Впечатления от посещения центра современного искусства «Эрарта» оказались самыми позитивными. В своем отзыве о посещении этого необычного питерского музея мы кратко рассказали о том, как он устроен, что там можно увидеть и чем радует зрителя. Но о конкретных экспонатах речь не шла. Поэтому решено было составить подробный фотоотчет о посещении музея «Эрарта», с фотографиями и описаниями наиболее самобытных картин.
Как уже говорилось, помимо постоянной экспозиции, в музее есть крыло с галереями, где проходят временные выставки. Но и постоянная экспозиция «Эрарты» весьма обширна, так что для одного посещения музея ее более чем достаточно. Впрочем, в стоимость основного билета входит осмотр некоторых временных выставок, так что грех не заглянуть и в галерейное крыло. Однако в фотоотчете мы всё-таки ограничимся рассказом об основной музейной экспозиции и наиболее интересных — на наш субъективный взгляд — экспонатах «Эрарты». Как вы уже поняли, музей это большой, и художников здесь представлено много, так что мы покажем лишь некоторых. В числе собственных фаворитов назову Вячеслава Михайлова и Николая Сажина, а также Гелю Писареву и Анастасию Базанову.
Музей современного искусства «Эрарта» находится в большом пятиэтажном здании, являющемся образцом позднего сталинского классицизма. Оно было построено в 1951 году для местного райкома (Свердловского райсовета и райкома партии), а впоследствии тут разместился Всероссийский НИИ синтетического каучука имени С. В. Лебедева.
Перед входом в музей установлены две скульптуры — Эра (Era) и Арта (Arta), созданные по заказу музея скульптором Дмитрием Жуковым, выпускником кафедры металла Санкт-Петербургской Государственной Художественно-промышленной Академии имени А.Л. Штиглица. Статуи Жукова выполнены в виде мифологических крылатых существ, причем в образе одной из них угадывается силуэт Ники Самофракийской. Материалом для инсталляций служат деформированные стальные полосы. Колоссы провозглашают наступление «Эры Арта» и символически отражают содержание музея, где представлены как традиционные, так и экспериментальные произведения искусства.
Входя внутрь здания, поражаешься простору и стильному оформлению интерьеров. На первом этаже в центральном холле находится стойка информации (ресепшен), а рядом располагаются магазины, о которых писалось выше (магазин подарков, арт-салон и книжный магазин). Витраж на потолке холла выполнен по мотивам картины Елены Фигуриной «Икар», представленной в экспозиции музея.
Перемещаться между этажами можно по лестнице или с помощью современного лифта с просторной прозрачной кабиной. В каком еще музее такой есть?
План музея «Эрарта»:
Осматривать залы можно совершенно свободно, двигаясь в произвольном направлении и ориентируясь при помощи выдаваемого каждому посетителю плана музея. Смотрители заменены видеонаблюдением, а билетеры — автоматическими воротцами. Благодаря всему этому чувствуешь себя комфортно. Каждая картина помечены табличкой с указанием ее названия, фамилии автора и года создания. Кроме того, рядом со многими картинами есть ламинированные листы с описанием данной работы и информацией о художнике.
В зале на первом этаже представлена керамика Владимира Сахненко (1930-2008). Эти произведения были выполнены в разные годы, с 1980-х по 2000-е. Живописец и керамист Владимир Сахненко родился в Сумской области, учился в Ворошиловоградском художественном училище и московском Академическом институте им. Сурикова. Начинал он как живописец, а затем увлекся керамикой и посвятил этому виду творчества основную часть жизни. Глиняные вазы, амфоры, «античные» головы, причудливые рыбы и лягушки, рельефы с образами фантастических существ, — всё это напоминает артефакты какой-то древней африканской или восточной цивилизации.
Рядом можно увидеть картину Алексея Штерна «Крещение» (2006). Этот художник родился в Казани в 1942 году, а в настоящее время живет в Петербурге. Он учился в Харьковском художественном институте, а затем на режиссерском отделении Школы-студии МХАТ, работал художником-постановщиком в театрах. С 1979 года Алексей Штерн посвятил себя преподаванию, а с 2000 года полностью ушел в рисование. В данном случае художник обратился к библейскому сюжету, и это не так уж необычно: вокруг было еще несколько картин на подобные же темы. Довольно необычен выбор материала: Алексей Штерн рисует по оргалиту, накладывая на него слой гипса, который затем растрескивается, создавая имитацию складок и морщин на лицах. Выходя за пределы холста, художник показал переход в высшие сферы, где царит Святой Дух. Голубь действительно парит за рамой. Обратите внимание на представление реки Иордан в виде вертикали (в символике креста горизонтальная перекладина обозначает путь земной, а вертикальная — духовный). Иоанн Креститель твердо стоит на земле (его нога изображена прямо на раме), а робеющий Христос, которому предстоит навсегда покинуть этот земной мир, пребывает в духовном (вертикальном) водном пространстве.
Среди других экспонатов на этом этаже отметим работу Александра Загоскина «Адам и Ева. Память земли» (1991). Разделенная пополам многослойная картина запоминается яркими солнечными всполохами на телах Адама и Евы, помещенными на фрагментарном фоне с потрясающими оттенками синего. Специалисты усматривают тут технику монтажа и коллажирования, а также сравнивают приемы художника с древнерусской практикой «поновления» икон, поскольку картина выглядит так, будто ее неоднократно перестраивали, переписывали, затирали пемзой и подновляли.
Художник Александр Загоскин родился в 1954 году, окончил Кировское художественное училище, учился во Всесоюзном государственном институте кинематографии по специальности «художник кино», затем работал на киностудии «Леннаучфильм» художником-мультипликатором и художником-постановщиком (среди лучших работ Загоскина в этом качестве — фильм «Бедный, бедный Павел»). Декоративность, выразительность цвета и формы, необходимая в искусстве кино для передачи эмоций, проявляется и в живописи Загоскина. Интересно, что в его картинах прекрасно уживаются абстрактное и фигуративное: Адам и Ева изображены в классической манере, но на сложном фоне, сквозь который можно разглядеть детали райского сада и фрагменты насыщенного синего цвета. Из-за этой многослойности холст выглядит очень интересно, он как будто полон свечения и вибрации. Очень хорошо сказал о своих принципах сам Загоскин: «Если абстрактная живопись не откладывается внутри, не базируется на реальности, не затрагивает какие-то изгибы души, то это не абстрактная живопись. Тогда это просто мазня».
Еще впечатлила необычная объемная металлическая скульптура «Ангел» (имя художника, к сожалению, осталось невыясненным). В «Эрарте» вообще много ангелов хороших и разных: эта тему почему-то особенно привлекает современных художников и скульпторов. Этот ангел замечателен тем, как интересно художник играет с пространством: если посмотреть на композицию с одного ракурса, видишь только хаотичное и довольно уродливое нагромождение металлических контуров, но если взглянуть на эти угловатые линии фронтально, оказывается, что перед тобой самый настоящий ангел, нежный и изящный, как витражный рисунок. Такое вот поразительное превращение.
При входе в следующий зал тебя встречает композиция не для слабонервных: человека придавило гигантской фигурой из игры в тетрис. Глядя на безжизненное тело, легко и правда испугаться! Когда приходишь в себя, отправившись от первого шока, узнаёшь, что это инсталляция под названием «Game over» (автор Сергей Лакотко). Как правило, именно на такой L-образной фигуре заканчивается игра в тетрис. После непродолжительных метаний игроку становится ясно, что грамотно приспособить эту штуковину решительно некуда, и вскоре раздастся пронзительная трель, а на экране появится надпись: «Игра окончена». Московский художник сделал эту работу в назидание любителям компьютерных игр и социальных сетей, напоминая о взаимопроникновении реальной и виртуальной действительности. Работа предупреждает о том, что виртуальный мир может сыграть роковую роль в жизни человека.
Далее начинается довольно обширная экспозиция творчества весельчака Юрия Татьянина, которого называют одним из самых эпатажных современных художников. Может, это и не эпатаж, но хулиганство точно. Сам художник скромно называет себя «гением земли Липецкой». Работы Татьянина (или ТЮНа) особой тонкостью не отличаются, зато очень жизнерадостны. Стиль его можно определить как ироничный примитивизм. Специалисты утверждают, что художник Юрий Татьянин является нонконформистом и отчаянно и безнадежно борется со всем общепринятым в российской глубинке. При должной подготовке в его грубоватых образах можно, как говорят, уловить «человечность и боль», «наивность и нежность».
Вообще Юрий Татьянин не имеет художественного образования. Считается, что его «университетами» были заборные граффити и альбомы по современному искусству. Он родился в 1963 году в Липецке, закончил машиностроительный техникум, затем работал машинистом сцены, а с 1991 по 2006 год занимался книжным бизнесом. Называть себя художником Татьянин начал с 1993 года.
Художественные достоинства его произведений критики оценивают неоднозначно, но у простого зрителя картины Татьянина, как правило, находят отклик, тем более что произведения часто раскрывают популярную тему алкоголя. Его образы отображают нашу родную российскую действительность в сатирической форме. Также ТЮНу нравится в своей неповторимой манере изображать героев современного искусства: Малевича, Ван Гога, Гогена. Вот, например, «Автопортрет с Малевичем и Ван Гогом» (2006), нарисованный, между прочим, масляными красками, но не холсту, а по ковру.
Картина «Минздрав предупреждает» (2007) с белой повязкой на ухе неизвестного персонажа позволяет предположить, что здесь изображен всё тот же Ван Гог. В конце концов, именно по инциденту с ухом голландец более всего известен широкой публике. В данном случае Ван Гог, который действительно пил, курил и имел психические отклонения, «помещен в советский алкогольный дискурс» и держит в руке граненый стакан. Вокруг фигуры Ван Гога на холст наклеены плюшевые обезьянки, что еще больше приближает персонажа к Венечке и смешивает Арль с Петушками. Обезьянки вызывают ассоциации с ангелами из поэмы Венедикта Ерофеева. «Да мы знаем, что тяжело, — пропели ангелы. — А ты походи, походи, легче будет. А через полчаса магазин откроется: водка там с девяти, правда, а красненького сразу дадут».
Рядом представлены картины Татьянина «Черная Венера» (1993) и «Одинокий ужин» (2007). Последнюю сопровождает очаровательная инсталляция в виде бутылки водки, стакана и соленых огурцов. Водка и огурчики — самые настоящие и регулярно обновляются. Любой посетитель музея может выпить и закусить, чтобы искусство воспринималось еще лучше.
В этом же зале очень позабавила инсталляция «Ты — картина». Выглядит это так: в одном углу выставочного зала вместо настоящей картины повешен экран, на котором транслируется видеосюжет о посещении «Эрарты». Показано, как человек переходит от картины к картине, перед какими-то останавливается с озабоченным видом, а затем обращает внимание на «картину», которой являешься ты, и начинает разглядывать ее. При этом на лице у него отражаются разные эмоции. После чего он из зала выходит, а через какое-то время на экране показывают другого посетителя галереи (кажется, играет всех этих персонажей один и тот же актер, но типажи разные). Поначалу мы думали, что видео проигрывается в зависимости от твоих передвижений (мол, герой на экране приближается к «картине», когда ты отдаляешься, или наоборот), но потом убедились, что никаких датчиков нет, и фильм просто прокручивается сам по себе. Но всё равно задумка оригинальная. Представить себя на месте картины — ощущение, признаться, довольно странное; чувствуешь себя по-дурацки, когда на тебя глазеет странный тип, недоуменно почесывающий в затылке или плотоядно облизывающийся.
Рядом вывешены картины совсем другого настроения, мрачного и тревожного: «Ожидание» (2007), «В казино» (2007) и «Идущий» (2002). Их создатель — художник Михаил Павленин, который родился в Перми в 1946 году, окончил искусствоведческий факультет Института имени Репина, а в настоящее время живет и работает в Петербурге. Классическое рисование с его каноническими принципами светотени он всегда ненавидел и творил по-своему. А теперь самобытные композиции Павленина находятся в собраниях Русского музея и частных коллекциях. Персонажи художника — странные существа, напоминающие полумертвецов: изувеченных калек или пораженных болезнью людей. Так, улыбка игрока на картине «В казино» оборачивается оскалом черепа, обтянутого пожелтевшей кожей.
Картина Андрея Рудьева «Менины. Отражение» (2010) воспроизводит известное полотно Веласкеса «Менины», только вписанное в овал и искаженное при помощи компьютерной программы (редакторы типа «Фотошопа» способны переводить изображение из прямоугольной системы координат в полярную). Тем самым показано, что «душа», присутствующая в первоначальном произведении, никуда не делась, поскольку настоящему искусству не страшны никакие технические революции. Попутно заметим, что «Менины» не впервые становятся объектом разного рода экспериментов: известны, например, вариации Пикассо на тему «Менин». Кроме того, в 2010 году в «Эрарте» прошел проект «и..Менины», на котором более 30 петербургских художников представили свои вариации на эту же тему. Автор данной версии «Менин» — художник Андрей Рудьев, который родился в 1966 году в Краснодарском крае, окончил Краснодарское художественное училище, а затем Училище имени Мухиной и теперь живет в Петербурге.
Художник Евгений Саврасов повеселил парной группой металлических скульптур: «Адам (автопортрет») и «Ева (портрет Майи)» (1992). Евгений Саврасов родился в 1940 году в Ставропольском крае, окончил Ростовское художественное училище им. Грекова и большую часть жизни преподавал в художественной школе, разработав авторский курс по основам художественного конструирования и дизайна. Он по-прежнему живет, преподает и творит в Ставрополе, создавая интереснейшие картины и инсталляции. За ним уже давно закрепилась слава авангардиста и ниспровергателя канонов реализма. Для своих инсталляций Саврасов, как видите, подбирает самые обыкновенные повседневные предметы: образы героев сложены из сантехнических деталей, клинка лопаты и прочего металлического мусора. За исключением этой композиции, в собрании «Эрарты» представлены в основном картины Саврасова, в которых он предпочитает примитивистские формы и в основном работает локальным цветом, не стремясь буквально повторять действительность. Хотя сам Саврасов определяет себя «чисто ставропольским художником», его необычный стиль получил признание: работы художника находятся в фондах Ставропольского Краевого музея изобразительных искусств и в частных собраниях.
Покидая первый этаж, посмотрим еще несколько интересных картин. В работе «Метро. Эскалатор» (1985) Арон Зинштейн отразился присущий его творчеству «авангардный наив» и экспрессионизм. Недаром этот художник с удовольствием собирает детские рисунки и так ценит непосредственность и свободу живописи, отсутствие привязок к академической школе. Для него важнее всего изобразить натуру не статичной, мертвой, а живой, движущейся. Зинштейн часто изображает самые будничные сюжеты: уличные праздники или люди, спешащие по улицам Петербурга. В картине «Метро. Эскалатор» он показывает еще подобный момент повседневной жизни большого города, его плотоядную глотку, поглощающую и извергающую пассажиропотоки. Доминирующие в композиции черно-красные тона пышут жаром и обдают адским пламенем. Это не единственный созданный Зинштейном образ Петербурга — города, где он сегодня живет и работает. Родился Арон Зинштейн в 1947 году в Нижнем Тагиле и там же учился в художественном училище, а затем переехал в Ленинград и окончил училище им. Мухиной. Зинштейн известен не только как живописец, но и как график: множество книг российских и зарубежных классиков изданы с его иллюстрациями.
Особым настроением отмечена картина «Летающая тарелка. Осенний день в Царском Селе (Вид с Камероновой галереи)» (1992). Ее автор — известный художник Анатолий Заславский, которого называют живым классиком петербургской живописи. В «Эрарте» можно увидеть целый ряд работ этого автора. Анатолий Заславский родился в 1939 году в Киеве, после эвакуации учился в художественной школе, затем поступил в киевский государственный институт им. Тараса Шевченко, но был исключен за плохое знание украинского, после чего переехал в Ленинград и поступил в училище им. Мухиной. Главное, что отличает картины Анатолия Заславского (в том числе его зарисовки видов Петроградской стороны и других петербургских пейзажей), — раскованность, жизнерадостность, любовь к цвету, трепетное отношение к самым обычным предметам и деталям. Его живопись нескучна, свободна от академической строгости, но при этом легко воспринимается и прекрасно передает прелесть преходящего мгновения. Анатолий Заславский ─ прекрасный портретист и пейзажист, работы которого находятся в Русском музее и многих других собраниях.
Посмотрим еще на работы петербургского экспрессиониста Феликса Волосенкова. Композиция «Явление бога Волоса в виде зарождающегося космоса» (2007) порадовала «смешанное техникой», а именно использованием таких необычных материалов, как губка или поролон. Когда подходишь вплотную к этому «масленичному блину», ощущаешь мягкую, объемную фактуру материала, дополняющую впечатление от солнечных оттенков самого существа. В своем творчестве и в этой работе, в частности, Феликс Волосенков воскрешает образ древнего славянского бога Волоса (Велеса), считая любой предмет видимого мира проявлением этого языческого божества. Бог Волос является неизменным персонажем работ Волосенкова.
В данной работе художник придерживается традиционной иконописной композиции и цветовой символики (например, желтый напоминает о высших силах), но создает собственное предание о возникновении Вселенной, помещая в центр овала женскую фигуру, окруженную абстрактными цветовыми пятнами и линиями. А еще для его творчества, как вы уже заметили, характерно придание работам фактуры за счет использования самых разнообразных материалов (куски тряпок, фанеры, обломки металла, тот же поролон). Помимо картин, Волосенков пишет стихи, похожие на древние заклинания и продолжающие традиции футуристического языка. Его произведения находятся в Эрмитаже, Русском музее и многих других коллекциях.
Феликс Волосенков родился в Донецкой области в 1944 году, окончил художественное училище в Баку, затем поступил Ленинградский Государственный институт музыки, театра и кинематографии по специальности художник-постановщик. Впоследствии работал в театре и преподавал в изостудии, а с 1984 года начал выставляться вместе с Валерием Луккой и Вячеславом Михайловым, «ниспровергая каноны живописи». Сейчас художник живет и работает в Петербурге. Рядом можно увидеть гораздо более раннюю картину Волосенкова, «Свердловская Венера» (1967). Женщина, парящая на зеленом одеяле над смутным городским пейзажем, выглядит как распускающийся в ночи цветок.
Всё ее тело будто составлено из всполохов, возможно, олицетворяющих цветные сны героини.
Что-то мы, пожалуй, подзадержались на первом этаже «Эрарты» и пора подниматься дальше, хотя, как нам показалось, «плотность» экспозиции выше именно на нижних этажах.
На втором этаже больше всего запоминается темный зал с высвеченными пятнами очень ярких полотен Елены Фигуриной. Фигурина с ее совершенно особым стилем — настоящая визитная карточка «Эрарты» (и всего современного питерского искусства). Созданный по ее картине витраж украшает холл при входе в музей, в магазине подарков продаются различные сувениры с образами героев ее картин, а также в музее демонстрируется мультимедийный спектакль без актеров «Отчего люди не летают?», героями которого являются персонажи полотен Елены Фигуриной, разговаривающие, спорящие, вспоминающие прошлое и задающие важные вопросы (в основе спектакля девочки, пытающейся ответить на вопрос: жить ли ей, как хочется или так, как от нее ждут другие). Наконец, весь этот красивый темный зал на втором этаже полностью посвящен творчеству этой художницы с красивой фамилией.
С картин Фигуриной на нас смотрят странноватые, но трогательные персонажи. Существа эти кажутся по-детски незащищенными, страдающими, беспокойными, неуклюжими. Персонажей Фигуриной часто называют вызывающе некрасивыми, но их грустные лица не лишены обаяния, да и вообще к этим героям трудно подходить с обычной человеческой меркой: это не конкретные мужчины и женщины, а обобщенные архетипичные образы, существа без пола и возраста.
Творчество Фигуриной явно лишено исторического и национального контекста. Это очень личное, интимное высказывание. На ее картинах отсутствует задний план, конкретные детали внешнего мира. Пространство обозначено предельно обобщенно. Действия героев тоже просты, архетипичны (они танцуют, пасут коров, гуляют, ловят рыбу). Эта простота и извечность ситуаций сближает произведения Фигуриной с мифом, фольклором. Условность, плоскостность изображения и яркие локальные цвета перекликаются с иконами — одним из важнейших ориентиров в творчестве художницы (по словам Фигуриной, это «наивысшее произведение искусства», в иконе «высшая скорбь соединяется с высшей радостью»). Елена Фигурина почти не смешивает краски и не использует спокойных, приглушенных тонов: в ее работах преобладают горячие локальные цвета — красный, оранжевый, желтый и синий. При минимуме живописных средств, исключительной простоте и наивности она достигает необычайной емкости и выразительности, тонкой передачи эмоций.
У Елены Фигуриной интересная биография. Она родилась в Латвии, в городе Вентспилсе в 1955 году, а через 14 лет ее семья переехала в Ленинград, где Елена окончила музыкальную школу по классу гитары, а после этого несколько лет там преподавала. Затем она получила профессию инженера в Ленинградском институте авиационного приборостроения (ЛИАПе), причем с третьего курса 20-летняя Елена начала увлекаться живописью, хотя и не имела специального образования. Постепенно Фигурина начала участвовать в квартирных выставках неофициального искусства, вошла в художественную группу «Летопись» и пережила все трудности, с которыми сталкивался ленинградский андеграунд в брежневские времена. В 1981 году она стала участником «Товарищества экспериментального изобразительного искусства», а в 2000 году — членом Академии современного искусства бессмертных, основанной Феликсом Волосенковым.
Для Фигуриной творчество не является профессией или способом заработка. Она творит в первую очередь для себя и не может не рисовать. Для нее не так уж важно, будут приобретать ее работы или нет (художница вспоминает, какое удивление вызвала у нее первая покупка ее картины). «Я не для людей создаю, для себя. Это мой способ понять, что я здесь делаю вообще», — говорит она. Сегодня произведения Елены Фигуриной находятся в Эрмитаже, Русском музее и других музеях и частных коллекциях. В «Эрарте» можно увидеть ее картины «Забивание свиньи» (2000), «Коровы» (2006), «Икар» (2001), «Удержание птицы» (2008), «Карабканье по дереву» (1997), «Ангелы» (2005), «Девочка в красном» (1998), «Идол» (2006), «Шествие» (1995), «Люди-птицы» (1997). Помимо полотен, представлены бронзовые скульптуры (Фигурина занялась этим жанром в 1990-х годах): «Танцующая» (1997), «Девочка с птицей» (2006), «Фигура» (2001) и др. Рядом вывешены дощечки с прорисованными на них лицами («Композиция 1»), («Композиция 2» и т.д.).
Выходя из зала с работами Елены Фигуриной, замрем на несколько минут перед открывающимся из темноты видом на светлое полотно «Ужин с ангелом» Владимира Ельчанинова (2006). Картину дополняет, являясь как бы ее продолжением, стол с вышитой скатертью, на котором стоит крынка и миска с самым настоящим хлебом. Запах хлеба позволяет еще полнее погрузиться в настроение картины, на которой тоже изображен стол с хлебом, традиционным символом связи живых и мертвых.
Владимир Ельчанинов родился в 1932 году на Смоленщине в городе Гжатске (ныне Гагарин). После занятий рисованием в Доме пионеров поступил в Московское художественно-графическое училище, затем — в Московский государственный педагогический институт на художественно-графический факультет. После окончания учебы художник переехал в Смоленск и работал преподавателем педагогического института, а также совместно с коллегами организовал художественно-графический факультет. В сегодняшнем творчестве Ельчанинова преобладает неброский монохромный колорит и символический сюжет. Он продолжает жить и работать в Смоленске.
Взглянем теперь на величественно безмолвный триптих «Черные скалы» Петра Татарникова (2007). Как говорит сам художник, его живопись отличается невнятность, тайной недосказанностью. Это присутствует и в данной картине, и, возможно, именно этой таинственностью она к себе притягивает. Петр Татарников происходит из известной династии петербургских художников. Родился он в 1953 году в Ленинграде, учился в художественной школе, затем в Академии художеств, после чего долгое время преподавал там на архитектурном факультете. Хотя в своем творчестве Петр Татарников тяготеет к пейзажу, его картины нельзя назвать четким отражением реальности. Скорее, он использует эти образы для того, чтобы передать определенное настроение, атмосферу (Татарников и сам говорит, что для него важнее всего чувственное переживание). Пейзажи Татарникова почти всегда безлюдны, предельно ирреальны, полны торжественной тишины.
Картина друга Татарникова Владимира Загорова «После праздника» («Семья») (1986) понравилась своим колоритом и меланхолическим настроением. Праздник закончился, и пора идти домой. Возникает чувство какой-то растерянности и неуверенности, что делать дальше. Эта картина относится к серии «Люди в городе», начатой художником в 1980 году. Сюжеты для произведений из этой серии Загоров находил в жизни: делал зарисовки на улице, несколько раз наблюдал недалеко от своей мастерской гуляющего гармониста. Настоящая фамилия художника Владимира Загорова — Толстой. Он родился в 1951 году в Краснодаре, учился в Краснодарском художественном училище, потом переехал в Ленинград и поступил на живописный факультет института имени И. Е. Репина Академии Художеств СССР. В запасниках Русского музея познакомился с творчеством Кандинского, Филонова, Малевича и других представителей русского авангарда. С 1987 до 1991 года Загоров преподавал в Академии имени Штиглица. В 2005 году Загорова пригласили в Санкт-Петербургский университет, где он преподает живопись на факультете графического дизайна. Художник работает и в абстракции, и в фигуративном жанре, несмотря ни на что, относит себя к реалистам, изображающим свою собственную реальность.
Следующий зал очаровал обилием прекрасных картин и очередной инсталляцией с бытовыми предметами — медным чайником и настоящими зелеными яблоками. Такие композиции воздействуют не только на зрение, но и на другие чувства: просыпается обоняние, вкус. Стол с «живым» натюрмортом поставлен на фоне деревенских пейзажей — «Сбор яблок» (2007), «Покинутая деревня» (2007) и «Несущая холсты» (2005). Всё это работы Гели Писаревой — художницы, создающей очень светлые, добрые, теплые картины. В этом зале можно увидеть сразу несколько ее работ, и во многих из них так или иначе присутствует образ ангела.
Сама Галина Писарева, которая просит назвать ее Гелей и так же подписывает свои картины, родилась в 1933 году в Ленинграде. В конце блокады Геля жила в эвакуации у бабушки на Украине и тогда начала рисовать. По возвращении в Ленинград закончила скульптурное отделение Таврического училища, а затем скульптурный факультет Института имени Репина и начала заниматься керамикой. Главным источником вдохновения для Галины (Гели) Демьяновны Писаревой всегда было народное искусство, иконопись, путешествия по Русскому северу. Сегодня Писарева — активная участница выставок объединения «Деревня художников» Шувалово-Озерки-Коломяги. Там же она живет и сама — в вековом деревянном доме среди озер, вдали от городской суеты.
Основные темы творчества Гели Писаревой — русская женщина, лирика деревенской жизни, материнство. Сюжеты ее произведений незатейливы, но при этом в них присутствует что-то более глубокое и значительное. На ее холстах мы видим «уходящую натуру», близкую на уровне генетической памяти каждому. Это заброшенные деревни, женщины, стирающие белье в реке, укачивающие детей или убирающие сено. Ангелы и святые в работах Гели Писаревой живут в старых деревянных домах и помогают людям в ежедневных трудах. Иногда ангелов напоминают сами деревенские жители, как, например, на картине «Женщины с зелеными крыльями» (2006), где деревенские бабы предстают богинями-охранительницами.
Рядом можно увидеть и другие картины Гели Писаревой: «Зима (улица Дерновая)» (1999), «Ангел над рекой» (2001) и «Лен цветет» (2004).
В соседнем зале — сразу несколько картин с видами Петербурга. По-питерски мрачными, но притягательными показались работы Андрея Неганова, в том числе холст с «дрожащими» огнями под названием «На Мойке» (2005) и картина «Адмиралтейский канал» (2009). Художник Андрей Неганов родился в Муроме в 1967 году, учился в художественной школе, а затем в Ивановском художественном училище. Одно время он жил в Петербурге, а сейчас вернулся в родной Муром. В творчестве Неганова преобладают темные тона, много суровых зимних пейзажей, вечерних и сумеречных. Неганов тяготеет к «портретированию» самых простых и даже грубых вещей: он изображает почтовые ящики, батареи, водопроводные трубы и краны, навесные замки, но преподносит их как полноправные объекты искусства. Он зарисовывает самые обыденные сцены в автобусе, стариков на скамейке, бабушек за швейной машинкой, дедушек с баяном. В первую очередь это городской художник: главные герои его картин — горожане, улицы, каналы, дворы-колодцы, мосты. Художнику прекрасно удалось передать атмосферу призрачного Петербурга.
Другие виды Петербурга в этом зале созданы ленинградским художником Юрием Гусевым, родившимся в 1939 году в доме на Мойке. Сначала учился в Горном институте на геолога, затем в художественном училище им. Серова и на искусствоведческом факультете Академии художеств. Юрий Гусев часто изображает знакомые с детства виды: арки и парадные родного дома на Мойке, игры на набережной (в «Эрарте» представлено сразу несколько картин из серии «На Мойке»).
Картина «Пейзаж с охотником и белой птицей» Валентина Кривченкова (1993) привлекает очарованием мягкого сельского пейзажа, за которым проглядывает атмосфера магии, загадки. Яркое свечение за горизонтом — в этом можно увидеть не только занимающийся или гаснущий день. Возможно, белая птица и свет за спиной охотника символизируют стремление человека к чему-то недостижимому. Художник Валентин Кривченков родился в Смоленской области в 1960 году, в небольшой деревне. Сначала он рисовал самостоятельно, затем поступил в художественное училище им. Венецианова в Твери, а теперь живет и работает в Смоленске, где много лет преподает в местной художественной школе. В основу произведений Кривченкова ложатся эпизоды, которые в свое время произвели на него неизгладимое впечатление, в том числе яркие события из его детства.
Свежестью и легкостью веет от очаровательной работы молодой художницы Анастасии Базановой «Утро» (2007). Интересно, это автопортрет? Девушка с идеальной фигурой изображена на фоне ярко освещенной утренним светом стены, а из окна виден купол, который большинству зрителей почему-то напоминает Исаакий. Взгляд девушки устремлен вперед, к новому дню. Особенно хорош носочек, который надевает девушка.
Автор этой работы Анастасия Базанова родилась в 1978 году в семье художников в Калуге. Училась в Петербурге в художественной школе при Академии художеств, затем поступила на графический факультет Академии, обучалась в мастерской книжной графики профессора Пахомова. Живописью Анастасия стала заниматься уже после окончания учебы. С особым увлечением она пишет безупречную обнаженную натуру и пейзажи. В работах Анастасии мир совершенен, в нем царит полная тишина и покой.
Картина «Благовещение» (2001) известного петербургского художника Завена Аршакуни — обращение к библейским теме, которой в экспозиции «Эрарты» посвящено не так уж мало картин. В данном случае каноническая композиция Благовещения помещена в современный загородный интерьер, а Мария — простая девушка, сидящая летним днем у окна с книгой. Помимо книги, из символов, используемых в библейском сказании, присутствует белая лилия, которую вручает Марии краснолицый ангел. В соответствии с многовековой живописной традицией архангел Гавриил влетает в комнату с левой стороны, а Мария написана в правой части картины. Как и другие работы Аршакуни, это полотно полно сочных, ярких красок. Но красный цвет ангельских одежд может служить одновременно и символом тревоги, опасности (заметьте отталкивающий жест Марии).
Удивительно, что творчество этого художника столь радостно, учитывая, как непросто складывалась его жизнь. Завен Петросович Аршакуни (1932-2012) родился в армяно-русской семье в Ленинграде, после смерти родителей в войну попал в детский дом, затем жил у дяди в Ереване, а через полтора года уехал обратно в Ленинград, где жил в интернате и учился в художественной школе, а после окончил Институт имени Репина. Аршакуни был участником известной группы художников «Одиннадцать», которая проповедовала отход от излишней строгости советской идеологии. Под влиянием Сарьяна и Петрова-Водкина Аршакуни обратился к жизнерадостным вариациям на темы городского пейзажа, к раскрепощенной, лирической манере. Аршакуни был не только живописцем, но также графиком, автором книжных иллюстраций и театральным художником. Для его произведений характерны яркость, солнечность, лучезарность. Сейчас работы Аршакуни находятся более чем в 40 российских и европейских музеях.
Рядом можно увидеть картины художницы Аллы Джигирей — в частности, «Пластмассовая роза» (2002) и «Александро-Невская Лавра» (2008). Эти работы, как и некоторые вышеописанные, можно отнести к категории «Петербург глазами современного искусства». Так, на картине «Александро-Невская Лавра» Петербург трансформируется в город из фантастической сказки: из реки Монастырки вдруг выплывает большой кит, извергающий на набережную голого Иону (этот библейский пророк проповедовал среди язычников в столице Ассирийского царства Ниневии, который по прихоти художницы превращается здесь в На-Невию, то есть Петербург).
В картине «Пластмассовая роза» — вновь петербургская набережная с безмолвными домами, напоминающими театральную декорацию, река сказочно полнится рыбой, а из нее выходит бледная девочка-русалка. Автор этих картин Алла Джигирей родилась в 1964 году в Ленинграде, окончила факультет архитектуры и реставрации Института им. Репина и сначала работала реставратором, но затем выбрала для себя живопись и графику. Художница предпочитает работать в технике литографии и активно занимается созданием книжных иллюстраций.
В этом же зале представлены работы Бориса Забирохина — художника, который вместе с Аллой Джигирей является организатором творческого объединения «Дети Архипа Куинджи». Картины «Облако над морем» (2002) и «Карбасы на солнце» (2001) — лирические романтические пейзажи, в которых, помимо потрясающей цветовой гаммы и очарования самих образов, привлекает материал: мятая бумага создает ощутимую объемную фактуру.
Борис Забирохин — петербургский художник, который, как и Алла Джигирей, создает фантастические книжные иллюстрации в технике литографии. Родился он в 1947 году в Ленинграде, учился в школе при Таврическом художественном училище и школе при Мухинском училище, по окончании которой стал студентом этого вуза. Уже в студенческие времена Забирохин открыл для себя книжную графику. В то же время он не забыл и живопись: особым источником вдохновения стали для него поездки на Русский север. Работы Забирохина находятся во многих музеях, в том числе в Русском музее и музеях Европы. Группа «Дети Архипа Куинджи», членом которой является Забирохин, любым социальным вопросам в искусстве предпочитают проблемы цвета, формы и настроения.
Поднявшись на третий этаж экспозиции, входим в зал, озаглавленный «Искусство как документ». Здесь собраны картины, выражающие дух эпохи; работы художников-авангардистов, которые в своих произведениях подвергают существующую действительность критике или предлагают проект создания нового мира. В частности, тут представлены картины Владлена Гаврильчика «Малыш» (2008), «Формула счастья» (2006), «Политрук Василий Гаврильчик» («Портрет отца») (2008). Работы Гаврильчика ассоциируются в основном с наивом и примитивизмом. У «патриарха ленинградского андеграунд», поэта и художника-самоучки Владлена Гаврильчика очень богатая биография. Родился он в 1929 году в узбекском городе Термез, окончил Ташкентское суворовское училище и Ленинградское высшее военно-морское пограничное училище. Служил штурманом пограничного транспортного судна, работал инженером, шкипером на барже, проводником поезда. Живописью увлекся уже в зрелом возрасте, примерно в конце 50-х в Ленинграде. В картинах Гаврильчика присутствует Дух времени, добродушная ирония, повседневный абсурдизм. Так, на картине «Малыш» пенсионер с игрушечным автоматом на шее и зажатой в руке дохлой курицей уверенно «конвоирует» куда-то внучка.
К этому же «документальному» разделу экспозиции относятся картины Давида Плаксина («Широка страна моя…» (1990-е), «Черная редька» (1980-е)) и Рината Волигамси («Большая Медведица» (2008), «Снег и дым» (2008)). Особой популярностью среди посетителей пользуется «Большая Медведица» уфимского постконцептуалиста Рината Волигамси (Исмагилова) (1968 г.р.) — ожившая фотография, на которой изображены солдаты, которые курят в темноте, а огоньки их сигарет складываются в созвездие Большой Медведицы. Посетители «Эрарты» с удовольствием покупают футболки с этим принтом, а также оригинальные кружки, на которых при нагревании проявляется изображение картины «Большая Медведица».
Представленные далее акварели молодого петербургского художника Филиппа Кондратенко (1974 г.р.) («На Мытнинской», «На улице-1», «На улице-2» (2000)) понравились легкой, непринужденной манерой и свежестью. Художник часто изображает знакомые улицы, перекрестки и набережные. Минимальными средствами он создает чисто петербургскую атмосферу.
В следующем зале третьего этажа нас ждало настоящее открытие — фантастические полотна замечательного художника Николая Сажина. Эти картины оставили чуть ли не самое яркое впечатление от посещения «Эрарты». Работы Сажина просто поглощают тебя, зачаровывают, от их созерцания испытываешь почти физическое наслаждение. Картины фольклорно-языческого плана — такие как «Рождество» (1982) и особенно «Масленица» (1983) с ее сказочным вихрем — это какой-то космос, настолько виртуозно работает Николай Сажин с цветом и живописной фактурой.
Композиция «Масленица» выполнена в виде триптиха: центральная часть изображает собственно Масленицу, правая часть — «Сжигание Масленицы», а левая — «Ряженые».
Специалисты признают Николая Сажина одной из самых ярких фигур петербургского авангарда. Родился он в 1948 году в городе Троицке Челябинской области, в 11 лет вместе с родителями переехал к родственникам в Выборг, и именно впечатления детства, проведенного в этом провинциальном городке, способствовали развитию воображения будущего художника.
Сажин учился в Таврическом художественном училище, а потом в Академии художеств им. Репина и с тех пор живет в Петербурге. В 1977-1989 гг. Сажин преподавал в Художественное училище им. Серова, в 1989-1990 в Институте им. Репина, с 1997 года преподает в академии им. В. И. Мухиной. Сегодня работы Николая Сажина экспонируются в лучших российских и западных музеях, а также представлены во многих частных коллекциях.
У Сажина очень самобытный стиль, но темы традиционные: любовь и смерть, Эрос и Танатос. Большое влияние на творчество Николая Сажина оказало знакомство в студенческие годы с сестрой Павла Филонова, Евдокией Глебовой, которая хранила работы своего брата до передачи их в Русский музей. Как и Филонов, Сажин интересуется материей, «плотью», вол всех ее проявлениях, вплоть до разложения и умирания. В результате появились такие циклы Сажина, как «Автоанатомия», «Йорики», «Тыквы», отличающиеся причудливым симбиозом растительных и физиологических форм. Художник строит свою метафизику органической жизни, он разлагает на части плоть этого мира и творит иной мир, созданный его собственной фантазией. При этом одной из главных отличительных черт творчества Сажина остается юмор.
Из других работ Сажина особенно привлекли «Пейзаж с фигурой, благословляющей пейзаж» (1988) и «Автопортрет» (1999). (Еще один автопортрет художника мы потом увидим на лестнице в общей галерее автопортретов). «Пейзаж с фигурой, благословляющей пейзаж» проникнут колдовством. Сказка, волшба, различная небывальщина — вообще характерный мотив для полотен Сажина.
Из работ, выставленных на четвертом этаже «Эрарты», интересными показались немногие. Отметим картину «Песня про море» (2006) Галины Хайлу. Галина Хайлу родилась в 1958 году в городе Курганинске Краснодарского края, окончила Краснодарский архитектурно-строительный техникум, но затем стала заниматься живописью. В настоящее время художница живет и работает в Краснодаре.
Во многих работах Галины Хайлу присутствует невеселая монохромная постиндустриальная реальность, при этом она часто изображает детей — беззащитных и одиноких в этом мире, окруженных тревожными переходами и тоннелями. Полотно «Песня про море» — более светлое и романтическое. Мальчишка, прилегший отдохнуть в своей комнате, мечтает под песни, доносящиеся из старого радиоприемника, и стены раздвигаются под влиянием его воображения, превращаясь в туман над морем, а спинка дивана — в корабельный борт.
На этом же этаже можно увидеть многочисленных слонов художника-хулигана Николая Копейкина. Копейкин не является профессиональным художником и рад этому. Он родился в Томске в 1966 году, а сегодня живет и работает в Петербурге. С 1999 года Николай Копейкин сотрудничает с рок-группой Н.О.М., а с 2002 год является лидером художественного объединения КОЛХУи (Колдовские художники), представителем стиля «мультреализм».
Из работ Копейкина в «Эрарте», в частности, представлены «Случай в слоновнике» (2007), «Заморский гость» (2008) и «Родина» (2008). Всё это картины из цикла «Слоны Петербурга», родившегося из известной ироничной фразы «Россия — родина слонов». Особой популярностью у посетителей музея пользуются разнообразные сувениры (футболки, календари и проч.) с репродукцией копейкинского «Медного всадника», на которой Петр I восседает не на коне, а на слоне. Источником вдохновения для Копейкина служит детская книжная классика, советский плакат и абсурдистский советский фольклор. Ироничные, сатирические картины Копейкина растиражированы на открытках и плакатах (в частности, он создавал информационно-агитационные плакаты для Петроэлектросбыта), разошлись на принты для футболок и бродят по Интернету в виде аватаров.
На этом же этаже можно увидеть картину «Еще один день» (2006), автор которой — Денис Ичитовкин, один из самых молодых художников в собрании «Эрарты». Денис Ичитовкин родился в 1977 году в Перми, затем переехал учиться в Институте имени Репина в Петербург и живет здесь по сей день. Как признается сам художник, больше всего ему нравится писать привычную жизнь, которая его окружает: в основном он изображает интерьеры типичных городских квартир, обычные кухни, бытовые предметы. Необычность этому полотну придает бабушкин буфет, раскрашенный почти в «мондриановской» манере — с красными, зелеными, синими и желтыми прямоугольниками. Главным в картинах Ичитовкина является не чье-то присутствие, а отсутствие (пустующие стулья, приоткрытые двери): пустота, недосказанность создают завораживающий эффект.
В соседнем зале можно увидеть «Кладбище неизвестных персонажей», составленное пермским художником Антоном Семакиным из шедевров мирового искусства. На кладбище покоятся мальчик с картины Пинтуриккио, дама в тюрбане с полотна Пармиджанино, дама в шляпке Пауля Клее, загадочная красавица Леонардо, крестьянин Малевича, матрос Татлина. Семакин решил отдать дань памяти не самим творцам западной культуры и даже не запечатленным ими известным историческим личностям, а безымянным персонажам. По словам автора инсталляции, «зачастую художник пишет не портрет, но образ, составленный из многих лиц — типаж, стилизованный, условный, архетипический. Не имея реального прототипа или являясь изображением прототипа не установленного, безвестного – и, вместе с тем, узнаваемые всеми по воле (или вине) художника — эти симулякры лишены надежды на вечное упокоение ибо безымянны и немы».
На пятом этаже «Эрарты» находится Большой зал для проведения разного рода чтений, концертов, творческих вечеров. Зал, как и положено музею современного искусства, тоже оформлен картинами. Собственно выставочных залов на этом этаже немного, но они берут не количеством, а качеством.
Евангелическую тему основного выставочного зала пятого этажа задают «Терновый венец» Александра Архипенко и «Тайная вечеря» Павла Гришина. Потрясающе, насколько узнаваем сюжет Тайной вечери в этом нагромождении скрытых мешковиной фигур. Это происходит благодаря тому, что инсталляция «Тайная вечеря» композиционно полностью соответствует одноименной фреске Леонардо да Винчи: ученики Христа здесь тоже сидят по одну сторону стола. Как известно, в европейской живописи традиция такого изображения апостолов была продиктована желанием «открыть», показать зрителю лица всех учеников. Гришин же наоборот скрывает фигуры и лица Христа и апостолов грубой материей, и в результате мы не можем увидеть, как именно ученики воспринимают слова Христа о предстоящем предательстве. Художник тем самым еще больше заостряет интригу: когда все двенадцать обезличены, все «на одно лицо», то каждый из учеников в равной степени может оказаться предателем.
Наиболее сильное впечатление на этом этаже музея произвели неповторимые работы Вячеслава Михайлова. Когда-то нам уже довелось увидеть его картину «Тайная вечеря» в Русском музее, и с тех пор этот художник очень запомнился. В «Эрарте» творчеству Михайлова посвящен целый зал. Автор заливает свои холсты левкасом, использует песок, органические смолы, рубероид и т.д. — и с помощью этих материалов создает уникальную рельефную фактуру поверхности, напоминающей произведения с покрытием из эмали. Его потрясающе выразительные работы даже иногда называют «скульптурной живописью».
Вячеслав Михайлов родился в 1945 году в Ставропольском крае в глухом селе в многодетной семье. Юношей он несколько раз пытался безуспешно поступить в художественную школу Ростова-на-Дону, но в итоге получил письменный отказ «больше не беспокоиться ввиду полного отсутствия дарования». Какое-то время Михайлов пил, затем провел полгода, скитаясь по лесам с народным христианским философом, а после службы в армии поступил в Институт имени Репина (Академию художеств) в Ленинграде и окончил его с отличием. В конце 1970-х годов выпускники Академии Вячеслав Михайлов, Валерий Лукка и Феликс Волосенков создали творческую группу «Три богатыря», отказавшуюся от академического реализма ради поиска новых средств выразительности. Для создания необходимого эффекта художники стали использовать рельефные красочные наслоения.
После окончания учебы Вячеслав Михайлов полностью посвятил себя творчеству. В настоящее время он живет и работает в Петербурге. Работает по много часов в сутки, самозабвенно. Сам автор говорит, что его работы не требуют объяснения, поскольку это область поэзии, страсти, нерва. Себя он называет апокалиптическим художником и признаётся, что по натуре является жесточайшим пессимистом: «Мне кажется, пессимизм более участвует в жизнеустройстве человека. Пессимизм подвигает на активные конструктивные поступки». Творчество Михайлова не злободневно: для него важна память о прошлом и обращение к вечным мифологическим и библейским образам. Недаром многие его работы посвящены Рембрандту, которого Михайлов ценит в первую очередь за человеческое начало и личное отношение, за способность «записать» в картине свои нервные окончания, страсть и кровь.
Композиции Вячеслава Михайлова запоминаются мощной энергетикой, уникальным стилем и своеобразной техникой. Они обрушиваются на тебя этаким мясом, густой цветовой гаммой, бугристыми поверхностями и текучими объемами. Всё это будоражит зрителя, эмоционально его цепляет. Образы Михайлова словно возникают из какой-то плазмы, древней сырой материи. Каждая фигура, которую он «лепит», значительна, и происходящее на полотнах оставляет ощущение величия, присутствия божественного начала. Свой подход Михайлов находит в понятии «духовной органики»: художник должен иметь особое чувство органичности того, что он делает. Например, глядя на картину Михайлова «Легенда о Сизифе» (1990), можно физически ощутить духовное и физическое напряжение Сизифа, всю тяжесть глыбы, которую он толкает.
Хороши также работы «Фальшивый оракул» (1987), «Чехарда» из цикла «Русская игра» (1989) и картина «Пир во время чумы» (1980), на которой люди-обмылки, сбившись в кучу, утратили свое лицо.
Из произведений нового этапа творчества Вячеслава Михайлова в «Эрарте» представлены «Пастораль» (2000) и «Спас нерукотворный» (2006). Колорит в этих мистических картинах беднее, но мастерство исполнения невероятное, а образы восходят к самым глубоким корням.
Прежде чем покидать музей, советуем заглянуть в галерейное крыло. В залах этой части здания проводятся временные выставки, причем если перемещаться между этажами не на лифте, а пешком, то вдоль лестницы можно увидеть множество автопортретов художников, работы которых имеются в собрании «Эрарты». Забавно наблюдать, как узнаваемый стиль каждого понравившегося тебе живописца проявляется в жанре автопортрета.
Как и следовало ожидать, особая авторская манера остается неизменной, и автопортреты художников похожи на их картины. Автопортретов, как и художников много, но каждый посетитель, конечно, в первую очередь обращает внимание на лица наиболее полюбившихся авторов. Особенно интересно было взглянуть на автопортреты Галины (Гели) Писаревой, Елены Фигуриной, Николая Сажина, Анастасии Базановой, Петра Татарникова.
♦♦♦♦♦♦♦
См. также:
- Отзыв о посещении музея «Эрарта» и полезная практическая информация