Отзыв о посещении выставки Эдварда Мунка в Хельсинки

Недавно мы рассказали о Художественном музее Дидрихсена в Хельсинки — уютной художественной галерее, где скульптура и архитектура гармонично сливаются с окружающей природой. Музей размещается на острове Куусисаари, почти на берегу моря. Место уединенное и очень тихое. Лучшего и не придумаешь, чтобы неторопливо наслаждаться искусством и северными пейзажами.

До последнего времени музей был закрыт на реконструкцию, и вот вновь стал доступен для туристов, причем почти сразу после открытия «выстрелил» неординарным событием: выставкой Эдварда Мунка «Танец жизни». Прелесть выставки — в любопытном подборе экспонатов, среди которых есть как известные шедевры художника, так и редкости, не всегда знакомые даже его поклонникам. Всего представлено около 50 произведений Мунка, живописных и графических. Важность события заключается еще и в том, что это первая за последние 15 лет выставка работ великого норвежского экспрессиониста в Финляндии.

Во время последнего приезда в Хельсинки нам совершенно неожиданно удалось побывать на выставке «Танец жизни», и теперь мы готовы рассказать о наиболее интересных моментах экспозиции и поделиться сделанными фотографиями (как ни странно, несмотря на строгие меры безопасности, фотосъемка на выставке не запрещена).

Выставка невелика (всего демонстрируется около 50 работ), но даёт неплохое представление о творчестве Мунка (как живописном, так и графическом) и знакомит с основными этапами его жизни. На долю Эдварда Мунка (1863-1944) выпало много невзгод: болезни, потери близких, неудачи, страхи — и все эти переживания смог передать в своем искусстве. Особенно близки по духу ему были Кьеркегор и Достоевский, книги которого он зачитывал до дыр. В своем творчестве Мунк тоже старался проникнуть в «мистическое царство души». Он изображал обнаженные эмоции, чувства отчуждения, отчаяния, утраты. Трагический мир его произведений сильно воздействует и на сегодняшнего зрителя. «Без тревоги и болезней я — как корабль без руля... Мои страдания — неотъемлемая часть меня и моего искусства. Они неотделимы от меня», — писал норвежский художник. В каком-то смысле можно считать, что Мунк стал продолжателем напряженно страстного искусства Ван Гога.

В гостях у коллекционера

Музей Дидрихсена, в котором до февраля 2015 года будет проходить выставка Эдварда Мунка, находится в 20 минутах езды на автобусе от Центрального вокзала Хельсинки (подробнее о том, как добраться). От остановки шагаем направо, следуя указателю. Несколько минут — и мы на месте.

На подходе к вилле Гуннара Дидрихсена, в которой как раз и размещается музей, любуемся разнообразными произведениями современных скульпторов: финских и не только. В частности, музей славится крупнейшей в скандинавских странах коллекцией работ Генри Мура. Скульптуры сопровождают нас на всем пути к дому. Всяческие инсталляции также можно увидеть в другой части парка виллы, у побережья.

Итак, мы у входа. Заполненный водой бассейн, уютная гостиная (библиотека) с камином, книжными полками, гостеприимными креслами и даже фонтаном — всё создаёт впечатление, будто хозяева по-прежнему живут в этом доме. Видимо, нынешние владельцы — дети основателей музея, датского бизнесмена и коллекционера Гуннара Дидрихсена (1903-1992) и его жены, — решили максимально сохранить прежнюю обстановку, знакомую им с детства.

Подробнее об истории музея, его основателях и их коллекции читайте в отдельной заметке.

Среди прочих вещей, постоянно присутствующих в комнате, нельзя не заметить необычный скульптурный портрет покойных хозяев. Композицию «Мария-Луиза и Гуннар Дидрихсен» (1985) создала финский скульптор Лайла Пуллинен.

На время выставки Эдварда Мунка гостиная пополнилась привнесенными экспонатами, которые, однако же, превосходно вписались в интерьер и воспринимаются совершенно естественно.

Мы видим, например, портретный бюст Мунка (1886), а также бюст Рольфа Стенерсена. Последний был биржевым брокером, коллекционером и меценатом, другом и финансовым советником Мунка. Он также написал биографию художника (1944; переведена на русский и выпущена в 1972 году в серии «Жизнь в искусстве»). Изображение Стенерсена не случайно присутствует на выставке: большинство представленных на обозрение картин относятся как раз к его коллекции, которой теперь распоряжается Музей Мунка в Осло.

Рядом висит небольшой портрет Эдварда Мунка (1895), который написал известный художник Аксели Галлен-Каллела. С финским коллегой Мунк познакомился и подружился в Берлине, где оба они вращались в интернациональном кружке символистов, куда входили, в частности, Густав Вигеланн, Август Стриндберг, Станислав Пшибышевский и его жена Дагни Юль, Кристиан Крог и его жена Ода Крог. Все эти деятели, скандинавские и не только, были завсегдатаями артистического кафе «У черного поросенка». В 1895 году, также в Берлине, состоялась совместная выставка Мунка и Галлена-Каллелы.

На этом основные экспонаты гостиной Дидрихсенов заканчиваются, и можно переходить собственно к выставке. Но перед этим не пропустите оригинальную забаву: попытайтесь представить себя персонажем самой известной картины Мунка — «Крик». Ни одну из существующих версий этой «иконы экспрессионизма» на выставку не привезли (если не считать литографию), и в качестве компенсации посетителям предоставлена возможность самостоятельно «войти в картину». Достаточно встать на специальный коврик, состроить гримасу на выбор — и ваше искаженное лицо появится на экране с репродукцией «Крика», в точности на месте головы этой охваченной ужасом фигуры.

Необычная интерактивная инсталляция под названием «Это я?» была изначально сделана для другой выставки (то была выставка на тему психического здоровья «Heureka Goes Crazy», проходившая в музее «Эврика», недалеко от Хельсинки), а теперь перекочевала сюда. В такой развлекательной форме создатели «живой репродукции», видимо, хотели показать, что чувства одиночества и отчаяния не чужды ни одному человеку и мунковский «Крик» универсален.

Прежде чем идти дальше, можно заглянуть в туалет. Этот уголок тоже выглядит как часть обитаемого жилого дома, а не музея. При входе — книги из собрания Гуннара Дидрихсена и его фотопортрет. Вид из окна на улицу умиротворяет.

В гостиной Дидрихсенов так хорошо, что хочется остаться подольше, утонув в мягких креслах. Но нам пора переходить в собственно музейную часть дома, где и разместилась выставка.

Выставочные залы. Картины и графика Мунка

Пройдя через металлодетектор (обычное дело во многих европейских музеях, но для Финляндии подобные меры безопасности — нечто экстраординарное), оказываемся непосредственно в выставочных залах.

Костяк выставки, как уже было сказано, составили произведения из коллекции Рольфа Стенерсена, предоставленные Музеем Мунка в Осло. Также своими экспонатами поделились Национальная галерея Осло, Художественный музей Гётеборга, стокгольмская галерея Тиля (Тильская галерея), стокгольмский Музей принца Евгения Вальдемарсудде, Художественный музей Турку и Художественный музей Атенеум.

Среди наиболее известных работ Мунка из собрания Стенерсена на выставке можно увидеть полотна «Танец жизни» и «Меланхолия».

Картина «Танец жизни» (1921) дала заглавие всей выставке. Строго говоря, картин под таким названием у Мунка несколько. Например, в Национальной галерее Осло можно увидеть самый ранний (и самый известный) «Танец жизни» 1899-1900 года — одну из ключевых картин мунковского цикла «Фриз жизни», посвященного темам любви, страха и смерти. Существует также довольно схожий с ним вариант 1925 года. В данном же случае перед нами третья версия — «Танец жизни» 1921 года. Как пишет в своей биографии Эдварда Мунка его друг Рольф Стенерсен, картина была написана специально для него.

Хотя она и отличается от двух вышеназванных вариантов большей резкостью мазков, контрастностью цветов и расширенным, вытянутым по горизонтали форматом, тема в ней звучит всё та же: жизненный танец-круговорот, «высший ритм природы». Как и в других картинах с аналогичным названием, тут нашли отражение мотивы невинности, эротического влечения, ревности, печали и отчаяния. А еще эту композицию часто трактуют как метафору трех стадий жизни женщины. Сначала она изображена полной надежд, в светлом платье среди цветов, затем — в красном одеянии, в компании мужчины, и наконец, — в черном платье, замкнувшаяся в своем одиночестве. Фактически на полотне запечатлен пейзаж города Осгордстранд, берег Осло-фьорда. Однако, как и во многих других картинах Мунка, грань между изображением реальности и символом здесь стирается.

У картины «Меланхолия» (1911) тоже существует более ранний вариант 1899-1900 года. Вообще-то название «Меланхолия» Мунк часто давал своим картинам, в том числе изображавшим задумчивую мужскую фигуру на берегу фьорда или безутешную семью, собравшуюся в комнате умирающего ребенка.

Но в данном случае мы видим другой сюжет — одинокую женщину. Причем конкретную женщину: на этом полотне Мунк изобразил свою сестру Лауру, которая с подросткового возраста страдала душевным заболеванием (шизофренией). «Болезнь, безумие и смерть были ангелами у моей колыбели и с тех пор сопровождали меня всю жизнь», — писал Мунк.

Картина производит тяжелое впечатление: невидящие черные глаза, кривой рот, ощущение холода, неуюта и полнейшего одиночества. Лаура сидит, замкнутая в своей болезни, застывшая и безмолвная, словно истукан. Интересно, что психически больные люди на картинах Мунка часто смотрят прямо на зрителя, тогда как обычно художники того времени изображали безумие с помощью отвлеченного, направленного в сторону взгляда.

«В своей вечной глухой скорби она не узнавала собственную сестру, которая с любовью обращалась к ней, — она ничего не понимала — ее взгляд был лишен мысли», — вспоминал Мунк. За спиной Лауры в окне, лишенном занавесок, виден пейзаж зимнего фьорда, замерзшего, как и ее мозг. Цветок на круглом столе и скатерть — более живые и дышащие, чем эта женщина. Красный рисунок скатерти тоже символичен: он похож на живую ткань (особенно в первой версии картины). Некоторые исследователи считают, что рисунок напоминает сеть кровеносных сосудов, человеческие легкие, извилины или образец тканей головного мозга — и таким образом символизирует травмированную психику героини.

Известно, что у Мунка были непростые отношения с женщинами: они его одновременно привлекали и пугали, он боялся оказаться в их власти. На эту тему им создано множество произведений, в том числе завораживающая картина «Вампир». Из-под кисти Мунка вышло несколько вариантов этой композиции. На выставке демонстрируется версия 1893 года, которую предоставил Художественный музей Гётеборга. Картина изображает объятие мужчины и женщины с огненно-рыжими волосами на угрожающе-темном фоне, полном зловещих теней. Кажется, что женщина утешает отчаявшегося мужчину, так что сюда скорее подошло бы название «Сострадание» или «Утешение». В отличие от многих других женских образов Мунка, этот кажется не столько демоническим, сколько исполненным нежности.

И действительно — оказывается, сам художник никогда не называл картину «Вампир». Это наименование приклеилось позднее, несмотря на протесты Мунка, который называл ее «Любовь и страдание» («Любовь и боль») и утверждал, что женщина всего лишь целует, а не кусает мужчину в шею. (Вообще Мунк часто позволял торговцам и критикам давать названия своим картинам). Когда полотно впервые показали публике (дело было в Берлине), то оно вызвало возмущение (некоторые увидели в таком изображении страсти извращенные, садомазохистские мотивы; другие сочли, что тут отражены впечатления художника от визитов к проституткам). Несколько десятилетий спустя нацисты окрестили картину образцом «дегенеративного искусства».

Собственно, работы Мунка нередко вызывали скандальную реакцию и нападки критиков. Еще одним примером может служить картина «Больной ребенок» («Больная девочка») (1907), предоставленная на выставку Тильской галерей. Это одна из самых известных картин Мунка; он неоднократно повторял ее, варьируя мазки и краски. Композиция существует не менее чем в шести версиях. Самый ранний вариант «Больной девочки» был создан в 1885-1886 годах и находится в Национальной галерее Осло. В отличие от него, данная версия отличается более яркой, интенсивной цветовой гаммой.

На картине мы видим сестру Мунка Софи. Она умерла от туберкулёза в возрасте 15 лет, в 1877 году (через несколько лет после того, как от той же болезни скончалась мать). «В нашем роду только болезни и смерть. Мы с этим родимся», — говорил художник. Облагороженное смертью лицо девушки повернуто к свету, оно словно сливается с ним, превращается в свет. Для этой картины Мунку позировала полуголодная 12-летняя рыжеволосая девочка, «чахоточно-красивая», с иссиня-белой кожей и хрупким лицом. Рядом с умирающей сестрой, в образе собственной матери, он запечатлел свою тетку, Карен Бьёльстад. Именно она взяла на себя ведение хозяйства в семье Мунков после смерти сестры.

Сам Мунк считал картину «Больная девочка» переломным моментом в своем творчестве, разрывом с реалистическим искусством. Но публика оказалась не готова к этой революции. Первый вариант картины, показанный на Осенней выставке в Осло в 1886 году, ошеломил современников и вызвал бурю критики. Критик Андреас Ауберт писал: «„Больная девочка“ в ее теперешнем виде — это испорченный, наполовину уже стертый набросок. Это неудача».

Сам Мунк позднее вспоминал: «Ни одна другая картина не вызвала в Норвегии такого возмущения. Когда в день открытия выставки я вошел в зал, где она висела, то увидел людей, столпившихся перед картиной. До меня долетели крики и смех». Подобные сцены повторялись потом еще не раз. Казалось, критики соревновались друг с другом в колкости оскорблений. «Они едят на завтрак свежеубитого молодого художника», — с горечью писал Мунк. Позднее картину признали первым шедевром экспрессионизма. Но до этого было еще далеко. Долгие годы молчаливый норвежец был вынужден бороться за свободу творчества, сталкиваясь с непониманием, осмеянием, презрением. Это больно ранило Мунка. С первых лет творчества на него сыпались обвинения в незавершенности и бесформенности его работ. Да, они выглядели скорее как незаконченные наброски, если сравнивать с академическими салонными образцами, но суть как раз в том, что художник намеренно создавал шероховатые, грубые, а не прилизанные, доведенные до совершенства полотна; он хотел передать эмоцию, состояние человека, а не детали его плоти.

Малоизвестная картина «Кабаре» (1885-1886) из коллекции Стенерсена — одно из ранних произведений Мунка. Видимо, здесь нашли отражения впечатления юного художника от поездки в Париж, которую он совершил в 1885 году. В то же время картина — как ни удивительно — имеет отношение к «Больной девочке», являясь своеобразным побочным продуктом творческих поисков и мучительного самоанализа того периода.

История создания картины такова. Под влиянием своего старшего товарища писателя-анархиста Ханса Егера Мунк начал своеобразную терапию самокопания: стал вести записи воспоминаний и наблюдений над собой («препарировать душу») и выплескивать глубоко зарытую прошлую боль, подавленные эмоции в «картинах души», первой из которых как раз и стала «Больная девочка». Пытаясь найти единственно правильную форму выражения своего горя по умершей сестре, Мунк создал несколько «сырых» вариантов этой композиции. Один из них вызвал у него самого такое отвращение своей излишней театральностью и патетичностью, что юный художник перевернул холст и написал на обратной стороне намеренно грубую сцену в кабаре. Танцующая канкан девушка занимает в композиции то же место, что и умирающая Софи, а там, где Мунк изобразил безутешную мать, метавшуюся по полу, появились вожделенно уставившиеся на сцену господа в цилиндрах. Обе героини освещены аналогичным образом, а для придания композиции глубины Мунк использовал один и тот же прием: бутылку, поставленную на стол на переднем плане. В картине «Кабаре» это бутыль с вином, в наброске к «Больной девочке» — с лекарством (в итоговом варианте «Больной девочки» место бутылки занял стакан). Вряд ли можно было избрать более выразительный и циничный способ, чтобы «наказать» себя за чрезмерную экстатичность неудачного варианта картины, противопоставив ей приземленную пошлую реальность.

Проникнутая бесприютной меланхолией картина небольшого формата «Лунный свет. Средиземное море» («Лунная ночь на Средиземном море») (1891-1892) из собрания Национальной галереи Осло — чистый пейзаж, однако, как всегда у Мунка, это не просто картина природы, но еще и отражение психологического состояния художника. Очевидно, картина была написана под воздействием его поездок во Францию (в 1889 году Мунк получил стипендию и отправился учиться в Париж, а в 1891 году по новой стипендии поехал в Ниццу). Береговые пейзажи всегда удавались Мунку особенно хорошо. В основном он, конечно, писал любимую норвежскую природу вокруг Осло-фьорда, но такое впечатление, что черты северной природы просматриваются даже в этом виде французской Ривьеры. Волнообразная линия соединяет воедино передний и дальний план, береговую растительность и горы, простирающиеся за гладью освещенного луной залива.

Картина «На веранде» (1902) из собрания Национальной галереи Осло покоряет особенным задумчивым настроением и яркими осенними красками. Другое ее название — «Дождь».

Дождливая погода и на картине «Лето» (1889) из коллекции Стенерсена. По сравнению с осенью, лето у Мунка предстает более блеклым, пастельным сезоном.

А вот совсем другой жанр: картина «Купальщики» (1907-1908) с изображением обнаженных мужчин на морском берегу — довольно провокативная работа в сезанновской манере. Она была написана Мунком, когда от городской суеты он сбежал на Балтийское побережье, в Варнемюнде. Там он провел полтора года, с небольшими перерывами на поездки в Париж и Берлин. Жизнь в Варнемюнде была для Мунка периодом продуктивной работы, однако личный кризис художника вскоре достиг критической точки. Он много пил. Его мучила депрессия и мания преследования, и в октябре 1908 года Мунк покинул курорт, будучи вынужден согласиться пройти лечение в частной копенгагенской клинике профессора Даниеля Якобсона.

Во время пребывания в Варнемюнде Мунк охотно рисовал не только женскую обнаженную натуру, но и мужскую. Позирующие на берегу голые мужчины — неслыханно! Это вызвало скандал среди консервативной публики маленького немецкого курорта (как-никак дело было за 60 лет до массового увлечения немцев нудизмом). Одного из позировавших даже уволили со службы. Сейчас картина «Купальщики» находится в собрании Художественного музея Атенеум. Дом, в котором Мунк жил в Варнемюнде (Haus Am Strom 53), отлично сохранился и раз в неделю открыт для туристов.

Еще один пляжный мотив, на этот раз с женским телом, — написанная несколькими годами ранее картина «Венера» (1904-1905) (из коллекции Стенерсена). Женщины всегда завораживали Мунка. Изображать обнаженную женскую натуру художник начал под влиянием своих товарищей из круга скандинавской богемы, призывавших к нарушению табу. В одном из писем (1885) молодой художник даже признавался другу, что намерен в будущем рисовать одних только женщин. Конечно, это было преувеличением, но отношения между мужчинами и женщинами всегда оставались одной из главных тем его творчества. Женат Мунк никогда не был. У него было множество коротких романов. Однако ни одну свою связь с женщинами он не вспоминал с радостью или благодарностью.

Особая глава в творчестве Мунка — монументальная живопись. В данном жанре норвежский художник работал мало, и эта часть его наследия не всем по вкусу. Возможно, причина в том, что в таком масштабе теряется авторская манера и интимность интонации. Но и назначение у подобных фресок совершенно другое: публичное, идеологическое. В 1905 году Норвегия получила независимость, и Мунк стал поистине национальным художником, хотя широкая публика и продолжала относиться к нему неоднозначно. В 1909 году он получил заказ на создание росписей для актового зала университета в Осло, над которым работал до 1911 года. Темы для двух основных декоративных панно, «История» и «Солнце», художник нашел среди пейзажей городка Крагерё, где снял дом в 1908 году.

На выставке можно познакомиться с вариантом одной из этих монументальных композиций — «История» (1914; коллекция Стенерсена). Здесь Мунк попытался в доступных широкой аудитории формах рассказать о своей стране. Мы видим могучий дуб — древо жизни, под которым сидит старик-рыбак в красной шапке (символ свободы), рассказывающий мальчику о Норвегии и ее истории. За их спинами — типично норвежский пейзаж, суровый и холодный: голая земля, море, синее небо, прибрежные скалы. Норвежский народ добывает себе пропитание на скудной почве и борется с холодом, подобно этому дубу.

На выставке неплохо представлена портретная живопись Мунка. Портреты вообще играли важную роль в творчестве художника. Первыми его моделями были члены собственной семьи, друзья и знакомые — в основном коллеги по цеху. Но с началом XX века Мунк стал получать всё больше заказов от своих покровителей, друзей и коллекционеров, и портретная живопись превратилась для него в основной источник дохода.

Как и в случае с картинами других жанров, при работе над портретами Мунк часто делал несколько вариантов одного и того же произведения, варьируя технику, гамму или формат. Его портреты — это не просто попытка уловить внешнее сходство, но в первую очередь экспрессивные произведения, в которых художник, сродни Ибсену и другим писателям своего времени, анализирует личность модели, стремится выявить какие-то ее скрытые черты. Среди прочих особенно запоминается «Портрет Ингер Барт» (1921) из коллекции Стенерсена. Ингер Барт (Inger Desideria Barth) (1885-1950) была женой личного друга Мунка — врача Петера Барта (Peter Christian Barth) (1872-1941), который и заказал этот портрет. Мунк, по обыкновению, написал не одну версию (в данном случае лишь две; вторая одно время хранилась в гамбургском Кунстхалле, потом была конфискована немцами, а затем перешла в частные руки). На портрете Ингер Барт Мунк, используя довольно ограниченную палитру красок, создал очень живой, лиричный, мягкий образ.

Портрет «Макс Линде в морском костюме» (1904; коллекция Стенерсена) изображает доктора Макса Линде — состоятельного любекского офтальмолога, близкого друга Мунка и одного из первых покупателей его картин. Макс Линде (Max Linde) (1862-1940) вошел в историю как покровитель художников и коллекционер (особенно он любил Родена и французских импрессионистов). Мунк неоднократно изображал на своих картинах доктора Линде и его семью, а также их усадьбу с парком в Любеке и морские виды ганзейского города и окрестностей. В 1902-1907 годах норвежец часто и подолгу гостил у врача на вилле. Линде очень ценил Мунка и называл его «художником будущего». На портрете, который мы видим на выставке, Мунк изобразил доктора Линде в яхтенном костюме: таково было желание семьи. За внешностью уверенного, подтянутого спортсмена проглядывает эмпатичная, меланхоличная личность человека, восприимчивого к искусству. В художественном музее Бенхаус (Behnhaus) в Любеке по сей день хранится часть картин Мунка из коллекции Макса Линде, в том числе знаменитый шедевр «Сыновья доктора Линде».

Еще один интересный образец портретного творчества Мунка — «Портрет Густава Шифлера» (1908) из собрания Художественного музея Атенеум. Густав Шифлер (Gustav Schiefler) (1857-1935) был гамбургским юристом, судьей, меценатом, коллекционером и художественным критиком, покровителем экспрессионистов и группы «Мост». В его доме с 1895 года собирались художники и интеллектуалы: Эдвард Мунк, а также Эрнст Людвиг Кирхнер и Карл Шмидт-Ротлуф (работы этих основателей группы «Мост» Мунк считал радикальными, но они привлекали его своей необычностью). В 1902 году, увидев у Макса Линде коллекцию графики Мунка, Шифлер был так потрясен, что через некоторое время выпустил полный каталог графических работ норвежца.

Также на выставке демонстрируется портрет Торвальда Торгерсена (1886; коллекция Стенерсена). Торвальд Торгерсен (Thorvald Torgersen) (1862-1943) был норвежским художником, но вошел в историю искусств не столько своими собственными работами, сколько портретами, написанными с него коллегами. В частности, Мунк создавал его портреты трижды: в 1881, 1882 и 1886 годах.

Картину «Старик» (1902) прислал на выставку Художественный музей Гётеборга. На ярко-желтом фоне, очерченный интенсивным кобальтовым контуром, изображен неизвестный пожилой мужчина, видимо, рыбак. Мунку превосходно удалось передать черты его обветренного лица и фактуру черной куртки.

Спустимся теперь этажом ниже. Здесь посетители могут посмотреть 50-минутный фильм о жизни и творчестве художника (на английском языке). Расписание сеансов вывешено рядом.

Кроме того, в отдельном зале на нижнем этаже вывешены графические работы Мунка. Графика Мунка — это целый мир. Художник очень много и плодотворно работал в разных графических техниках. В частности, он считается одним из главных мастеров в истории европейской гравюры на дереве (ксилографии). Мунк часто создавал графику на сюжеты собственных живописных произведений, но подходил к этой работе творчески: экспериментировал с техниками, комбинировал цвета и варьировал композицию, всё больше отходя от детализированного первоначального образа к обобщению. Будучи в первую очередь живописцем, Мунк любил делать гравюры и литографии в цвете, причем цвет у него всегда символичен, несет экспрессивную функцию.

Чтобы создавать полноценные цветные гравюры, художник изобрел новый способ: он распиливал доску по основным контурам на несколько частей, каждый кусок покрывал своим цветом, снова складывал их, как пазл, и печатал. Это давало ему возможность с одной доски сделать многоцветный отпечаток, причем он часто варьировал краски, поэтому часто можно встретить разные по цветовым сочетаниям варианты одних и тех же мунковских гравюр. Мунк одним из первых художников своего времени начал работать в продольной (обрезной) гравюре на дереве. Он также заметил, что сама фактура древесных волокон может быть использована как значимый элемент композиции, и использовал это открытие в своих работах. Он лично, со всей тщательностью подбирал породу дерева.

Революционным было и то, что Мунк сам резал свои доски: обычно автор рисунка и резчик были разными лицами. Сам процесс резания доски был для него видом творчества. Недаром художник выставлял свои доски наряду с оттисками, как отдельные произведения искусства.

Одно из главных украшений зала графики — гипнотизирующая литография «Дама с брошью. Эва Мудоччи (Мадонна)» (1903) (из собрания Музея принца Евгения Вальдемарсудде). Эва Мудоччи (Eva Mudocci) — романтичный итальянизированный псевдоним Эвангелины Маддок (Evangeline Muddock) (1883?-1953), дочери британского писателя Джеймса Маддока. Темноволосая красавица Мудоччи была талантливой скрипачкой. Мунк познакомился с ней, видимо, в 1902 году и снова встретил в 1903 году в Париже. Завязался страстный роман, но отношения омрачало болезненное поведение невротичного художника. Они неоднократно расставались и воссоединялись, но связь, как и другие романы Мунка, закончилась ничем. Встречи и переписка с Мудоччи продолжались с перерывами до 1908-1909 года. В этот период Мунк пережил несколько нервных срывов и в итоге, как мы уже знаем, был более чем на полгода помещен в психиатрическую клинику в Копенгагене.

Эва Мудоччи выступала в дуэте с родившейся в Дании английской пианисткой Беллой Эдвардс (Bella Edwards) (1866-1954), которой одно время — безответно — увлекался Григ. Поговаривали о лесбийских наклонностях Беллы и ее связи с Мудоччи. Мунк запечатлел совместную игру скрипачки и пианистки на литографии «Скрипичный концерт» (1903) (также из собрания Музея принца Евгения Вальдемарсудде).

Недавно, в 2012 году, имя Мудоччи вновь появилось в прессе: появилась информация о том, что Мунк, возможно, был отцом двойняшек, родившихся у скрипачки в 1908 году, хотя художник и не знал об их существовании. До недавнего времени считалось, что у него не было детей.

Среди других графических работ — варианты знаменитых тем, которые Мунк варьировал многократно в самых разных техниках, от масляной живописи до гравюры. Это, в частности, офорт «Поцелуй» (1895) (из собрания Музея принца Евгения Вальдемарсудде) — две слившиеся в поцелуе обнаженные фигуры влюбленных, очерченные мягким контуром на фоне окна.

Мунк воспринимал жизнь трагически — так сложилась его судьба, и таков был склад его характера, поэтому в его творчестве мы тщетно будем искать изображения безмятежности и счастья, зато очень много картин и графики на тему смерти, болезни и страха, горя и одиночества.

Эти мотивы нашли отражение в литографии «Поцелуй смерти» (1899) и офорте «Мертвая мать» («Ребенок и смерть») (1901) (обе — из стокгольмской галереи Тиля).

В литографии «Больной ребенок» (1896) (из галереи Тиля) мы видим ту же умирающую девочку, что и на одноименной картине, только на этот раз крупным планом — всё внимание сосредоточено на ее профиле, изображенном на фоне белой подушки. Монохромная гамма разбавлена тревожно-красным цветом, что еще больше усиливает болезненное впечатление страха и опасности. Взгляд больной обращен к смертоносной темной массе, которая, кажется, уже не оставляет шансов жизни и как бы засасывает героиню. Эта литография печаталась в различных цветовых вариантах и очень высоко котируется в творческом наследии Мунка.

На выставке показаны и графические варианты других знаменитых картин из Национальной галереи Осло: офорты «Ночью» (1902) (вариант картины «Переходный возраст»), «На другой день» (1895), литография «Пепел» (1899) (всё из галереи Тиля).

Галерея Тиля, владеющая крупнейшим собранием графики Мунка за пределами Норвегии, также порадовала поклонников художника знаменитой литографией «Мадонна» (1895). Этот мотив существует в нескольких вариантах и первоначально назывался «Любящая женщина» или «Женщина в акте любви» («Женщина в экстазе»). От картины маслом литография отличается красноватой рамой с изображением извивающихся сперматозоидов (олицетворение мужского желания) и беспомощной фигуркой скелетообразного эмбриона, испуганно зажавшегося в нижнем левом углу. На лице обнажённой женщины с распущенными волосами блуждает странная усмешка. Полузакрытые глаза и поза указывают на любовный акт. Мягко изгибающиеся линии вокруг ее тела создают овальную змеевидную форму, напоминающую ореол, а вокруг головы светится красный «нимб», который вместе с названием картины рождает религиозные аллюзии, создающие удивительный контраст с явно эротической темой полотна. Позировала Мунку для этой двусмысленной «иконы чувственности» его любовница — норвежка Дагни Юль, жена писателя Станислава Пшибышевского.

Еще одна известная литография Мунка — «Автопортрет с рукой скелета» (1895) (предоставлена Художественным музеем Турку). Она также создана в берлинский период и отражает озабоченность художника темой смерти. Столкнувшись со смертью уже в раннем детстве, причем не раз, Мунк думал о конечности существования постоянно. Усугубляло его тревогу также и состояние собственного здоровья, физического и душевного. Интроверсия и поглощенность мыслями о смерти часто прослеживается в его исповедальных автопортретах.

На этом автопортрете белый воротничок и выделяющаяся на черном фоне голова придают 32-летнему художнику сходство со священником. Написанные сверху имя и год воспринимаются как эпитафия, тем более что они перекликаются с memento mori — рукой скелета в нижней части литографии. Возможно, толчком к созданию такого необычного автопортрета послужило открытие рентгеновских лучей: это случилось как раз 1895 году. Мунк находился в то время в Париже и был свидетелем новой моды: среди европейской публики приобрели популярность «рентгеновские вечеринки», во время которых актеры исполняли «танцы скелетов»; а в уличных киосках любой желающий мог приобрести собственный «рентгеновский портрет», сделанный через деревянную пластину, в результате чего на нем были одновременно видны кости человека и рисунок древесного волокна. В каком-то смысле этот автопортрет можно считать пророчеством, которое исполнилось в 1902 году, когда Мунк, получивший пистолетную рану в результате ссоры с отвергнутой любовницей Туллой Ларсен, оказался в больнице, чтобы сделать рентген кисти, куда попала пуля.

Литография «Крик» (1895) (из галереи Тиля) воспроизводит формы одноименной картины, первый вариант которой был создан в 1893 году. Известно, что сам Мунк изначально называл композицию по-немецки, Der Schrei der Natur, то есть «Крик природы». На литографической версии он сделал немецкую надпись: «Ich fühlte das große Geschrei durch die Natur» («Я почувствовал страшный крик природы»). Мунк заставляет поверхность листа словно вибрировать звуковыми волнами, пронизывающими пространство. Человеческая фигура с искаженным лицом предельно обобщена, беспола. Персонаж обхватил голову руками, его рот раскрыт в беззвучном вопле, а волнообразные линии пейзажа словно повторяют контуры фигуры, обвивая ее чудовищными извилинами. Всё индивидуальное из этого лица вытравлено, оно воплощает весь человеческий ужас и отчаяние.

Довольно неожиданный образец позднего творчества Мунка — картина «Собака» (1927) (коллекция Стенерсена), которая представлена в одном зале с графическими работами. Небольшая картина написана маслом на деревянной доске и трогает выразительными печальными глазами. Мунк нечасто изображал животных, хотя в его доме-студии Экели (Ekely) близ Осло, где он отшельником жил и работал с 1916 года до самой смерти, было много разной живности, в том числе несколько собак: их художник особенно любил (за исключением злобного соседского пса, на которого Мунк рисовал карикатуры и который стал причиной страшной ссоры с соседом). Рассказывают, что Мунк даже в кино ходил с собакой. Если она начинала лаять, он сразу же уходил из кинотеатра: значит, фильм не по душе четвероногому другу.

Еще одним ярким пятном среди графики Мунка выглядит малоизвестная картина, бывшая некогда частью диптиха «Клеопатра и раб» (1916-1918) из коллекции Стенерсена. Изначально обе стороны были написаны на одном холсте, но затем художник разрезал его пополам и оформил в виде отдельных картин. На полотне изображен африканец Султан Абдул Карим, которого Мунк в 1916 году на время нанял слугой, шофером и моделью (это был чернокожий артист из гастролировавшего в Осло немецкого цирка). Родственник Мунка норвежский художник Людвиг Равенсберг, который и подбросил ему эту идею, цинично записал в своем дневнике: «Теперь у Мунка в Экели полный зверинец. Негр Султан, медведь и две свиньи».

На этом наше знакомство с выставкой работ Мунка завершено. Приходите на выставку сами и приводите друзей!

Насладиться творчеством великого норвежского экспрессиониста в музее Дидрихсена в Хельсинки можно будет до 1 февраля 2015 года.

♦♦♦♦♦♦♦

См. также:

- Эдвард Мунк в Национальной галерее (Осло, Норвегия)

- Музей Дидрихсена в Хельсинки: архитектура виллы, коллекция Дидрихсенов и парк скульптур

♦♦♦♦♦♦♦

Практическая информация: как добраться до музея, сколько стоят билеты

Художественный музей Дидрихсена (Didrichsenin taidemuseo) в Хельсинки находится на острове Куусисаари (Kuusisaari), по адресу Kuusilahdenkuja, 1. Посмотреть расположение музея на карте Хельсинки можно тут.

До музея Дидрихсена можно добраться на автобусах № 194 или 195, которые отправляются от главного вокзала Хельсинки (площадь Elielinaukio), с платформы 36.

Ехать 20 минут.

Проездные билеты можно приобрести заранее в автомате (за 2,5 евро) либо у водителя (за 3 евро). Подробнее об общественном транспорте в Хельсинки читайте тут. Расписание автобусов можно посмотреть тут. Автобусы ходят достаточно часто.

Ехать нужно до остановки Kuusisaarenkuja. Остановка находится на главном шоссе, от которого вправо отходит улица, где расположен музей.

Около остановки будет указатель, следуя которому нужно будет пройти до музея буквально пару минут (мимо парковки).

Режим работы музея Дидрихсена: со вторника по воскресенье с 11:00 до 18:00.

Цена входного билета для взрослых 13 евро; для пенсионеров и студентов — 8 евро; для посетителей старше 75 лет и младше 7 лет — бесплатно.

Фотографировать на выставке разрешается бесплатно (без вспышки).

Официальный сайт Художественного музея Дидрихсена в Хельсинки: didrichsenmuseum.fi

Обратите внимание, что из-за строгих мер безопасности в музее будет проводиться проверка металлодетектором. В выставочные залы не позволяется проносить напитки, еду, острые предметы, а также крупные сумки и рюкзаки (всё это можно оставить в запирающихся шкафчиках на входе). Для верхней одежды есть гардероб у кассы.

В музее есть сувенирный магазин. В настоящее время там можно купить массу различных сувениров, посвященных творчеству Эдварда Мунка.

♦♦♦♦♦♦

Использованные источники:

1. Официальный сайт Художественного музея Дидрихсена в Хельсинки: didrichsenmuseum.fi и пресс-релиз

2. Стенерсен, Рольф. Эдвард Мунк. 1863-1944 : пер. с норв. / Р. Стенерсен; Послесл. И. Я. Цагарелли. - М.: Искусство, [1972]. - 155 с.

3. Вайль, П. Л. Гений места

4. Эдвард Мунк. Статья в Википедии

5. Франк Хёйфёдт. Эдвард Мунк: «...Солнце! Садилось».//Журнал «Третьяковская галерея», 2013 (Специальный выпуск. НОРВЕГИЯ - РОССИЯ: НА ПЕРЕКРЕСТКАХ КУЛЬТУР)

6. Edvard Munch: Beyond The Scream

7. Edvard Munch at the Tate Modern: A modern man

8. Munch & Kirchner. Katalog

9. Sue Prideaux. Edvard Munch: Behind the Scream

10. Shelley Wood Cordulack. Edvard Munch and the Physiology of Symbolism

11. О докторе Максе Линде и пребывании Мунка в Любеке

12. О работе Мунка в Варнемюнде

13. Е. Левитин. Гравюры Мунка

14. Munch: The Problem With Women. Эдвард Мунк и женщины

15. О возможных потомках Мунка

16. Atle Næss: Munch. Отрывок из биографии (Нэсс Атле: Эдвард Мунк. Биография)

17. Edvard Munch: Misery of the man in the mirror

18. Munch! — Nietzsche, Thiel and Scandinavia’s greatest artist

19. Lill-Ann Körber. Badende Männer: Der nackte männliche Körper in der skandinavischen Malerei und Fotografie des frühen 20. Jahrhunderts. Мужская обнаженная натура в скандинавской живописи и фотографии начала XX века

20. Ketil Bjornstad. The Story of Edvard Munch