Войлок податлив и капризен. Никогда не знаешь наверняка, что выйдет в результате. Порой форма, которую создаешь, словно корректируется самим характером войлока, что иногда заставляет на ходу менять образ и историю. Каждый раз перед началом «лепки» водой испытываешь азарт и одновременно страх — куда поведет Он на этот раз. Чаще удается договориться, и тогда получается шедевр, соавтором которого выступает сам господин Войлок. Поэтому часто результат очень отличается от эскиза.

Руки будто любят войлок, шерсть, не зависимо от автора. Перед работой они любовно пробегаются, ощупывая материал, наслаждаясь новой встречей. «Аромат» не отталкивает, а вызывает вдохновение до дрожи. Далекое воспоминание о детстве, проведенного отчасти в деревне, перекликается с запахом бабушкиного дома, черемухи, и удивительной козы Катьки, извилистой речки в овражке, многочисленными клубничными холмами, грибными лесами, пирогами-шаньгами и т.п.».

Проект «Тёплый день» — это тёплая войлочная история в войлочном пространстве, навеянная  воспоминаниями Ирины Андреевой о детстве. Героиней истории является маленькая войлочная девочка, которая осталась дома одна. Ей немного грустно, но не скучно. Каждый предмет в доме — ее друг. И к тому же, с ней ее войлочная подружка кошка, которая участвует во всех ее шалостях и исследованиях. Вся эта незамысловатая история и разворачивается перед нашими глазами в нескольких войлочных сценках, где главное даже не сюжет, а ощущение теплоты мира, дома, близкого существа. Девочка и кошка дружно живут в уютном доме, вместе утром просыпаются, весело играют, проказничают и озорничают, в общем, они не просто подружки, а близкие друзья, которые понимают друг друга.

В одном из интервью Ирина Андреева рассказала: «Делать просто эмоцию мало, нужно, чтобы была история. Даже очень красивая кукла, если она застыла в одном моменте, навевает скуку. Кроме того, войлок сам по себе материал свое­нравный. Фигура получается не до конца проясненная, с шершавинкой».

Например, в композиции «Тёплое утро» мы видим, как войлочная девочка просыпается и трет глазки, а рядом ее подружка киска тоже не торопится просыпаться.

В композиции «Мамина помада» девочка и кошка добираются до маминого комода и начинают прихорашиваться.

В композиции « Следы» девочка с кошкой идет гулять на улицу, лепит снеговика и «рисует» ногами узоры на снегу.

Уже упомянутая композиция «Пельменная рапсодия» изображает, как девочка с кошкой лепят пельмени, чтобы сделать приятное маме. Да и сами они проголодались с улицы.

История заканчивается последней сценкой — композицией «Тёплый вечер». Девочка с кошкой уютно примостились на диване и смотрят мультфильмы.

Помимо собственно войлочных композиций, выставка «Тёплый день» была дополнена потрясающими фотографиями, которые сами смотрелись, как кадры из какого-то сказочного зимнего мультфильма. Фотографии удачно показывают какие-то детали композиций и выстраивают целые сюжеты. На многих снимках наряду с войлочными предметами и персонажами фигурирует не валяная, а самая что ни на есть живая полосатая кошка яркого окраса Мотя, любимица художницы.

Когда Ирину Андрееву спрашивают о проведении мастер-классов, художницы отвечает: «Меня часто просят провести мастер-классы, но я отказываюсь. Нет, мне не жалко делиться опытом. Я просто не знаю, как объяснить то, что я делаю. Уединяюсь, включаю по настроению музыку, и работаю, не отдавая отчета своим действиям. Если вижу фигуру, и слезы наворачиваются, значит, получилось!»

(Некоторые фотографии войлочных композиций Ирины Андреевой, созданных ею в рамках проекта «Тёплый день», а также фотографии фотоснимков, сделанных в дополнение к композициям, можно посмотреть на сайте Ирины Андреевой здесь и здесь; кроме того, очень много фотографий различных работы Ирины выложено на этом сайте). Рекомендуем также интервью с Ириной Андреевой  на радио «Маяк» и видеролик, в котором можно увидеть множество ее произведений. Интересный материал об Ирине Андреевой и ее творчестве можно найти в журнале «Русский Репортёр».

Что еще понравилось в этот раз на выставке? Очень оригинальной показалась персональная экспозиция Натальи Гапоновой и Марка Ли «Лавка древностей». С работами этих авторов мы уже встречались, например, на выставках «Время кукол-5», «Время кукол-4» (и более ранних).

Наталья Гапонова и Марк Ли, члены Союза Художников России, родились в Волгограде, но сегодня живут в Санкт-Петербурге и создают фантастических петербургских кукол. Они делают, например, милых рождественских ангелов и небольших куколок из флиса, а также других сказочных персонажей, мелких и крупных, но всегда выполненных по особой авторской технологии и отличающихся особой загадочностью и неповторимым стилем.

В этот раз была представлена целая серия оригинальных скульптурных работ из текстиля, расписанных вручную несколькими слоями краски. Работы выдержаны в приглушенных охристых цветах и, как это часто бывает у этих авторов, искусно состарены.

Куклы Марка Ли и Натальи Гапоновой как бы покрыты патиной времени и потому смотрятся загадочно, фантастично. Все эти работы очень разные по размеру, но выполнены в едином стиле, отдают восточным колоритом и древностью.

Обратим теперь внимание на покрытый черным бархатом стенд с игрушками работы московского мастера Алёны Жиренкиной, которая участвует в выставке «Время кукол» уже не в первый раз. С авторскими мишками Тедди и другими персонажами Алёны Жиренкиной мы уже встречались, в частности, на выставке «Время кукол-5». Алёна придерживается стилистики антикварной игрушки, часто использует винтажный плюш и старинные кружева, вещи с блошиных рынков и из «бабушкиного сундука». Кроме того, мастерица отлично владеет методом тортюрирования, или тортюра, то есть искусственного состаривания (данная техника заключается в намеренном вытирании, обесцвечивании, «запачкивании», пропуске стежков в вышивке морд, тонировании, штопке с торчащими нитками и т.п.).

Вот они, тортюрированные звери Алёны Жиренкиной, с их неповторимыми стеклянными глазками и умильными любопытными мордочками, которые как будто от тебя чего-то требуют. Мишки Алёны настолько своеобразны, что в кукольном мире за ними закрепилась репутация игрушек с характером, не таких уж однозначно добрых и безопасных, как, казалось бы, «положено» классическим медведям Тедди.

Алёна Жиренкина является профессиональным художником-графиком и иллюстратором детских книг, она член Творческого союза Художников России и известный мастер-теддист. Ее работы находятся в частных коллекциях в Европе и Японии, часто участвуют в фестивалях медведей Тедди в России и за рубежом и занимают призовые места на конкурсах.

Рядом со стендом с медведями Алёны Жиренкиной разместился стенд проекта «Кёниг-Артдолл» с работами Оксаны Сахаровой, Ольги Деловой и Натальи Прониной из Калининграда (отсюда, очевидно, и название этого творческого сообщества). Нам особенно приглянулось декоративное панно Оксаны Сахаровой «Часы с Ку-Кошкой», выполненное в смешанной технике:

По соседству нас ждали неповторимые медведи Екатерины Хазиной из Санкт-Петербурга — мастера, знакомого нам по выставке «Время кукол-5». Как всегда, мишки Екатерины Хазиной прекрасно узнаваемы по характерному силуэту с длинными шеями и свернутыми ушками и особой фактуре текстиля. Это очень милые создания, изысканно одетые в костюмы прошлых веков и обычно дополненные какими-нибудь оригинальными деталями и реалистичными аксессуарами, которые помогают создать более конкретный образ, посвященный, например, той или иной профессии или занятию. Некоторые мишки Екатерины Хазиной — настоящие английские джентльмены! (И это неудивительно, ведь любимая эпоха художницы — XIX век, а одна из любимых стран Англия).

По образованию Екатерина Хазина преподаватель изобразительного искусства, и мишек она начала шить только в студенческие годы, но теперь занимается этим постоянно. Среди представленных на выставке «Время кукол-7» работ Екатерины Хазиной — не только медведи, но и, например, «розовый слон счастья» и белый кролик с длинными ушами в бархатном камзоле с кружевами. Самый крупный мишка на стенде, Шарлевиль, выполнен из винтажного плюша в сине-бело-голубых цветах. Похоже, что его многоярусная шапка и общее цветовое решение навеяны атрибутикой болельщиков «Зенита». В то же время объемные домики у него на животе и на шляпе создают атмосферу ночного города.

Обратите внимание также на сидящего с левого края крупного зеленого мишку из плюша, который чем-то напоминает динозаврика. Это «лох-несское  чудовище» по прозвищу Шанти сшито из винтажного бархата и украшено кружевом, бантиками и брошками. Пару ему составляет сидящий с правой стороны нарядный пурпурный плюшевый мишка Фло, чье одеяние декорировано розочками, жемчугом и кружевами. Справа от него можно заметить мишку-часовщика с часами и на шляпе, и на рубашке, и на накидке, и даже на портфеле. Хороши также трогательные медведи с медвежатами, например медведица-мама с малышом за спиной или медведица с мишкой на руках. Ну и, конечно, очаровательный мишка-фотограф с фотоаппаратом и вырезкой из журнала начала XX века.

Бурный восторг вызвали куклы Татьяны Серых из Екатеринбурга и Светланы Резановой из Нижнего Тагила. Татьяна Серых — искусствовед, дизайнер-декоратор, художник по куклам и педагог в коррекционном центре для детей. Она окончила факультет искусствоведения и культурологи УрГУ. Татьяна занимается профессиональным оформлением интерьеров, витрин, созданием аксессуаров, бутафории и декораций. Вдобавок к этому она с увлечением занимается авторской куклой, участвует в фестивалях и выставках авторской художественной куклы в разных городах России и является призером многих конкурсов. Вот фотографии нескольких шутейных кукол Татьяны Серых, созданных с использованием липового дерева, половичков и павлово-посадских платков:

Работы Татьяны Серых находятся в частных коллекциях в США, Канаде, Израиле и России. Особенно Татьяна любит создавать работы из текстиля, это ее любимый материал. А вообще художнице нравится экспериментировать с материалами. Например, она придумала создавать куклы из тканых половичков. А еще — про каждую куклу Татьяна придумывает какую-нибудь историю.

Невероятно тронули валяные работы мастерицы Дины Рониной из Санкт-Петербурга, которая представила на выставке «Время кукол-7» таких причудливых войлочных созданий, как рыбки-бохо, валяные камбалы (да-да, не вяленые, а валяные!) и даже ангел-бабушки (с фантазийными именами Агафья, Альберта, Авдотья, Молли и Ловиса-Доротея). Вот перед вами валяные камбалы по имени Тюрбо и Флюк и валяная бабушка Агафья:

Пушистые валяные ангел-бабушки из фетра — это что-то! Это, например, Авдотья, Альберта и Ловиса Доротея:

А вот Агафья, Рыжая Молли и Авдотья:

Работы Дины Рониной были представлены на стенде салона авторской игрушки «Сундучок», рядом с куклами Натальи Шмаковой (она хозяйка и основатель этого магазина-салона авторской игрушки). На стенде также можно было купить специальную литературу по художественному войлоку (книги, журналы на разных языках).

Среди работ Натальи Шмаковой можно было увидеть, например, войлочного птенца, милого валяного котика с рыбкой и даже избушку на курьих ножках. Тут же можно было заметить другое войлочное чудо — медведя полярного по прозвищу Бегемот, или «Запах дома». Это работа Катерины Зинич (сухое валяние). А рядом к чему-то принюхивается валяная собачка Надежды Маркевич — щенок таксы, сделанный из кардочесанной шерсти.

Замечательные валяные шляпы и красивая текстильная живность со стенда салона авторской игрушки «Сундучок»:

Особенно порадовал большой и очень разнообразный коллективный стенд участников II этапа конкурса «Кукла года», проводимого журналом «Кукольный Мастер».

На этом стенде наше внимание привлекла сладкая парочка: зайка и мишка «Морские ракушки» мастеров Светланы и Марии Заброцких из Калининграда. Мама и дочка Заброцкие создают замечательных мишек Тедди и других авторских зверей, сотрудничают с московской галереей Вахтановъ и принимают участие в выставках коллекционных медведей Тедди. Полюбуйтесь очаровательными мордочками, славными матросскими костюмчиками и другими милыми деталями этих зверят.

Рядом мы увидели утонченную и очень декоративную работу из папье-маше и паперклея — творение Юлии Краевой из Мончегорска. Оказалось, что эта кукла — девушка-русалка из серии «Бабы-рыбы» (Лососина).

Рядом была замечена еще одна не менее оформленная девушка из той же морской серии «Бабы-рыбы» (Наташа). Но особенно изящной показалась представленная на том же стенде восточная дама с коромыслом, также из серии «Бабы-рыбы» (Матросина).

А эта композиция из текстиля нас просто очаровала. К сожалению, автор этой фольклорной птицы Феникс нам неизвестен (будет благодарны, если вы поделитесь этой информацией в своих комментариях).

Еще на стенде конкурса «Кукла года» можно было увидеть мишку по прозвищу Янус (хлопок, лён) мастера-теддиста Веры Власовой из Москвы. К сожалению, на фотографии плохо видно, но этот мишка действительно двукликий! У него две мордочки с разным выражением, и ноги могут поворачиваться в любую сторону. (Хорошее фото можно посмотреть вот тут). Вера Власова работает в уникальном авторском стиле. Таких мишек Тедди мы еще не видели. Чувствуется, что это не просто забавное маленькое существо, а потрепанный жизнью медведь со шрамами на некогда пушистой шкурке и суровыми морщинами на лбу.

Особенно интересной на коллективном стенде участников конкурса «Кукла года» нам показалась работа Светланы Рудой из Москвы «Музыка белой ночи» (полимерная глина ладолл). Название, согласитесь, оказалось весьма в тему. Очень питерская получилась композиция.

Светлана Рудой закончила Загорское художественно-промышленное училище по специальности «Художественное проектирование и оформление игрушки», занималась дизайном интерьера, но сейчас говорит, что главное в ее жизни — куклы. Мастерица участвует в выставках московской галереи Вахтановъ, является призером нескольких конкурсов и членом Московского Союза Художников. Светлане прекрасно удаются образы, посвященные разным городам, например Венеции.

Рядом — совершенно иное создание. Это работа из папье-маше «Черная дыра», выполненная членом Международного объединения авторов кукол  (МОАК) Наталией Крушановой из Южно-Сахалинска.

А вот работа Елены Папаш из Санкт-Петербурга, композиция «Посмотри! (Султан и кот)» (пластик Проскульпт, паперклей, шелк, бархат). Елена является победителем международного конкурса «Кукла года 2009» и участником Объединения кукольников Санкт-Петербурга.

Работа Евгении Аведиковой из Ростова-на-Дону «Коко» (паперклей) изображает рождение бабочки.

Всё на том же стенде участников конкурса «Кукла года» нас покорила трогательная и очень добрая композиция «Секретик» (паперклей, текстиль, войлок) художника Натальи Чикуровой из Ижевска. Наталья является руководителем Ижевской мастерской авторской куклы и членом МОАК (Международного объединения авторской куклы). Как и Ирина Андреева, это один из наиболее интересных ижевских мастеров-кукольников.

Прекрасен «Блюзмен» Алёны Вартомо из Санкт-Петербурга (паперклей).

А вот замечательная ностальгическая работа Татьяны Чугуновой из Владимира, «А мне одно за 9 копеек...» (ладолл). Татьяна Чугунова по профессии техник-технолог по обработке металлов, однако ее детской мечтой всегда было заниматься рукоделием и в первую очередь делать кукол. Теперь ее мечта сбылась. Некоторые из кукол Татьяны удостоены почетными грамотами и премиями. «Что такое призвание? – рассуждает мастерица, — Это что-то такое, чего ты просто не можешь не делать. Некоторые за всю жизнь так и не могут найти себе дело по душе, а мне вот так неожиданно повезло…»

Татьяна Чугунова также является основательницей и хозяйкой магазина «Шахматная королева» во Владимире. Этот магазин дает возможность реализоваться не только ей, но и другим владимирским художникам по куклам .

Далее мы перешли к стенду с работами Натальи Филиновой из Санкт-Петербурга. Эта художница знакома нам по выставке «Время кукол-5». Наталья традиционно отдает предпочтения персонажам в стиле фэнтэзи. У нее получаются очень характерные друиды, викинги, гномы и другие волшебные персонажи.

Особенно хорош развесёлый пьяный гном с гармонью. А гном-кузнец завораживает мудрым взглядом и очень живыми чертами лица. Тут же можно увидеть таких персонажей, как воин-гном, гном-сапожник и замечательный друид под деревом.

Наталья Филинова окончила Санкт-Петербургский Государственный Университет Кино и Телевидения по специальности «режиссер-аниматор», работала мультипликатором, художником-оформителем, преподавала основы анимации в эфире, занималась арт-дизайном компьютерных игр; участвовала во многочисленных выставках кукол; является призером конкурса «Кукла года» в 2009 и 2010 годах.

Также Наталья преподает в Школе Авторской Куклы Санкт-Петербурга (ведет курс для начинающих по изготовлению кукол из запекаемых пластиков и другие авторские мастер-классы).

Невероятно свежими и задорными показались работы художественного тандема АняМаня (это творческий дуэт Анны Григорьевой и Марии Колеговой из Казани). Девушки окончили Казанское театральное училище и теперь занимаются изготовлением портретных кукол, ростовых кукол, марионеток, авторских коллекционных и сувенирных кукол. Художницы работают в смешанной технике и с разными материалами. Только посмотрите, сколько юмора, выдумки и мастерства в этих интересных работах! Какое чудесное настроение они создают!

Здесь есть и несколько ангелов с потрепанными крыльями, которые держат в руках сердце; и великолепный ангел-музыкант, сам изогнутый, как саксофон; и три упитанных сельских кумушки; и кокетки-сладкоежки из эпохи Марии-Антуанетты (Кофейница и прочие любительницы десертов)...

Ну и конечно необъятная рыжая дама, отдыхающая на пляже, вся в веснушках и с удивительной фигурой (впрочем, без намека на целлюлит). Тапочки-то у нее какие крошечные!

Особое место и отдельная стеклянная витрина в Большом зале были отведены Марине Бычковой (Marina Bychkova) из Ванкувера (да-да, это канадская художница, поскольку её семья эмигрировала из России в Канаду, когда Марина была подростком). Марина Бычкова получила художественное образование в Emily Carr University of Art and Design (Институте Искусства и Дизайна Эмили Карр) и на курсах ювелирного мастерства, но с тех пор не перестает учиться и расширять кругозор. Созданием кукол она начала заниматься в 2000-х годах. Сейчас Марине нет еще и 30 лет (она родилась на юго-западе Сибири в 1982 году), но ее куклы известны уже по всему миру и вызывают непременные споры и восхищение. Куклы Марины Бычковой настолько популярны, что за ними стоят целые очереди из коллекционеров по всему миру.

На выставке «Время кукол-7» зрители смогли увидеть коллекцию из 25 драгоценных кукол Марины Бычковой, The Enchanted Doll^TM.

По-настоящему эксклюзивные куклы Марины Бычковой уникальны по невероятной нежности и пластике поз, подвижности (это шарнирные фарфоровые куклы), необычному выбору материала (фарфор), яркой индивидуальности и самобытности каждой работы, поистине ювелирной работе и обилию тончайших деталей. Куклы у Марины получаются анатомически совершенными, женственными и очень эротичными. У них очень реалистичные фигуры, потрясающие костюмы и аксессуары, сделанные Мариной вручную.

Куклы Марины Бычковой — это фантастически красивые женские образы. У нее хорошо получаются как грациозные обнаженные куклы, так и куклы, щеголяющие фантастическими нарядами. В некоторых куклах Марины Бычковой обнаженная натура прекрасно сочетается с изысканным костюмом, расшитым бисером, драгоценными камнями, жемчугом, кристаллами... Особая изюминка кукол Марины Бычковой — великолепные ювелирные украшения и обувь тончайшей работы. Всё это Марина создает по собственному дизайну из драгоценных металлов высшего качества. Многих кукол этого мастера также отличают роскошные шелковистые волосы, которые создают широкие возможности для создания великолепных причесок. Чаще всего для изготовления волос Марина использует шелк. А благодаря продуманному автором умному шарнирному механизму, куклы могут принимать множество предельно реалистичных и эстетичных поз.

Одной из любимых художниц Марины Бычковой является немецкая художница и иллюстратор Суламит Вюльфинг (Sulamith Wülfing) (1901 – 1989), для творчества которой характерны загадочные женские образы с задумчивыми и печальными глазами, нередко в сказочных одеяниях с замысловатыми узорами, посреди лесов и лугов.

Куклы Марины Бычковой — это не детские игрушки, а настоящие арт-объекты. Даже некоторых взрослых они смущают своей анатомической правдоподобностью, розовыми «воспаленными» шарнирами и грустными, задумчивыми глазами. Марина не боится затрагивать в своем творчестве острые проблемы современного общества и передавать далеко не радужные эмоции. Некоторые ее куклы не просто нежные и трепетные создания, но и очень живые, чувственные, даже трагические персонажи со страданием во взоре, подчас вызывающие жуткие ощущения своей реалистичной телесной красотой и душевной болью. Чего стоит, например, одна только жутковатая и одновременно прекрасная беременная кукла «Государственное имущество» (State Propery), посвященная теме порабощения женщины обществом.

Или, скажем, кукла «Анна Каренина» (Anna Karenina Survives The Train) в ортопедическом корсете и с протезом. Здесь Марина Бычкова, по ее собственным словам, пыталась представить иной вариант концовки трагической истории любви Анны: вообразить, будто, бросившись под поезд, она выжила после этой попытки самоубийства, но получила страшные увечья. Художница создала зримую интерпретацию нравов российского общества той эпохи, которые в итоге и решили судьбу Анны, представив их в виде протезов и бандажных скреп, которые в буквально смысле держат сломанное тело героини Толстого. Бесчеловечность социальных условностей ее защищает, но в то же время и связывает. Художница рассуждает, действительно ли такая концовка смогла бы изменить судьбу Анны.

Или, например, кукла «Некрофилия» (Necrophilia), изображающая мёртвую принцессу (Спящую Красавицу) с проступившими на теле трупными пятнами. Сама Марина Бычкова пишет об этом так: «В большинстве оригинальных сказок часто присутствуют значительные элементы насилия, а зачастую и неприкрытой сексуальности. Мне интересно посмотреть на сказку под другим углом и создать зримое повествование, которое бы интерпретировало романтизированную сказку с акцентом на ее темных смыслах». Многим этот излишний натурализм кажется извращением, и эта естественность болезненной. Однако в оригинальности такому подходу не откажешь.

Собственно, в качестве качестве VID, то есть «очень важной кукольной персоны» (very important doll), на выставке «Время кукол» в этом году была выбрана именно кукла Марины Бычковой «Хрустальный канделябр», или Люстра (Chandelier). Вдохновением для художницы послужила вступительная сцена из мюзикла «Фантом оперы», где из кучи рухляди появляется огромный хрустальный канделябр, свечи в нем зажигаются, и он поднимается под потолок, зависая над головами зрителей. «Я представила себе огромный хрустальный канделябр на голове хрупкой топ-модели и решила создать экстравагантный образ, выходящий за границы правдоподобия», — говорит Марина. Канделябр покрыт золотом и украшен кристаллами Сваровски. На него даже можно установить зажженные свечи.

Отметим еще несколько кукол Марины Бычковой, которые нам довелось увидеть на выставке «Время кукол-7». Например, кукла «Выживание» (Surviving) отражает острый личный страх художницы, связанный с распространенным риском заболевания раком груди, но в то же время дает надежду на жизнь. В каком-то смысле эта кукла является изображением известной христианской мученицы св. Агаты, которой, как известно, отсекли груди. Образ св. Агаты стал для художницы символом борьбы с раком, ампутации молочной железы и выживания. У нее даже была мысль назвать эту куклу «Св. Агата: покровительница жертв рака груди». Но Марина атеистка, и в итоге отказалась от этой идеи. Нимб, однако, остался.

Изысканная кукла «Мачеха» (Stepmother):

А вот одна из татуированных кукол Марины Бычковой, «Песня русалки» (Mermaid Song):

Особенно интересной, не только по дизайну, но и по идее, нам показалась кукла «Двадцать минут до полуночи» (Без двадцати полночь) (Twenty to Midnight). Эта кукла отчасти навеяна воспоминаниями Марины о повести «Сказка о потерянном времени». Работа родилась из острого чувства тревоги о скоротечности времени, старении и смертности человека и посвящена вопросам преходящей природы всего сущего и неизбежности смерти. «Бесценное время для нее всего лишь модное украшение, которое она выставляет напоказ, но не ценит», — пишет Марина Бычкова.

Полюбуйтесь детально проработанным фантастическим нарядом и ювелирным головным убором куклы «Молодая Цыси, вдовствующая императрица Китая» (Young Cixi: the Dowager Empress of China). Марина Бычкова изобразила Цыси в годы ее юности, когда девушка стала наложницей императора Сяньфэн (Ичжу). Цыси еще не знает, что ей суждено стать самой могущественной женщиной в Китае, но в ее глазах уже поблескивает огонек предвкушения великих перемен в жизни.

Необычная кукла «Дочь капитана Немо» (Captain Nemo’s daughter):

Сайт Марины Бычковой: enchanteddoll.com. Кроме того, много хороших фотографий кукол Марины Бычковой можно посмотреть тут. О работах Марины часто пишут в российских и особенно западных журналах, причем не только в специализированных изданиях об авторской кукле, но и в журналах о моде.

Перейдем теперь к стенду петербургского кукольного мастера Ирины Дейнеко, с работами которой мы уже встречались выставках «Время кукол-5» и «Время кукол-4». Раньше Ирина Дейнеко работала на киностудии «Ленфильм», после кризиса середины 90-х стала создавать художественные фарфоровые куклы, а в 2003 году увлеклась полимерными пластиками. В очень узнаваемых авторских куклах Ирины Дейнеко всегда ощущается некая ностальгия; это очень женственные, задумчивые и поэтичные образы, передающие очарование ушедшей эпохи. Полюбуйтесь, например, на эту парижскую парочку: изящная кукла «Варьете» и кокетливая «Мадемуазелька»:

Стильная кукла «Космос» обращает на себя внимание необычайной формой и фантастическим кобальтовым цветом юбки, под «куполом» которой колышутся бусинки. Кукла эта, как это часто бывает у Ирины, подвижная, и сделана из полимерной глины Modena soft и папье-маше.

А вот кукла Ирины Дейнеко «Внутреннее пространство» с очень интересной цветовой гаммой. Эта кукла с печальным взглядом и копной рыжих волос выполнена из самоотвердевающего пластика Artista formo, а шляпка и юбка — из папье-маше с элементами декупажа. Обратите внимание на вкрапления металлической сетки (сквозные окошечки) на юбке.

Стенд Петербургского музея кукол составил исторический раздел выставки. Здесь зрители смогли увидеть самые первые куклы, положившие начало коллекции музея, создателем и директором которого является Галина Николаевна Варенюк. Особенно понравилась очень петербургская интерьерная кукла «Геология», которую обычно можно увидеть в зале «Театр и маскарад» питерского музея кукол. Кукла была создана петербургской художницей Натальей Меренцевой в 2000 году из текстиля, керамики и пластика.

Очень необычно оформленный стенд представила Ольга Венжега, кукольный мастер из Донецка. Фоном для экспонатов служил занавес с изображением камина с часами в стиле ампир, над которым висят два портрета: готовый расплакаться маленький генерал с трагическим взором и некая европейская красавица, также с детским лицом и взрослой прической.

Тут же стояли собственно куклы, «позировавшие» для этих портретов. А ниже возлежала роковая Зобеида из пластики Livingdoll, одетая в драгоценное платье из парчи и шелка, расшитое жемчугом, стразами и бисером. Ольга Венжега занимается куклой с 2007 года, участвует во многих арт-ярмарках и выставках авторской куклы.

Очень порадовали куклы Марины Зиминой из Киева. Помнится, на выставке «Время кукол-5» было достаточно много работ, навеянных фильмом «Алиса в стране чудес» Тима Бёртона. На этот раз заслуженный художник-кукольник Марина Зимина представила целый стенд, посвященный исключительно ее интерпретации героев этой сказочной истории.

Фон был полностью завешан черной тканью, которая создавала особый эффект театрального занавеса. На этом занавесе были вразнобой развешаны разнообразные ключи и ключики, опять же намекающие на невероятные истории, которые произошли в загадочном мире чудес с девочкой Алисой.

Из персонажей сказки Марина Зимина представила и саму Алису, и Чеширского Кота, и Шляпника, и Мартовского Зайца. Замечательное оформление и чудесные куклы!

Марина Зимина закончила мастер классы-ведущих художников-кукольников. Она является постоянной участницей международных выставок художественной куклы в России и Европе.

Стенд с куклами Юлии Литвиновой из Санкт-Петербург запомнился стильными и трогательными сказочными героями, а также очень качественными фотографиями кукол, дополнявшими сами работы. Юлия Литвинова профессионально занимается авторской куклой с 2008 года, принимает активное участие в международных и российских выставках художественной куклы. Большинство кукол Юлии находятся в частных коллекциях. Ряд ее произведений можно также увидеть в салоне авторских кукол «Суок» и галерее «Стекло» в Санкт-Петербурге. Вот некоторые из ее работ, в том числе Снежная королева и Красная королева, или Королева Червей (очевидно, снова не обошлось без «Алисы в стране чудес»).

Ирина Великанова из Санкт-Петербурга представила коллекционных мишек Тедди. Мастерица шьет медведей Тедди с 2008 года и регулярно участвует в основных петербургских выставках авторской куклы. Большинство коллекционных авторских мишек Тедди Ирины Великановой находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

Замечательного медведя Тедди по прозвищу Степан Венецианов мы помним еще со времен выставки «Время кукол-4», когда Ирина впервые участвовала с собственным стендом в этой международной выставке кукол и мишек Тедди. Нарядный Степан стал самым первым медведем, которого сшила Ирина, и она до сих пор не может с ним расстаться. Мишка сшит их текстиля в технике crazy patchwork («озорные лоскутки») и в свое время получил специальный приз журнала «ТеДДи-медвеДДи».

А еще на стенде Ирины Великановойсидел мишка из разноцветного винтажного плюша в кружевном воротнике и таких же манжетах, очень красочный, тоже сшитый из лоскутков, с тряпичными тонированными подушечками на ногах и руках.

В рамках проекта «Крафт Базар» был представлен стенд петербургского объединения «Арт-терапия» с обилием красочных, поднимающих настроение работ из текстиля (сумки, одежда, платки), а также десятком замечательных кукол.

Среди последних особенно порадовали вот эти две пышечки в банных нарядах:

На стенде Татьяны Голованевской из Санкт-Петербурга мы увидели несколько трогательных мишек Тедди с бубенчиками и ключиками на шее или в кружевных воротничках (Нанук, Берта и другие).

Надежда Хохлова из Каргополья удивила необычной композицией, изображающей целый гроздья медового цвета мишек на дереве, именуемом Тедди-дубом (Teddydub).

А под деревом, на мягком ватине, представлен целый сказочный мир, где жители Севера катают мишек на санях, ловят их — словно яблоки — с чудесного Тедди-дерева, берут на руки и обнимают.

Еще одна деталь композиции Надежды Хохловой:

А вот перед нами кукла из серии «Волшебный сад» Натальи Игнатьевой, художницы из Санкт-Петербурга:

Выше уже упоминалось о магазине-студии бумажного творчества «Милое дело». Эта петербургская студия пропагандирует бумажную живопись, декупаж, бумагокручение и другие виды бумажного творчества как новое средство от стресса и усталости.

Посмотрите, какие необычные и качественные поделки получаются у мастеров студии, работающих с цветным гофрокартоном в технике бумагокручения.

Стенд Архангельского объединения авторской куклы (АОАК) «Кукольный домик» из Северодвинска представил работы таких мастеров, как Ирина Черепанова, Наталья Северина, Анастасия Пискунова, Елена Шерстюк и другие.

На стенде галереи «Ручная работа» нам особенно приглянулись авторские игрушки Галины Елисеевой. С творчеством этой петербургской художницы мы познакомились на выставке «Время кукол-5». В этот раз мы увидели несколько очаровательных работ, сделанных с любовью и добрым юмором.

Композиция «Волны бьют, а мне не больно» («Море бьется») с симпатичной девчушкой, которая смотрит на прибой, и композиция «Граф Вишенка и графиня Вишня»:

Умилительные «Фея бабочек» и «Гретель»:

Композиции «Оркестрант» (Кот-с-трубой) и «Дюймовочка» вместе с другими работами были объединены темой «Что за прелесть эти сказки!»

Несколько текстильных работ со стенда галереи «Ручная работа», в том числе сумасшедшие зайцы Галины Елисеевой:

На стенде матери и дочери Ирины и Анастасии Стрепетовых из Санкт-Петербурга, как всегда, можно было увидеть множество мишек Тедди и других симпатичных зверей.

Студию Стрепетовых мы знаем по выставке «Время кукол-5». Именно тогда Ирины и Анастасии впервые представили совместный стенд, ставший одной из самых крупных экспозиций на выставке. На этот раз мастерицы представили не только медведей Тедди, но и разнообразных слонов, собачек, зайчиков.

Татьяна Шарф из Нижнего Тагила, член Международного объединения авторской куклы и Уральской ассоциации художников по куклам, показала на выставке кукол, слепленных из фаянса, который является любимым материалом художницы. Кукол Татьяна делает с 2005 года, часто участвует в ярмарках и салонах авторской игрушки. Все ее куклы слеплены вручную в единственном экземпляре. Татьяна Шарф является победителем конкурса журнала «Кукольный мастер» 2007 года в номинации «Шуты и короли» и 2009 года в номинации «Аксессуары».

Кокетливая кукла из фаянса «Карамелька»:

Отличная композиция из фаянса «Научный спор»:

Особенно очаровала нас волшебная композиция из фаянса «Одуванчик»:

Кукла «Баба Яга» (сделана, в отличие от остальных, из керамики):

Посмотрите, с каким мастерством сделаны черты лица Бабы-Яги Татьяны Шарф:

На стенде московской художницы Светланы Груздовой — целая россыпь самых разных персонажей, созданных в смешанной авторской технике (папье-маше плюс грунтованный текстиль).

У Светланы получаются очень светлые, кружевные образы. Больше всего известны ее добрые ангелы. Как бывший театральный художник, Светлана Груздова сочетает в своей работе старые театральные технологии и современные методы обработки материалов.

Полюбуемся теперь на работы Ольги Костиной из Мурманской области (посёлок Никель). Как всегда, художница придерживается неподражаемого авторского стиля. На этот раз она привезла в Петербург серию кукол, изображающих этаких уездных джентльменов, востроносеньких, в смешных разноцветных шляпах и сюртучках с часами с кукушкой. Ольга прекрасно передала фактуру бархатистой одежды своих довольно комичных персонажей.

Вот, например, забавный Арсений-художник:

Напротив Арсения, тоже на фонаре и взгромоздившись на подушку, восседает колоритный персонаж с телефонной трубкой (композиция «Алло, барышня»).

По традиции общий стенд представили Ворониха с ее войлочными тварями и Магда (Мария Позднякова) — автор разнообразного «коллекционного зверья», или попросту магдозвериков. Замечательная петербургская художница Ворониха (Александра Петрова) великолепно владеет техникой фильцнадель (сухое валяние) и создает из войлока мягких загадочных тварей, которые отличаются мшистыми приглушенными цветами и обтекаемыми линиями. Эти твари напоминают одновременно инопланетян и древних духов природы. На этот раз, помимо собственно войлочных тварей, зрители смогли увидеть также несколько фетровых панно Воронихи («Квартира», «Вечер», «Осень», «Окно»).

О некоторых других работах Воронихи мы в свое время писали в наших фотообзорах выставок «Время кукол-5» и «Время кукол-4». В этот раз Ворониха представила таких тварей, как Хозяйка диких трав, Козябра Ручейная, Крылатая Медведка (Хозяйка Утренних Снов) и другие.

Среди авторского зверья» Марии Поздяковой были представлены: мишка Макарий (Главный Казначей); Фёдор Чемпион; синяя плюшевая медведица Фаня; медведица Камилла; Опанас с горшочком мёда; патриотичная троица Russian Tea («Русский чай») (цвета мишек соответствуют цветам российского флага) и многие другие.

Большим успехом у публики пользовался весёлый стенд Ирины Егоровой (творческий псевдоним Ацикулярис), мастерицы из Санкт-Петербурга.

Ирина Егорова Ацикулярис создает очаровательных миниатюрных войлочных насекомых, наделенных человеческими чертами. В этот раз Ирина представила на выставке серию из 12 кукол-насекомых, изображающую историю из жизни маленького Блошика, который вдруг понял, что его подковали. Серия получила оптимистичное название Dont' worry be happy (вся эта необычная история и подробные фотографии очаровательного блошатника выложены в ЖЖ Ирины Егоровой).

Много разных мишек, зайцев и лисят можно было увидеть на стенде Алёны Николаевой из Санкт-Петербурга. Теддист Алёна Николаева шьет игрушки с 2009 года, из материалов предпочитает плюш и бархат. Особенно хороши яркие плюшевые лисы в винтажных нарядах.

Далее нас ждет стенд с работами Арины Бадьяновой, художника по куклам из Тюмени. Если на выставке «Время кукол-5» Арина участвовала самостоятельно, то в этот раз к ней присоединилась дочь Яна.

Ирина (Арина) Бадьянова — лауреат международных конкурсов, участник многих выставок авторской куклы в разных городах России, член Евро-Азиатского кукольного Союза. На международном фестивале рукотворного искусства в Новосибирске в 2009 году Арина была награждена дипломом в номинации «Гран-При» за коллекцию текстильных кукол. Многие ее куклы находятся в частных коллекциях в России, Германии и Франции.

Основная специализация Арины Бадьяновой — так называемая чердачная кукла. Это весёлые, добрые и душистые текстильные куклы, которые пахнут корицей, ванилью и кофе (их пропитывают специальной смесью и запекают, чтобы закрепить запах и цвет). Изначально «чердачную технику» придумали на Западе, но Арина Бадьянова привнесла в нее исконно русские черты.

Теперь парочка фотографий мишек Тедди и авторских кукол со стенда Объединения кукольников Санкт-Петербурга:

А закончили мы осмотр выставки «Время кукол-7» у стенда Светланы Виноградской, мастера керамической миниатюры из Харькова. Художник-керамист Светлана Виноградская занимается керамикой уже более 20 лет. Ее работы нам запомнились еще на выставках «Время кукол-5» и «Время кукол-4». Авторские работы Светланы Виноградской выставляются в салонах и галереях в Киеве и Харькове, выезжают на выставки в Россию.

Особенно интересны настенные картинки из керамики, которые требуют от мастера предельной аккуратности, внимания, терпения — и конечно, невероятного полёта фантазии. Светлана никогда не создает одинаковые композиции. Всевозможные лесовички, сказочные композиции с симпатичными домиками и деревьями, избушки на курьих ножках... — все эти декоративные работы Светланы Виноградской радуют большой выдумкой, юмором, приветливыми образами, приятной фактурой и высоким качеством исполнения. Прекрасное украшение для дома!

Следующая выставка, «Время кукол-8», состоится в Санкт-Петербурге с 15 по 18 декабря 2011 года.

Время: с 1 февраля по 13 марта 2011 года (часы работы: вт-вс  с 10:00 до 19:00; касса до 18:00).

Место: Москва, Россия; Главное здание ГМИИ имени А.С. Пушкина; Волхонка, 12

Событие: Выставка «Искусство Северной Готики и Ренессанса. Живопись, скульптура, художественная мебель из собрания М.Е. Перченко (Москва)».

В Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина в Москве открылась уникальная выставка, на которой представлены замечательные образцы североевропейского искусства конца XIII – начала XVII веков. Здесь можно увидеть произведения нидерландской и немецкой живописи, редчайшие предметы готической мебели, а также шедевры деревянной полихромной скульптуры. Все эти работы предоставил для выставки из своего частного собрания Михаил Ефремович Перченко — авторитетный российский коллекционер, президент Гильдии оценщиков международной конфедерации антикваров и арт-дилеров, владелец галереи «Старые мастера».

Для российских любителей искусства эта экспозиция имеет особое значение, поскольку северная готика представлена в нашей стране весьма скудно: это редкость не только для частных коллекций, но даже для самых крупных музеев. Что же касается резной деревянной скульптуры, то она вообще практически отсутствует в музейных собраниях России. Поэтому данный раздел выставки, по словам ее куратора Вадима Садкова, «сопоставим с коллекцией ГМИИ и Эрмитажа вместе взятых».

Впервые в истории Пушкинского музея предметы из частного собрания демонстрируются не в Музее личных коллекций, а в Белом зале и Колоннаде главного здания ГМИИ. Уже одно это говорит об исключительной ценности экспонатов. Трудно даже сказать, для кого это бóльшая честь: для музея — принимать в своих стенах столь редкое собрание или для коллекционера — выставляться в этих престижных залах. Всего в экспозиции представлено около 60 западноевропейских полихромных скульптур XIII-XVI веков, 33 картины (в основном XV-XVI веков, главным образом на дереве) и десяток предметов готической мебели.

Михаил Перченко обладает почти полувековым коллекционерским стажем, однако лишь сегодня впервые представил широкой публике свою коллекцию (точнее, не всю коллекцию, а одну из наиболее значимых ее частей — примерно одну треть от всего собрания). Москвич, окончивший школу им. Гнесиных по классу скрипки, а впоследствии работавший врачом-психиатром, увлекся коллекционированием еще в юности — в советское время, когда собирать предметы искусства было невероятно трудно из-за крайне негативного отношения общества к такого рода деятельности. Поначалу Перченко отдавал предпочтение произведениям русской живописи, собирал также миниатюру, фарфор, стекло, затем «заболел» восточным антиквариатом и, наконец, обратился в сторону Запада — к работам средневековых и ренессансных мастеров Северной Европы, которые он собирает уже более 30 лет. Его выбор не случайно пал на искусство Северного Возрождения. «Мне близка философия и символика протестантизма — от человеческого к божественному, — объясняет коллекционер. — Итальянские мастера всегда идут от Бога к человеку, что приводит к идеализации... Совсем другие северные Мадонны. В них нашла отражение тема страдания, покорность судьбе, смирение». В настоящее время Михаил Перченко владеет одной из лучших в стране коллекций этой тематики. Сам он говорит о своей страсти так: «Цель моего собирательства — сохранить в памяти человечества ключ к пониманию того мира, который уходит навсегда».

Любопытно, что все эти бесценные экспонаты хранятся у собирателя дома. Старинная мебель, готические алтари и скульптуры, со вкусом подобранные декоративно-прикладные изделия — всё это составляет ежедневный быт необыкновенной московской квартиры, превращая ее в настоящий дом-музей. В то же время это не просто пространство с красивым интерьером, а живая среда обитания: обладатель всех этих сокровищ и его супруга воспринимают искусство как неотъемлемую часть домашней обстановки. Более того, предметы давних веков находят у хозяев непосредственное функциональное применение: они обедают за столом XVI века, буднично пьют из антикварных чашек, пользуются старинными шкафами и сундуками... «Я и моя семья живем этим искусством и с этим искусством, ведь живопись, скульптура, мебель и декоративно-прикладные образцы создали не только неповторимый интерьер, но и, пожалуй, стиль нашей жизни», — говорит коллекционер.

В музее им. А.С. Пушкина демонстрируется не разрозненная, а очень цельная коллекция, которая интересна именно в комплексе. Произведения объединены в три тематические группы. Первую группу составляют работы старых немецких и нидерландских мастеров живописи. Как известно, средневековые авторы редко подписывали свои работы и имена многих из них так и не удалось установить. Поэтому неудивительно, что многие картины на выставке принадлежат неизвестным художникам или, в лучшем случае, определены как относящиеся к определенной мастерской или «кругу» (характерная черта для цеховых мастерских).

Одной из самых ранних картин на выставке является работа «Бичевание Христа» кисти анонимного швабского мастера, которая датируется 1496 годом. Бичующие Христа воины в ярких нарядах, одетые как модные щеголи, изображены в непривычных для современного глаза танцевальных позах. Их жеманные жесты подчеркнуто угловаты и далеки от анатомического правдоподобия, но весьма выразительны и декоративны, создают драматический эффект. Сцена бичевания, вероятно, происходит, во дворце Пилата. Иисус привязан к колонне, одному из инструментов Страстей. Справа в чалме, в образе восточного царя, изображен, видимо, сам Пилат.

Неизвестному художнику нидерландской школы принадлежит работа «Оплакивание Христа» начала XVI века. Это чуть ли не самая ранняя копия с утраченного оригинала XV века Хуго ван дер Гуса (Hugo van der Goes) (ок.1420-25-1482) — раннего фламандского художника, склонного к психологической экзальтации образов и любовной проработке мелких деталей.

Из работ нидерландских художников XV–XVI вв. стоит особенно отметить уникальный триптих «Новозаветная Троица с мистическим источником животворящей крови Христа». Работа приписывается мастерской валлонского художника Жана Белльгамба (Jean Bellegambe) (ок.1470- 1534/1540), который известен пленительным колоритом своих картин и потому традиционно именуется Мастером цвета. На левой створке триптиха изображена св. Екатерина, на правой св. Варвара, а центральная панель отведена сюжету о триединстве Бога и искуплении первородного греха.

Из первоклассных работ нидерландских мастеров на выставке также можно увидеть небольшой «Ландшафт со сценой отдыха Святого Семейства на пути в Египет» («Отдых на пути в Египет»), написанный художником из круга фламандского живописца Иоахима Патинира (Joachim Patinir) (1475/1480-1524). Патинир одним из первых начал писать религиозные сцены на фоне панорамных пейзажей и потому считается родоначальником европейской пейзажной живописи. В мире известно всего несколько картин, собственноручно подписанных Патиниром. Прототип работы из собрания Перченко находится в музее Прадо. Еще одним сокровищем коллекции является картина «Пейзаж со сценой избиения младенцев» кисти фламандца Гиллиса Мостарта Старшего (Gillis Mostaert) (1528-1598).

Еще один интересный экспонат на выставке — состоящий из восьми эпизодов цикл «Страстей Христовых», написанный неизвестным художником верхнерейнского региона в первой трети XVI века. Цикл представляет собой фрагмент верхней части многостворчатого алтаря, ныне разрозненного и пострадавшего от времени. В соответствии с традициями немецкой живописи того времени, мастер предлагает нам подробное повествование с описанием различных евангельских эпизодов.

Кисти фламандского живописца Питера Кука ван Альста (Pieter Coecke van Aelst) (1502-1550) и художникам его мастерской принадлежит волшебная «Мадонна с младенцем на фоне пейзажа». Обратите внимание, как искусно мастер облачил младенца Христа в прозрачную шифоновую рубашку.

Еще одна картина под названием «Оплакивание Христа» (начало XVI в.) приписывается мастеру «Поклонения волхвов» из собрания фон Грооте в Китцбурге (von Groote collection, Kitzburg). На центральной створке этого триптиха, на фоне пейзажа с Голгофой и крепостными стенами Иерусалима, изображена собственно евангельская сцена оплакивания. На левой створке представлены сюжеты «Несение креста» и «Плат Вероники», на правой — «Воскресение Христа». Триптих является характерным образцом стилистики «нидерландского (антверпенского) маньеризма» с его любовью к сложным архитектурным декорациям, экзотическим костюмам, изощренным фантастическим фигурам, драматическим жестам и ярким цветам, запутанному многофигурному действию с обилием персонажей и пространственных планов.

Многие художники XVI века испытали влияние Альбрехта Дюрера и Лукаса Кранаха Старшего. К этой категории работ можно отнести картину «Хождение по водам», которая приписывается немецкому художнику Гансу Леонарду Шейфелейну (Hans Leonard Schauffelein/Léonard Schäuffelin) (ок.1480-ок.1540). Шейфелейн родился в Нюрнберге и до 1505 года был там учеником и помощником Дюрера.

Среди картин из коллекции Михаила Перченко есть не только работы на религиозные сюжеты, но и замечательные образцы знаменитого нидерландского бытового жанра и даже светские портреты. Среди жанровых зарисовок характерной гротескностью образов выделяется работа «Веселое общество», созданная в мастерской фламандского живописца Яна Массейса (Jan Massys) (ок. 1509-1575), сына Квентина Массейса. Здесь, казалось бы, изображена просто скромная пирушка, однако каждый предмет несет особую символику, и картина в целом обладает морализующим подтекстом. Например, волынка в руках у пройдохи слева является фаллическим символом, а горшок перед «дамой» на переднем плане — женским символом. Возможно, сцена высмеивает продажную любовь.

Еще один образец бытового жанра нидерландской школы живописи — картина «Свадебная процессия на фоне сельского пейзажа», выполненная художником из круга Питера Брейгеля Младшего «Адского» (1564-1638) во 2-й половине XVI - 1-й половине XVII века. Специалисты говорят, что данное полотно (в отличие от большинства картин на выставке, эта работа выполнена не на дереве, а на холсте, так что с полным правом может называться полотном) восходит к ныне утраченному рисунку отца художника, главного представителя династии Брейгелей — Питера Брейгеля Старшего по прозвищу «Мужицкий». Успех этого произведения был настолько велик, что в настоящее время известно не менее 14 сохранившихся копий, выполненных как Питером Брейгелем Младшим, так и его помощниками и современниками.

На холсте изображено яркое свадебное шествие на фоне ландшафта с ветряной мельницей. Как и «Веселое общество», картина, казалось бы, является простой жанровой зарисовкой, но в действительности наполнена разнообразными образно-философскими смыслами, которые были хорошо понятны современникам художника. Так, ветряная мельница намекает на распространенное в ту эпоху представление о мотиве мельницы как колесе Фортуны, воплощающем идею о постоянном цикличном движении законов мироздания. «О Боже, сколь внезапно Фортуна, вращаясь, всё перемалывает стремительным колесом», — гласила позднесредневековая поговорка. Ветряк также олицетворяет христианскую добродетель Умеренности: мельница является наглядным выражением принципа духовной самодисциплины, не чурающейся мирских благ, но и не допускающей никаких излишеств и выпадений из ритма мудрых законов мироздания. А изображенные на переднем плане крестьяне — это «дети природы», участвующие в извечном круговороте природных процессов. Люди на заднем плане занимаются традиционными сельскими работами, что, вероятно, намекает на круговорот времен года. Свадебная процессия направляется в церковь. Обратите внимание, что мужчины и женщины шагают отдельно — идти вместе было в те времена неприлично. Жених возглавляет процессию (на нем красная шапочка и такого же цвета чулки). Невеста также одета в красное платье. Перед ней бежит волынщик (тут снова будет уместно вспомнить, что волынка является символом мужского начала).

Новая ренессансная концепция значимости человеческой личности отразилась в развитии портретного искусства. На выставке этот жанр представлен несколькими интересными работами. Среди них назовем, во-первых, превосходный «Портрет молодой женщины с букетом цветов», выполненный нидерландским мастером в 1540-е годы. Девушка держит в руке букетик полевых гвоздик, который считался символом невинности. Кроме того, букет являлся атрибутом свадебных заказных портретов, которые были весьма распространены в Нидерландах в ту эпоху. Парного мужского портрета, насколько известно, не сохранилось.

Весьма выразителен «Портрет Иоганна Фридриха Великодушного, курфюрста Саксонского» (Porträt des Kurfürst Johann Friedrich der Großmütige von Sachsen), написанный Лукасом Кранахом Младшим (1515-1586) в 1547 году. Иоганн-Фридрих Великодушный (1503-1554) был одним из предводителей Шмалькальденского союза, направленного против религиозной политики императора Карла V. Враждовавший с ним двоюродный брат герцог Мориц Саксонский вышел из союза и перешел на сторону католического императора. Вскоре начались боевые действия (Шмалькальденская война). В битве при Мюльберге в 1547 году Карл V нанес решающий удар по войскам союза и выиграл войну. Саксонцы были полностью разбиты. Иоганн-Фридрих попал в плен к Карлу V, приговорен к смерти, но затем помилован. В Виттенберге он подписал капитуляцию, согласно которой титул саксонского курфюрста переходил к Морицу, который и был объявлен курфюрстом (электором Саксонии) 4 июня 1547 года.

Таким образом, перед нами портрет, изображающий саксонского курфюрста в последний и самый тяжелый год его правления. Обратите внимание на тучность мужчины. По свидетельству историков, Иоанн-Фридрих был так тяжел, что не всякая лошадь могла его нести. Командуя войсками, он зачастую был вынужден передвигаться в повозке.

Из плена бывшего правителя вызволил лишь в 1552 году, не поверите, всё тот же двоюродный брат Мориц, к тому моменту уже взбунтовавшийся против своего бывшего союзника императора. Большинство владений, равно как и герцогский титул, Иоанну-Фридриху оставили, однако он лишился власти и через два года после освобождения из плена скончался в Веймаре, где проживал в конце жизни. Прозвище «Великодушный» („der Großmütige“) он получил за свое участие в движении Реформации и покровительство Мартину Лютеру. Кстати, именно Иоанн-Фридрих Великодушный в 1547 году впервые высказал идею основания Йенского университета, однако из-за того что в тот же год курфюрст попал в плен, замысел был реализован позднее уже его сыновьями.

Из других образцов светской портретной живописи на выставке можно увидеть «Мужской портрет» («Портрет ученого») кисти прославленного кёльнского портретиста — ренессансного художника Бартеля (Бартоломеуса) Брейна Старшего (Bartholomäus Bruyn der Ältere) (1493 – 1555). Мужчина средних лет в черной шапочке одет по моде второй четверти XVI века. По всей видимости, это юрист или медик. Вероятно, данная работа была создана в начале 1530-х годов.

Среди других портретных работ немецких художников отметим картину Франса Поурбюса  «Портрет инфанты Исабель Клары Еухении», созданную в мастерской нидерландского живописца Франса Пурбуса Младшего (1569-1622) в 1600-х годах. Изабелла Клара Евгения (Эухения) (1566-1633) была дочерью испанского короля Филиппа II Кровавого и внучкой императора Карла V. Изабелла Клара и ее сестра Каталина Микаэла были чуть ли не единственными близкими людьми, которым монарх доверял и которых искренне любил. Изабеллу Клару он называл «утешением своей старости и светом своих глаз». В возрасте 31 года Изабелла стала правительницей Испанских Нидерландов. Она также проявляла большой интерес к искусству. Ее придворным живописцем с 1609 года был Петер Пауль Рубенс, который также выступал послом и посредником при ведении мирных переговоров.

По композиции этот парадный портрет восходит к одноименной работе Франса Пурбуса (Поурбюса) Младшего, получившего почетный официальный заказ в 1599 году. Самим художником и его подмастерьями было выполнено несколько портретов инфанты, лучшим из которых считают картину из собрания английской королевы в Хемптон-коурте в Лондоне. На ней, как и на множестве других копий, инфанта представлена в парадном облачении рядом с карлицей. Портрет из собрания Михаила Перченко является репликой другого варианта данного портрета, на котором отсутствует изображение карлицы и уменьшено число деталей антуража.

Вторая составляющая экспозиции — деревянная полихромная скульптура XIII-XVI веков из Нидерландов, Словакии, Франции, Испании, Германии и Австрии. Эту часть коллекции Михаила Перченко специалисты называют самой лучшей в России. Сам антиквар говорит, что обладает самой большой в мире частной коллекцией деревянной храмовой скульптуры этого периода (всего более ста вещей, из которых на выставке представлено 60). Эти раритеты являются особой гордостью коллекционера. В основном это изображения святых и многофигурные композиции, которые помещались в алтарях церквей и соборов, образуя подчас довольно сложные композиции, миниатюрные архитектурные ансамбли, гармонично вписывающиеся в пространство храма.

Деревянная пластика составляет истинное очарование выставки: эти прекрасно сохранившиеся  библейские образы привлекают внимание зрителей своей божественной красотой, их лица будто подсвечены изнутри. Хотя фигурки зачастую угловаты и непропорциональны, однако они создают вокруг себя особую гармоничную и камерную атмосферу, передают нам нежность их создателей, погружают нас в загадочный мир позднего Средневековья. Многие работы поражают удивительной выразительностью и проработкой деталей. Эти объемные расписные фигурки, сосредоточенные на темах страдания, смирения и покорности, вызывают в душе тихую, благоговейную радость.

Настоящей жемчужиной этого раздела выставки является дивная скульптура «Святая Анна и Дева Мария с Младенцем», выполненная в конце XIII в. нидерландским художником из региона реки Маас. За почти 700 лет к этой уникальной скульптуре ни разу не прикасалась рука реставратора. «Это достаточно ранний памятник произведений нидерландской пластики, произведений того времени сохранилось не так много, их по пальцам одной руки можно пересчитать», — отмечает куратор выставки Вадим Садков. Женские лики в этой скульптуре покоряют очаровательной наивностью и чистотой. Мы видим святую Анну, которая держит на руках Деву Марию и младенца Христа. Этот «семейный» сюжет (бабушка Анна с дочерью и внуком) был очень популярен в Северной Европе того времени.

Значительно позже, в 1480–1490 годах, уже в Кёльне, была создана деревянная многофигурная группа «Успение Богоматери». Специалисты определили, что этот фрагмент алтарной композиции был исполнен в мастерской прославленного позднеготического скульптора Тильмана Рименшнайдера (Tilman Riemenschneider) (1460-1531). Рименшнейдер избегал позолоты и яркой раскраски как знаков излишней роскоши, зато его работы поражают психологической точностью образов (обратите внимание на лица предстоящих у одра Марии). Скромная по размеру скульптура отличается строгостью и величественностью, соответственно значимости изображенного события. Полихромное покрытие сохранилось лишь частично.

Почетное место в апсиде главного зала занимает большой резной ретабль (3,20 на 2,80 м) «Святые Иаков Младший и Иоанн Евангелист» («Святой Иаков Младший (брат Иисуса) и Святой Иоанн Евангелист»). Этот многоярусный деревянный расписной алтарь со сценами жития святых был выполнен в 1505–1520 годах по заказу князей Гогенцоллернов-Зигмарингенов антверпенскими мастерами. На каждой фигуре алтаря стоит отметка в виде ладони — знак городской гильдии мастеров-резчиков. В XVI веке такие повествовательные алтарные композиции вошли в моду, и антверпенские мастера делали их на экспорт для других европейских стран.

Великолепно сохранившийся шестичастный  антверпенский алтарь представляет собой сложную многоярусную композицию, с центральной частью и боковыми створками, на которых изображены сценки из жизни святых. Запечатленные в дереве сюжеты выполнены с необычайной кропотливостью и состоят из множества ярко раскрашенных трехмерных фигур. Алтарь напоминает застывшее театрализованное шествие. Последним владельцем ретабля в начале века ХХ был германский император Вильгельм II.

Известному сюжету посвящена деревянная полихромная скульптура «Святой Георгий убивает дракона» («Святой Георгий Победоносец»), созданная в Баварии в 1520 г. Весьма живописен и другой рыцарь — одетый в элегантные доспехи святой Мартин, разрезающий свой плащ, чтобы поделиться им с нищим. Скульптура называется «Святой Мартин верхом на коне» и была вырезана в Германии или Австрии в конце XV века.

Наконец, третий тематический раздел на выставке составляют изделия художественной мебели XV-XVII веков из ореха и дуба. Посетители могут увидеть сундуки и шкафы с изящной резьбой, а также причудливо декорированные креденцы (западноевропейская разновидность комода для хранения ценной посуды, получившая в русской традиции название «поставец»). Все эти старинные предметы мебели всё еще пахнут деревом, и этот запах старины помогает посетителю перенестись в далекое прошлое.

При подготовке статьи использовались следующие источники:

- Информация о выставке на официальном сайте Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина
- Готика из московской квартиры. Велимир Мойст. Газета.ru.
- Интервью с Михаилом Перченко и куратором выставки Вадимом Садковым в передаче «Музейные палаты» на радиостанции «Эхо Москвы».
- Коллекция Михаила Перченко в ГМИИ им. А.С. Пушкина. Статья на сайте ART products.
- Mikhail Perchenko's collection. Фотографии картин из собрания Михаила Перченко.
- Архив фотографий экспонатов выставки.
- Северная Готика и Ренессанс: выставка о мире, который уходит навсегда. Сюжет на сайте РИА НОВОСТИ.
- Недостающая часть. «Искусство северной готики и Ренессанса» в ГМИИ им. Пушкина. Дарья Курдюкова. Независимая газета.
- Выставка произведений искусства северной готики открылась в Москве. Новости телеканала «Культура».
- «Искусство Северной Готики и Ренессанса» в ГМИИ им. А. С. Пушкина. Обзор на сайте ARTinvestment.RU.
- Фоторепортаж о выставке на форуме сайта ARTinvestment.RU.
- «Искусство Северной готики и Ренессанса» в Пушкинском музее. Видеорепортаж телеканала «Культура».
- Северная готика с перчиком. Московский Комсомолец.
- Шедевры готики в Пушкинском: лучшие экспонаты. Софья Пономарева. Ваш досуг.
- «Шедевры Северной готики и Ренессанса». Афиша на сайте «Ваш досуг».
- Честь там выставиться. Интервью с Михаилом Перченко. Газета «Ведомости».
- Святая Анна - покровительница шахтеров. Российская газета.
- Арт Puzzle. Выпуск #17. Домашние шедевры одного коллекционера. Анастасия Полозова.
- Шедевры Северной готики в Пушкинском. Правда.Ру.
- Нежные, деревянные. Ольга Кабанова. Газета «Ведомости».
- Алтарь с Верхнего Рейна. Искусство северной готики и Ренессанса в ГМИИ им. А.С. Пушкина. Александр Маркин. Газета «Московская перспектива».
- Копия с несохранившегося оригинала. Газета «Коммерсантъ».
- Совершенные копии. Татьяна Маркина о коллекции Михаила Перченко в ГМИИ им. А. С. Пушкина. Газета «Коммерсантъ».
- Вернисажи. Искусство Северного Возрождения. Елена Вербина.
- Святая белизна. Коллекция Михаила Перченко в ГМИИ имени А.С.Пушкина. Надежда Назаревская.

Время: с 12 июля по 31 августа 2010 года, для посетителей выставка открыта ежедневно с 16 июля по 31 августа, с 10 до 22 часов

Место: Санкт-Петербург, Россия; пляж Петропавловской крепости; цена билета для взрослых 200 руб. (для льготников — 100 руб.), фотографировать можно бесплатно

Событие: Международный фестиваль песчаных скульптур-2010, «Мировое кино».

Мы уже привыкли к тому, что каждое лето в самом центре Петербурга, на Заячьем острове, на пляже Петропавловской крепости проходит Международный фестиваль песчаных скульптур, и уже который год с удовольствием приходим познакомиться с новыми работами и авторами (наш фотоотчет о прошлогодней выставке можно посмотреть в разделе «VIII Международный фестиваль песчаных скульптур в Санкт-Петербурге»). Предлагаем вашему вниманию наш обзор и фотографии с питерского фестиваля песчаных скульптур-2010.

Беспрецедентно жарким летом 2010-го уголок, выделенный под песчаные скульптуры, смотрелся как-то особенно скромно и неприметно на фоне широкой полосы пляжа, который был переполнен изнемогающими телами. Да и ажиотажа особого вокруг кассы не наблюдалось: большинство граждан было озабочено тем, как спастись от зноя. Сами скульптуры, по счастью, сделаны из песка и от жары не тают (вот только самим мастерам аномальная жара доставила немало неудобств в процессе работы: трудиться на таком солнцепеке было адски тяжело). Дождей и сильных ветров за это время было мало, так что большинство экспонатов даже в конце августа пребывало в целости и сохранности. Тем более что для большей прочности фигур песок в конце закрепляют специальным раствором на основе клея ПВА.

Организаторы фестиваля в Санкт-Петербурге всегда выбирают для конкурса интересные и достаточно широкие темы, позволяющие мастерам песчаной скульптуры в полной мере раскрыть свой талант и проявить фантазию, придумав оригинальный сюжет и неповторимую композицию. Одни работы демонстрируют недюжинное мастерство художников, реалистично передают человеческие эмоции и черты лица, другие лаконичны по форме, но символичны, несут какую-то красивую идею. Нередко это бывают очень неожиданные творения, сделанные с большой выдумкой и вниманием к деталям (чего стоят, например, скульптуры «Прометей» или «Икар», занявшие, соответственно, первое и второе место на предыдущем фестивале), а то и с юмором (тут можно вспомнить остроумного «Болельщика», который в прошлом году завоевал наш личный «приз зрительских симпатий»).

В 2010 году в качестве темы фестиваля была заявлено мировое кино — шедевры российского и зарубежного кинематографа. Перед зрителями предстала целая галерея двух- и трехметровых произведений искусства из песка, изображающих персонажей мирового кино: тут вам и звезды киноэкрана, и легендарные киногерои, и сцены из известных фильмов, и почти философские, абстрактные композиции, посвященные теме киноискусства и киноиндустрии («Путь к "Оскару"», «Кадр за кадром», «На грани реальности», «Поцелуй в кино»...).

Мастера песчаной скульптуры представили очень разные по жанру, стилистике и технике работы, так что трактовка темы и вправду получилась весьма широкой и разнообразной. Мы увидели героев мультфильмов и боевиков, кинокомедий и экранизаций литературной классики, фэнтези, приключенческих фильмов и даже сериалов.

В общем, тема не накладывала особых ограничений на фантазию скульпторов. Другое дело, что, в отличие от прошлых лет, когда тематика фестиваля была скорее ориентирована на мифологические, вымышленные сюжеты, в этот раз многие мастера взялись изобразить «реальных» персонажей, облик которых всем давно и хорошо знаком. Отсюда и дополнительный риск: ведь нужно попытаться добиться портретного сходства, передать характер киногероя. Во многих случаях художники отлично справились с этой задачей. Особенно удались, на наш взгляд, профессор Преображенский (то есть Евгений Евстигнеев) и Шерлок Холмс с доктором Ватсоном (то есть Ливанов с Соломиным).

В питерском фестивале песчаных скульптур традиционно принимают участие команды скульпторов из разных регионов России и, конечно, из других государств: фестиваль-то международный. В этом году в создании песчаных скульптур приняло участие 24 команды (по два человека в каждой) из десятка стран мира: Германии, Латвии, Финляндии, Чехии, России, Финляндии и др. Перед тем как мастера приступили к работе, на пляж Петропавловской крепости завезли 550 тонн мельчайшего отборного песка из карьера в Ленинградской области (каждому участнику было выделено 15-20 кубов песка и пять дней на сооружение скульптур; по завершении фестиваля песок оставят на пляже). Вскоре после открытия фестиваля готовые скульптуры оценило жюри, и состоялась церемония награждения победителей (конкурс завершился 16 июля). Жюри фестиваля, как обычно, состояло из именитых скульпторов, директоров музеев, профессоров Академии художеств и видных деятелей искусств. Но поскольку в этом году темой было выбрано «Мировое кино», то решено было пригласить к судейству еще и собственно киношников: в частности, генерального директора киностудии «Ленфильм» и генерального директора киностудии им. Горького.

То, что фестиваль международный, сказалось и в выборе сюжетов: среди композиций не так уж и много было посвящено героям отечественного кино. Впрочем, многие герои зарубежного кинематографа и мультипликации настолько любимы и популярны у нас на родине, что обилие голливудских персонажей неудивительно. Стоит, правда, сказать, что изображенных на афише фестиваля киногероев мы так и не увидели: все эти «Унесенные ветром» и Наташи Ростовы были лишь нарисованной рекламной приманкой (собственно, оно и понятно: афиша-то создавалась еще до того, как стали известны конкурсные работы); не увидели мы и обещанной тройки Никулин-Вицин-Моргунов (из-за того что часть участников не доехала до Питера). Впрочем, мы были не особенно разочарованы, тем более что все работы были навеяны достаточно известными фильмами — можно даже сказать, культовыми картинами, которые проверены временем (выбивался из этого ряда разве что новомодный «Аватар»). Получилась настоящая дружба народов: с одной стороны— наш родной товарищ Шариков и не менее родной Шерлок Холмс, с другой — буржуйский Кинг-Конг и симпатяга «Чужой». И еще множество других замечательных персонажей. Расскажем о некоторых наиболее понравившихся песчаных скульптурах. Начнем, пожалуй, с лауреатов.

Первое место жюри почти единогласно присудило ваятелям из Санкт-Петербурга Руслану Арсланбаеву и Алексею Колесникову, которые соединили в одной композиции голову Саида из кинокартины «Белое солнце пустыни» и фигурку оптимистичного Спанч Боба из мультсериала «Губка Боб Квадратные Штаны».

Изначально задумка авторов была совершенно иной (планировалось изобразить Абдула, которые играет в шахматы с товарищем Суховым, только вместо шахматных фигур у них — миниатюрные наложницы из гарема). Но «по техническим причинам» композиция приобрела совершенно неожиданное воплощение. Коррективы внесла... пушка Петропавловской крепости: однажды после традиционного полуденного залпа из-за взрывной волны осыпалось несколько фигур. Пришлось искать выход из положения. Художники решили сделать что-нибудь смешное, в порядке творческого бреда. Идея пришла спонтанно: по шею закопанный в песок (и сам сделанный из песка) Саид, ошалевший от жары и видящий перед собой фантастический мираж, галлюцинацию в виде Спанч Боба (который сидит с лопаткой и, похоже, собирается откопать Саида). Хотя поначалу авторам казалось, что это будет выглядеть абсурдно, в итоге получилась неплохая шутка. Сюрреалистическое сочетание советской классики и современного творения «капиталистических» мультипликаторов. Итак, лучшей работой этого года признана «Жажда», такая актуальная этим летом тема!

Второе место получили московские скульпторы Павел Мыльников и Баграт Степанян, с поразительной портретной точностью изобразившие героев советского фильма «Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона» в исполнении Василия Ливанова и Виталия Соломина. Композиция так и называется — «Холмс и Ватсон». В качестве эпиграфа авторы выбрали высказывание Шерлока Холмса: «Человек, который любит искусство ради искусства, самое большое удовольствие зачастую черпает из наименее значительных и ярких его проявлений».

Интересно было посмотреть на эту композицию и с обратной стороны: скульпторы мастерски вырезали большую лупу и четкие буквы еще одной известной цитаты лондонского сыщика: «Вы смотрите, но не наблюдаете». Особенно хороша гигантская рука, держащая лупу.

Третье место заняли финские авторы Кимо Фрости и Симо Росси с композицией «Альфред Хичкок» (1899-1980). Помимо портрета самого британского гения саспенса и триллера, в работе явно различимы фигуры чаек и других птиц — очевидная отсылка к знаменитому фильму «Птицы» (1963), снятому Хичкоком по мотивам рассказа Дафны Дюморье.

Специальный приз был вручен украинцу Валерию Петренко и петербуржцу Дмитрию Клименко за композицию «Собачье сердце». Российско-украинский дуэт изобразил профессора Преображенского, Шарикова, Швондера и других булгаковских героев, перенесенных на экран режиссером Владимиром Бортко. Опоясывает любимых персонажей надпись «АБЫРВАЛГ».

На пояснительной табличке к своей работе авторы разместили пару цитат из любимого фильма, а также выдержку из «Комсомольской правды» 1939 года: «11 самолетов совершили агитационный рейс, посвященный Всесоюзной переписи населения, с борта сбрасывались листовки, агитаторы читали лекции, а там, где самолет посадить не удавалось, агитаторы прыгали с парашютом».

А вот внеконкурсная скульптура, встречающая посетителей выставки у входа. Это композиция под названием «Необычный полет на Луну» (авторы — уже знакомые нам Валерий Петренко и Дмитрий Клименко). Барон Мюнхгаузен верхом на бутылке шипучей пепси-колы собирается вот таким современным способом, а не на пушечном ядре откатапультироваться на Луну. Какую именно экранизацию повести о похождениях барона пытались воссоздать скульпторы, установить не удалось (уж во всякому случае не вариант Горина-Захарова-Янковского). Может, это просто обобщенный образ барона.

Кирилл Баир из Москвы и Сергей Поташев из Архангельска представили композицию под названием «Родом из детства–2», посвященные любимым героям мультфильмов и роли мультипликации в развитии искусства кинематографа и художественного телевидения.

Следующая песчаная скульптура выполнена Зигмундсом Вильнисом из Латвии и Отмаром Шиффер-Бельцем из Германии. Называется композиция «Знакомый» и изображает Мистера Бина — неловкого и эксцентричного героя Роуэна Аткинсона, в котором многие узнают самих себя, который всегда вызывает улыбку и положительные эмоции. Рядом с Мистером Бином авторы посадили плюшевого мишку Тедди — лучшего друга Мистера Бина. Тут же мы видим другой характерный атрибут комика — «Мини Купер», автомобиль Мистера Бина. А шоссе, по которому едет машина, художники оригинально представили в виде киноленты. В целом ощущение от композиции довольно странное: Мистера Бина почему-то становится откровенно жалко, как маленького несчастного мальчика, с его игрушечной машинкой и медвежонком. Образ, пожалуй, получился трогательный, но не отражающий настроения самогó телесериала.

Рядом находится очень интересная композиция «Сны Акиры Куросавы», авторы которой — Иван Локтюхин и Вадим Полин из Хабаровска. Состоящий из восьми новелл кинофильм «Сны Акиры Куросавы» знаменитый японский режиссер снимал в возрасте восьмидесяти лет. Хабаровские скульпторы подписали свою композицию жанровым трехстишием: «До самых высот/ Нас поднимает хорошее кино/ Кино со вкусом Японии». Тут же мы видим и хокку японского поэта Иссы Кобаяси: «Тихо, тихо ползи,/ улитка, по склону Фудзи,/ вверх, до самых высот!» Пожалуй, это единственная на фестивале работа, посвященная не западному и не отечественному кино, а, скажем так, восточной киноклассике. Неожиданный выбор.

Далее — снова мотив киноленты. Александр Ким и Анастасия Ким из Петрозаводска вырезали скульптуру «Путь к "Оскару"», посвященную одной из самых престижных в мире премий за «лучший фильм» и непростому пути к этой вершине. В качестве эпиграфа к своей работе скульпторы выбрали фразу: «Лучший — это больше чем хороший!» Мы видим бесконечный серпантин киноплёнки с названиями и логотипами известных кинокомпаний, катушки, софиты, камеру и символическую фигурку Чарли Чаплина, а на вершине красуется, собственно, вожделенная статуэтка «Оскара». Рядом под деревом (на фотографии не уместился) лежит созерцатель, взирающей на всё это кинематографическое нагромождение.

Следующая песчаная скульптура навеяна фантастическим боевиком «Конан-варвар» и называется «Всё, что не убивает, делает нас сильнее». Авторы — скульпторы из Красноярска Дарья Крупенева и Владимир Лиходедов.

Не обошлось на выставке и без нашумевшего Аватара. Композиция называется «Аватар: немного от загадочной Пандоры», ее авторы — Андреа Хавличкова и Витезслав Урбанек из Чехии. Об этом фильме нам известно только лишь, что он стал самым кассовым фильмом всех времён и народов и, возможно, еще долго будет удерживать этот рекорд.

Авторы скульптуры «Мата Хари (Танец со смертью)» — Яссер Курди из Сирии и Сергей Хромцов из Санкт-Петербурга, с удовольствием воспевают женскую красоту. В качестве модели для песчаного портрета знаменитой куртизанки и исполнительницы экзотических танцев послужила простая петербургская девушка, которую запечатлели на фото и в дальнейшем использовали эти снимки для образца в ходе работы. Собственно, голландская подданная Мата Хари (1876-1917) — чуть ли не единственный исторический персонаж на этой выставке. Но появилась она здесь не случайно: эта великосветская шпионка уже давно стала популярной героиней кинематографа (первый фильм «Мата Хари», с Гретой Гарбо в главной роли, был снят аж в 1931 году, то есть всего через 14 лет после расстрела роковой красотки). Эпиграфом к скульптуре служат такие слова: «Война использует всех. Она использует даже талант, красоту и искусство».

Композицию «На грани реальности» создали скульпторы Мария Грозная из Москвы и Ева Карху из Финляндии. В своей работе они попытались посмотреть на киноискусство под несколько иным ракурсом и показать, что каждый фильм — это маленькая жизнь, которую мы проживаем во время просмотра. Происходящее на экране на какое-то время становится частью нашей реальности, проникает в нашу жизнь, а по окончании фильма мы забираем с собой его частичку и сохраняем в душе.

А вот работа, посвященная отечественному кинематографу: историко-патриотическая композиция «Александр Невский» («Если кто к нам с мечем придет…»), созданная Дмитрием Гороховым из Наро-Фоминска и Александром Целебровским из Красноярска. В скульптуре запечатлен момент, поставивший точку в Ледовом побоище — сражении новгородского князя Александра Невского с рыцарями Тевтонского ордена на Чудском озере, показанном в классической кинокартине Эйзенштейна.

Рядом — совсем другой сюжет: скульптурная группа «Война миров», в которой мастера из Харькова Артем Самойлов и Олег Масалитин объединили персонажей двух известнейших фантастических саг «Чужие» и «Хищник», чтобы показать борьбу третьих цивилизаций, трех разных миров, а не банальную борьбу добра со злом. Авторы также пытались донести до зрителя идею, что человечество должно быть осторожнее с не всегда разумными научными открытиями.

Тут же видим еще одно чудовище, созданное фантазией более ранних кинематографистов — Кинг-Конга (первая экранизация фантастической истории о любви гигантской гориллы к обыкновенной девушке относится к 1933 году, в последний ремейк был сделан режиссером Питером Джексоном в 2005 году). Композиция называется «И всё-таки он жив!», и выполнили ее мастера Александр Целебриковский из города Жуковский и Сергей Заплатин из Екатеринбурга. В композиции не обошлось, конечно, без вороха киноплёнки (чуть ли не самый популярный мотив у участников фестиваля), но в целом скульпторам здорово удалось передать насыщенную, динамичную захватывающую атмосферу фильма. А сам образ Кинг-Конга до чего хорош! Очень смачная, запоминающаяся работа. На обратной стороне скульптурной группы изображен портрет режиссера Питера Джексона и надпись «И всё-таки он жив!».

Совсем к другой тематике, романтической, обратились скульпторы из Франции и Латвии Пьер Бенуа-Мерин и Инесса Вальтере Уланде. Композицией «Поцелуй» они хотели показать, какую важную роль играет в мировом кино любовь и вообще изображение человеческих чувств. Ну и сидит, конечно, наша целующаяся пара на... горке киноплёнки, куда ж без нее!

Порадовал очень точно изображенный Голлум из «Властелина колец». Здорово получился этот симпатичный уродец, «как живой»! Авторы скульптуры — Александр Скареднов из Тюмени и Анатолий Скареднов из Перми. Композиция изображает сцену из фильма Питера Джексона, снятого по роману Толкина «Властелин колец» (из третьей части кинотрилогии, «Возвращение короля»). Это сцена битвы Эовин (дочери короля) с Назгулом. Рядом располагается замок Минас-Тирит, с обратной стороны — герои фильма. На вершине сидит милашка Голлум, а основание композиции сделано в виде Кольца.

Авторы скульптуры «Спешите видеть!», Ирина Кудрявцева из Санкт-Петербурга и Галина Поликарпова из Москвы, вспомнили самую первую работу в истории кинематографа —«Прибытие поезда» братьев Люмьер.

Очень понравилась скульптура «Валл-И» (WALL-E). Мы, конечно, перенесли на нее свою симпатию к героям этого невероятного трогательного и доброго мультфильма, но и, абстрагировавшись от личных пристрастий, несложно заметить, как качественно и точно воспроизведены персонажи этой чудесной истории любви двух роботов. Своей композицией Юрий Назаркин из Рязани и Марике ван дер Меер из Нидерландов хотели не только изобразить Валл-И и ЕВУ, но и привлечь внимание общественности к проблеме загрязнения окружающей среды (если помните, робот Валл-И работал на планете Земля мусорщиком).

Наконец, Мэрилин Монро — внеконкурсная скульптура, созданная всё тем же российско-украинским дуэтом Валерий Петренко-Дмитрий Клименко по многочисленным просьбам зрителей. По словам организаторов, от участников фестиваля «Мировое кино» ожидались множество фигур Мэрилин Монро, а когда выяснилось, что мастера выбрали для своих работ менее избитые сюжеты, было решено восполнить этот пробел самостоятельно: без главной звезды Голливуда всё же не обойтись. Для скульптуры был выбран самый известный образ кинодивы: сцена из фильма «Зуд седьмого года» (он же «Семь лет желания»), когда порыв воздуха из вентиляционной решетки раздувает юбку белого платья героини.

Авторы даже решили частично выполнить скульптуру в цвете (обратите внимание на платье, макияж и знаменитую родинку, а вот само тело кинозвезды сделано только из песка и воды, в полном соответствии с регламентом фестиваля),  так что теперь это единственная раскрашенная песчаная фигура на фестивале.  Вот такой нестандартный «ответ Энди Уорхоллу». Скульптура Мэрилин Монро стала 25-м и последним персонажем выставки.