В прошлый раз мы рассказали об истории питерского Музея художественного стекла, представляющего творчество мастеров Ленинградского завода художественного стекла (ЛЗХС) с 1940 до 1990-х годов, и осмотрели красивейшие экспонаты светлого Центрального зала. Не менее интересен (и, пожалуй, даже более эффектен за счет своей магической атмосферы) соседний Черный зал, или Черная галерея, куда мы сейчас и перейдем, чтобы увидеть нарядные произведения из цветного стекла, праздничный хрусталь и, наконец, авторские произведения художников ЛЗХС.
Когда любуешься этими хрупкими сокровищами (среди которых есть и узнаваемые вещи, стоявшие когда-то на полках чуть ли не в каждой ленинградской квартире!), одолевают ностальгические настроения. Удивительно, насколько высокого качества и благородного вида были утилитарно-бытовые предметы, украшавшие повседневную жизнь рядовых советских граждан. Теперь, когда завод закрыт, старые мастера уходят, а рынок безвозвратно оккупирован китайским ширпотребом, эту культуру уже не вернешь, и производство не наладишь, особенно в прежних масштабах. Хорошо хоть, что теперь у нас есть Музей стекла, где можно узнать об истории ленинградской школы художественного стекла, получить представление о вкусах и быте второй половины XX века и познакомиться с выдающимися достижениями советского дизайна (благо помимо массовых и серийных изделий, в музее есть и авторские работы — подлинные произведения искусства).
Практическая информация о посещении Музея художественного стекла на Елагином острове в Петербурге (как добраться, часы работы, цена билетов и т.п.) приводится ниже.
Черный зал: магия стекла
Черный зал музея располагается симметрично Белому, в западной галерее бывшей оранжереи, построенной Росси (см. план музея). В отличие от Белого и особенно Центрального зала, залитого ярким светом, почти все окна в Черном зале задрапированы. Здесь царствует умело подобранный искусственный свет, который позволяет в наиболее выгодном виде представить хрупкие шедевры.
Затемненный зал имеет полукруглую кровлю и занимает около 200 кв. м [31]. Дизайн интерьера обыгрывает первоначальное назначение здания: потолочная решетка напоминает расстекловку оранжереи. На ней установлены светильники, создающие атмосферу звёздного неба.
Наверное, это самый любопытный зал в музее — как по своему оформлению, так и по разнообразию стеклянных произведений бесконечных форм и оттенков. Всё здесь завораживает и переносит в иной мир. Эффектно подсвеченные вазы, флаконы, фантастические авторские композиции зажигаются среди этой темноты, как новогодние лампочки, — настоящее пиршество для глаз!
Зал поделен на несколько тематических пространств, которые и описываются ниже.
Кроме того, в зале транслируется фильм, рассказывающий об истории Ленинградского завода художественного стекла и его ведущих художниках.
Ленинградская филигрань. Довоенные мастера
В самом начале экспозиции можно увидеть работы, которые дают представление о различных приемах декорирования стекла, применявшихся на Ленинградском заводе художественного стекла (ЛЗХС).
В 1950-1960-х годах завод стал основным центром художественного стеклоделия в СССР. Здесь велись эксперименты по различным способам декорирования стекла в процессе горячей и холодной обработки.
В частности, мастерам удалось возродить забытую технологию отделки изделий «венецианской нитью». Эта «филигранная» техника предполагает декорирование изделий с помощью тонких стержней молочного или цветного стекла, которые вводятся в толщу стеклянной массы, образуя внутри стекла сложный симметричный рисунок [2]. Особенность «филигранного» способа в том, что он вносит декоративный элемент непосредственно в массу стекла, создает рисунок в самом материале, а не на поверхности.
В. Ф. Люлюкина, Б. А. Еремин и Е. И. Алексеева-Батанова не столько восстановили венецианскую технологию, сколько воспроизвели ее более простыми средствами. По старому венецианскому способу такие изделия создавались из нескольких стекол разного цвета, с предварительным заготовлением цветных палочек, которые налеплялись в горячем состоянии на формуемое изделие и в результате ряда сложных манипуляций вдавливались в его стенки. Советские мастера для имитации венецианской техники использовали не несколько стекол, а только одно, сульфидное [2]. Но эффект тот же — тончайшие, кружевные изделия с рисунком, состоящим из разноцветных или белых нитей, переплетенных самым затейливым образом. Как раз такие сосуды традиционно изготавливались на острове Мурано. На Ленинградском заводе художественного стекла в этой технике успешно работал высококлассный мастер-выдувальщик Б. А. Еремин [3].
Отделку стеклянных изделий «венецианской нитью» в музее можно увидеть на примере работ А. А. Успенского и Б. А. Смирнова. О творчестве основателя ленинградской школы художественного стекла Смирнова мы еще поговорим, а сейчас — несколько слов об Успенском, который также был одним из реформаторов советского художественного стекла.
Алексей Александрович Успенский (1892-1941) являлся одним из ведущих художников экспериментального цеха, из которого после войны вырос Ленинградский завод художественного стекла (ЛЗХС). Успенский нередко заменял В. И. Мухину как художественный руководитель [2]. Сама Мухина говорила об этом художнике так: «Это не талант, а талантище. Это график, но он не делает рисунков на стекле. Его интересует стекло как материал и то, что диктует стекло. Он виртуоз в смысле выдувания стекла, он всегда ориентируется на природу стекла, и это его заслуга» [14]. Художник погиб во время блокады Ленинграда в 1941 году.
Вот еще серия высоких узких ваз Успенского: ваза для цветов (стекло бесцветное и молочное, цветная нить); ваза декоративная (стекло бесцветное и молочное, цветная нить, свободное выдувание) и ваза для цветов (стекло бесцветное и цветное, свободное выдувание). Все они датируются 1940-1941 годами. В двух первых случаях стройный силуэт сосудов подчеркнут «венецианской нитью», которая, завиваясь спиралью, обрисовывает форму, помогая ее пластической выразительности. Использование филиграни придает вазам Успенского особое очарование.
Большинство произведений Успенского из стекла выполнено в 1940-1941 годах. Ваза для фруктов (1940-41; стекло, свободное выдувание, иризация) — характерный пример работы художника в технике свободного выдувания. Демонстрируя возможности этого технического приема, он выявляет красоту свободных, текучих линий. В изделиях, полученных способом выдувания, пластика стекла наиболее выразительна. Такие вещи представляют собой уникальные образцы [2].
Вообще Успенский нечасто использовал в своих работах дополнительные приемы декорирования, за исключением разве что филигранной техники. Еще реже он применял изобразительные элементы [14]. В музее представлены чуть ли не единственные образцы рисунка, выполненного Успенским на художественных стеклянных сосудах, — изображения на вазе для фруктов «Быки» (1940-1941; стекло бесцветное и цветное, гравировка). Здесь рисунок нанесен в технике гравировки. По краю темно-красного сосуда расположены силуэты мерно шагающих быков. Композиция необычайно ритмична и отсылает к античным образцам.
Произведения Успенского, может быть, не слишком эффектны, но пропорциональны, полны благородных линий и классической гармонии и кажутся почти идеальным воплощением классического образа кувшина, кубка или вазы [44]. В них преобладают легкие акварельные оттенки. Творчество современника Успенского Николая Тырсы носит иной характер — в нем больше оригинальности, поиска авторских форм и любви к ярким цветам. Николай Андреевич Тырса (1887-1942) был в первую очередь живописцем и мастером книжной графики, но в 1940-1941 годах занялся еще и стеклоделием [36]. Работая вместе с В. И. Мухиной, Н. Тырса разработал дизайн различных изделий из стекла (стаканов, графинов, ваз). В 1942 году Тырса умер в Вологде, будучи эвакуирован из блокадного Ленинграда.
К сожалению, в музее очень мало работ этого довоенного мастера — только пара графинов для вина «Мороз». В обработке этих изделий использован еще один старинный венецианский прием декорирования — «кракле», или «кракелаж» (от французского «craquer»— трещать, растрескиваться). Прием заключался в том, что во время раздувания стеклянной заготовки ее погружали на несколько мгновений в воду. Охладившийся и затвердевший поверхностный слой при этом растрескивался. Внутренняя же поверхность заготовки продолжала оставаться горячей и пластичной. Заготовку извлекали из воды и подвергали дальнейшим, обычным приемам разделки на выдувательной трубке. Образовавшиеся на поверхности изделия трещины при этом лишь несколько заглаживались, заплывали, но оставались хорошо заметными и создавали своеобразный сетчатый узор [2].
Как видите, ленинградские мастера художественного стекла научились воспроизводить старинные приемы и создавать образцы утилитарного назначения, поднимая их до уровня настоящих произведений искусства.
В этой же витрине можно увидеть вазу Л. Д. Смирновой «Цветок» (1955; хрусталь бесцветный и цветной, широкая и алмазная грань, гравировка). Парадный облик этой сложной хрустальной вазы, напоминающей распускающийся бутон, определяется деликатным введением марганцевого цвета, ажурной гравировкой и «алмазной» резьбой.
Еще один интересный прием холодной обработки стекла — химическое травление — демонстрируется на примере туалетного прибора, созданного художником Э. М. Криммером (1948; стекло бесцветное, молочное и цветное, травление).
Эдуард Михайлович Криммер (1900-1974) творил в самых разных сферах: был живописцем, сценографом, книжным графиком, дизайнером и, наконец, мастером прикладного искусства. На ЛЗХС он работал в 1948-1950 годах и создал более 120 произведений (вазы, графины, кувшины, приборы для вина, салатники и др.). Вместе с Б. А. Смирновым Криммер заменил скончавшихся во время войны Успенского и Тырсу [16].
Мухинские вазы
Мы уже знаем, что основы ленинградской школы художественного стеклоделия заложила замечательный советский скульптор Вера Игнатьевна Мухина (1889-1953), работавшая в паре с выдающимся инженером-технологом Н. Н. Качаловым (1883-1961). Мухина осуществляла генеральное художественное руководство ЛЗХС с 1940 года до момента своей смерти в 1953 году (постоянно проживая в Москве, она регулярно ездила в Ленинград).
Хотя широкой публике Мухина известна в основном как автор скульптуры «Рабочий и колхозница» и знаменитого граненого стакана ([25];[26]), ее творческие достижения куда более обширны. Мухина создала непревзойденные по красоте и художественному уровню произведения искусства — в том числе из стекла. В коллекции музея художественное стекло В. И. Мухиной представлено необыкновенной стеклянной скульптурой «Торс», а также несколькими вазами, которые демонстрируются в Черном зале.
Можно было бы подумать, что Мухина, будучи скульптором-монументалистом, всегда создавала какие-то грандиозные патриотические композиции. Но она не считала зазорным заниматься и дизайном небольших изящных вещиц, безделушек, забавных фигурок. Ей хотелось сделать быт людей красивым, и ее не смущало, что не все понимали, как можно, работая над проектом памятника революции, одновременно делать эскизы для женских украшений, юбок или посуды.
Вера Игнатьевна говорила: «Красота должна стать частью повседневной жизни, войти в быт. Я утверждаю, что обед из красивой тарелки и чай из красивой чашки вкуснее и потому полезнее. Искусство, окружая повседневно человека, смягчает нравы, оно развивает вкус масс» [16].
Мухина была очарована художественными возможностями стекла еще в молодости, когда любовалась витражами парижской Сент-Шапель и изделиями стеклодувов с острова Мурано. Затем это увлечение вернулось в конце 1920-х, когда во время работы над мраморным торсом ей в голову пришла идея повторения этой фигуры из прозрачного материала. Мечты о работе в стекле начали осуществляться в конце 1930-х, а технология литых стеклянных скульптур была освоена лишь после войны.
Фактически В. И. Мухина начала работать в стекле в 1938 году, то есть еще до открытия в Ленинграде экспериментальной мастерской, на основе которой потом вырос ЛЗХС. В 1938-1939 годах на заводе «Красный гигант» по ее эскизам был изготовлен хрустальный сервиз «Кремлевский» [44]. Ваза «Астра» была создана именно как часть того сервиза. В музее мы видим более позднее повторение этой вазы, созданное в 1953 году на Ленинградском заводе.
В этой гармоничной вазе Мухина использовала самую естественную для выдувного стекла шарообразную форму. Полая заготовка раскрыта глубокими прямолинейными вырезами, имеющими как функциональное (места для стеблей), так и эстетическое назначение: плавно изогнутые зубцы напоминают лепестки цветка — расцветающей астры. Декор из алмазной грани придаёт вещи величавую красоту. Эта массивная, строгая по пропорциям хрустальная ваза стала тем рубежом, с которого отсчитывается начало советского художественного стеклоделия [16].
В кубках и вазах Мухиной нашли выражение лучшие традиции мирового художественного наследия. Вместе с тем простые формы, выявление специфики материала, использование больших гладких поверхностей — всё это было в то время совершенно новым словом в отечественном стекле [44]. Мухина и ее коллеги исходили из того, что всякий предмет может быть красив благодаря лишь благодаря своей форме, без нанесения на его поверхность каких-либо изображений [2].
После открытия в Ленинграде экспериментальной мастерской по изготовлению образцов художественных изделий из стекла В. И. Мухина стала много экспериментировать с новым для нее материалом, часами простаивала у раскаленных печей. Целью Мухиной было наладить производство художественного стекла, «разрабатывать новые образцы художественных изделий для других заводов и выпускать по особым заказам небольшие серии и уникальные экземпляры продукции высокохудожественного класса» [25]. В своих работах она продолжала обращаться к богатству форм растительного мира, но, будучи скульптором, видела форму монументально и мощно, что отражалось на стилистике ее произведений. Помимо «Астры», Мухиной были созданы вазы «Колокольчик», «Лотос» и «Репка».
Ваза для цветов «Репка» (1949, стекло бесцветное и цветное, алмазная грань) — одна из самых популярных работ В. И. Мухиной в стекле. Ваза сделана из трехслойного стекла (молочного, бесцветного и ярко-красного) и украшена двумя фризами, в крупных овалах которых проглядывает нижний прозрачный слой. Жизнерадостная расцветка и забавная «крепенькая» форма придают вазе национальный колорит, напоминая о традициях народного искусства. Как и другие произведения Мухиной в области прикладного искусства, «Репка» отмечена стремлением художника к гармоничному сочетанию декоративного и функционального начала [24].
Помимо ваз и знаменитого «Торса», в Музее художественного стекла можно увидеть еще одно стеклянное произведение В. И. Мухиной — бюст «Голова девушки» («Ветер») (1957, хрусталь, моллирование). На самом деле это отливка по модели головы девушки той самой скульптуры «Рабочий и колхозница», экспонировавшейся на выставке 1937 года в Париже. В композиции чувствуется свежий ветер романтики, свободы обновления и надежд послевоенной эпохи.
Многоцветие стекла
Следующий раздел экспозиции посвящен разнообразию цветного стекла. В основном мы видим тут изделия, относящиеся к обширной группе стеклянных вещей, которые можно объединить под общим понятием художественных сосудов. Сюда относятся разнообразные предметы сервизов, туалетных приборов, вазы для цветов и тому подобные изделия — как самые простые, повседневно необходимые в быту, так и более нарядные, отделанные резьбой, гравировкой и т.д.
Такие вещи получили широкое распространение в обиходе советского человека после войны. 1950-1960-е годы были отмечены достижениями в науке и технике, демократизацией многих сфер жизни, улучшением благосостояния. Началось массовое строительство экономичного жилья; изголодавшиеся по хорошим вещам и домашнему уюту люди стали уделять больше внимания эстетике была. В 1960-е годы изменился подход к дизайну мебели и посуды, начался переход от тяжеловесного помпезного стиля 1950-х к более легкому и аккуратному.
Серванты и полки новых малогабаритных квартир украсились многочисленными образцами нарядной посуды из цветного стекла и хрусталя, выполненными на ЛЗХС и других предприятиях. Красивые вазы, блюда, графины и сервизы ярких и нежных тонов должны были настраивать людей на радостное восприятие жизни после долгих военных лет [7].
Над созданием серийных и массовых изделий в тот период работали такие художники ЛЗХС, как Б. А. Смирнов, Ю. А. Мунтян, Е. В. Яновская, Л. Д. Смирнова, А. И. Маева, Х. М. Пыльд, Л. О. Юрген, А. М. Остроумов и А. А. Аствацатурьян. Ими были созданы различные модели ваз, разнообразные комплекты из бесцветного и цветного хрусталя. Весьма интересны по цвету были изделия из сульфидно-цинкового стекла, изобретенного в 1952 году на заводе инженерами Е. И. Ивановой и А. А. Кирьёненым [7]. Сульфид цинка является глушителем, делающим стекло молочно-белым [2]. Благодаря богатым декоративным свойствам (легкая окрашиваемость; возможность получения заглушенности, причем очень широкой гаммы) этот вид стекла был широко освоен заводами СССР и других стран.
С особым успехом изделия из сульфидного стекла придумывала художница Л. О. Юрген, которая работала на ЛЗХС с 1955 года, создавая вазы, приборы для воды и вина, блюда, чаши, фужеры, рюмки, салатники, пепельницы... Широкое распространение получил разработанный ею прибор для воды «Кольца» (1964), сделанный как раз из такого стекла (стекло бесцветное и сульфидное, цветные включения). С помощью легкого глушения поверхности художница заставила стекло излучать серебристое сияние. Стаканы прибора украшены бледно-фиолетовыми переплетающими кольцами, а оригинальный слив на кувшине имеет вид сплошного стеклянного шарика, по которому жидкость может литься равномерной струей [7]. Рядом на той же полке — ее же прибор для воды «Струны» (1962; хрусталь, алмазная грань).
В начале 1960-х годов многие виды стеклянной посуды были однотонными и простой конфигурации. Палитра цветного стекла была при этом самой разнообразной: синие, красные, розовые, нежные фиолетовые и сиреневые полутона. В освоении большой палитры цветных стекол заводу активно помогала кафедра стекла Технологического института [2]. Особую популярность приобрели изделия, декорированные гравировкой.
Художники в этот период создавали комплекты из сосудов, в которых каждый предмет имел оттенок иного цвета. Пример — цветной комплект сувенирных бокалов художницы А. И. Маевой (1964; хрусталь бесцветный и цветной, гравировка).
Также составлялись винные наборы из бесцветного хрусталя с цветными вставками. Примером может служить подарочный набор для вина художницы Х. М. Пыльд (1961). Как и Л. О. Юрген, Хелле Пыльд была родом из Эстонии, и некоторые работы они создавали совместно. В 1956 году Пыльд стала мастером-гравёром, а в 1960 году — художником на ЛЗХС, где создавала сервизы, вазы, приборы для воды, кубки, фужеры, кружки, пепельницы и т.д. В этом приборе стопки, графин и блюдо украшены цветными прямоугольными вставками (синими, красными, желтыми, зелеными), окаймленными алмазной гранью [7].
В большой моде было многослойное стекло. Снимая с помощью абразивных инструментов один слой стекла за другим, мастер раскрывал красоту цветовых переходов. Яркие примеры такого подхода — многочисленные туалетные наборы, флаконы и небольшие вазочки Б. А. Смирнова. Туалетный прибор «Глазки» (1950; стекло бесцветное и цветное, широкая грань):
Хотя Борис Александрович Смирнов (1903-1986) является ведущей фигурой в становлении школы современного отечественного художественного стекла, это был необычайно разносторонний человек — архитектор, художник, дизайнер, график, иллюстратор, фотограф...
С 1948 года он начал работать на ЛЗХС, где сотрудничал с В. И. Мухиной и Н. Н. Качаловым, а после смерти Мухиной фактически возглавил ленинградскую школу стеклоделия. В 1952 году Смирнов был назначен заведующим кафедры стекла и керамики Ленинградского художественно-промышленного училища им. В. Мухиной (Училища Штиглица). Подробную биографию Б. А. Смирнова можно прочитать здесь.
Б. А. Смирнов — настоящий классик прикладного искусства. Он создал множество неповторимых авторских произведений, очень разных и необычных (их мы еще увидим в заключительном разделе музея), но при этом проектировал и вещи чисто утилитарного назначения: те же флаконы, вазы, кувшины и проч. Многие из них можно узнать по характерным «глазкам». Работал Смирнов и в описанной выше «филигранной технике».
Традицией ЛЗХС было тесное творческое художников и мастеров: стеклодувов, алмазчиков, гравёров. Выполнение в стекле многих произведений профессиональных художников, создавших эскизы, было бы невозможно без участия таких виртуозных мастеров, как М. С. Вертузаев, его ученик и племянник Б. А. Ерёмин, П. А. Порохов и другие. Художники и мастера взаимно обогащали друг друга и иногда даже менялись местами: так, многие свои произведения художники (Л. О. Юрген, Х. М. Пыльд) гравировали сами [7], а некоторых мастера — самостоятельно придумывали формы для изделий. Справа на следующей фотографии мы видим вазу для печенья с филигранной цветной нитью, дизайн которой разработал мастер-выдувальщик Б. А. Ерёмин.
В ряде туалетных приборов Б. А. Смирнова использован вариант традиционной филигранной техники, заключающийся в введении в изделие одной или нескольких широких одноцветных или многоцветных лент.
Иногда в стекло впаивали стеклянную трубочку того же цвета, что и основная стеклянная масса. Пример — декоративный бокал Б. А. Смирнова (1949; стекло бесцветное и цветное, воздушная нить, налеп). Рядом стоит оригинальный кубок этого же художника под названием «Здравствуй-прощай» (1957; стекло бесцветное и цветное, цветная нить), а также ваза для цветов другого известного автора, Э. М. Криммера (1948; стекло бесцветное и цветное, цветные налепы, гравировка). В этой вазе для декора использованы объемные детали, прилепленные на поверхность изделия в процессе его горячего формования.
Почти три десятка лет отдала ЛЗХС художница Е. Яновская, которая трудилась на предприятии с 1949 года, а в 1952 году стала главным художником завода и проработала в этой должности 23 года. В своем творчестве, особенно раннем, Екатерина Васильевна Яновская (1913-1994) тяготела к традициям народной культуры и интерпретации природных форм [43]. В музее, в частности, можно увидеть созданный ею ослепительно-желтый прибор для вина «Желудь» (1965; стекло бесцветное и цветное, широкая грань).
Особую группу художественных стеклянных изделий составляют различные фигурки людей, зверей и птиц — как, например, вот этот петушок. На самом деле это графин с пробкой «Заря» (1969) художника В. А. Ефимова. Как это часто бывает в анималистической пластике, здесь использованы так называемые налепы — один из самых распространенных способов декорирования стекла. Суть его в том, что на заготовку наносят кусочек жидкого горячего стекла (в виде капельки) с последующим выдуванием его для образования нужной формы: гривы лошади, гребня петуха и т.п.
Может, такой графин и не пригоден в быту, зато очень радует посетителей музея, особенно детей.
Праздничный хрусталь
Следующий раздел экспозиции знакомит с богатством предметов из бесцветного и цветного хрусталя.
Нарядные хрустальные сервизы играли в быту советского человека роль праздничной посуды, а обилие хрусталя в доме считалось роскошью, признаком достатка [7].
В 1960-е годы хрусталь стал одним из главных направлений в работе ЛЗХС, а с 1967 года завод полностью переключился на производство изделий из хрусталя. Хрусталь использовался высококачественный и обрабатывался в основном алмазной гранью, реже — другими методами (гравировкой, травлением, пескоструйным декорированием). Цвет применялся ограниченно. С 1970-х годов работали преимущественно с бесцветным хрусталем.
Художники завода стремились освободиться от укоренившейся с конца XIX века традиции украшать хрустальные изделия нанесением на них стандартных элементов декора: «камней», «звезд» и т.п. При этом было принято покрывать такими узорами сплошь всю поверхность изделия, не оставляя промежутков, которые бы позволяли любоваться красотой самого материала. Теперь же художники стали украшать изделия деликатно, чтобы не заслонять форму предмета и декоративные свойства самого материала [2].
В данном направлении работали А. М. Остроумов, Л. О. Юрген, Е. В. Яновская и А. А. Аствацатурьян, создавшие множество изделий, которые вошли в ассортиментный ряд производства. Эти образцы как раз и можно увидеть в данном разделе музея.
Многие из этих вещей наверняка покажутся вам знакомыми — возможно, кто-то из вас всё еще пользуется дома этими хрустальными вазами и графинами, салатниками и пепельницами.
Хрестоматийный пример — популярнейший сервиз «Восточный мотив» Ю. Бякова (1984; хрусталь, алмазная грань, гравировка). Юрий Бяков (1938-2000) работал заместителем главного художника ЛЗХС с 1965 по 1997 год. Сервиз в полной мере соответствует своему названию — как по силуэту, так и по декору. На кувшине, графине и блюде искусно выгравирована виноградная лоза. Все предметы украшены алмазной гранью, подчеркивающей блеск хрусталя. Помимо работы над образцами для тиражного производства, Бяков создавал и отменные авторские работы, одну из которых, знаменитую «Тройку», мы еще увидим (с другим выставочным произведением Бякова, «Размышление», мы познакомились в прошлый раз).
Очень нарядно смотрится сервиз Л. Д. Смирновой «Свадебный», в котором эффектно использован прием оптических линз [3].
Сервиз включает кубки-гиганты, блюда и графины, покрытые изящным кружевным рисунком.
Оригинально переливается всеми красками набор штофов и стаканов «Радуга» Е. В. Яновской (1964; хрусталь бесцветный и цветной, широкая грань).
Мы уже говорили, что в творчестве Е. В. Яновской часто чувствуется колорит народного искусства. Пример тому — вазы «Русские узоры» (1973; хрусталь бесцветный и цветной, свободное выдувание, сода). Навеянный фантастической литературой сервиз А. П. Лавровой «Путешествие во времени» (1981; хрусталь бесцветный и цветной, алмазная грань) — вершина столь же фантастической по сложности огранки.
В этой же витрине выставлен набор А. П. Лавровой «Океан» (1975; хрусталь, алмазная грань).
Авторские работы художников
ЛЗХС был эталонным советским предприятием по выпуску образцов для серийного производства, а в 1960-1980-е годы стал еще и центром по созданию авторских экспериментальных произведений искусства из стекла ([3]; [40]).
В Черном зале можно увидеть некоторые из этих шедевров.
Пожалуй, главный «хит» среди авторских работ художников ЛЗХС — композиция Б. А. Смирнова «Стеклодувы» (1961-1963; хрусталь, пескоструйная обработка, гравировка). Выше мы уже неоднократно говорили о Борисе Смирнове, который был главой ленинградской школы художественного стекла и учителем нескольких поколений художников. На этот раз перед нами произведение, которое стало настоящим символом нового мышления в советском прикладном искусстве [3].
Многие работы Смирнова вошли в массовое производство и выдержали тысячные тиражи, но всё-таки главным в его деятельности было именно создание неповторимых выставочных произведений, таких как этот триптих — своего рода гимн мастерству стеклодувов, эстетизация трудного процесса выдувания стекла. В центральной бутыли «Стеклодувы» двухмерное изображение на предмете зримо «выходит» в пространство, и связующим звеном в этом «выходе» становятся продутые пузыри. Изображение в этих сосудах находится как бы внутри формы и играет активную роль в процессе формообразования [19]. Тут замечательно сошлись содержательное и пластическое начало.
Б. А. Смирнов был человеком, одаренным в самых разных сферах. Такой же широкий диапазон творческих возможностей он проявлял и в стекле, используя самые разные приемы и стили. Он создавал и строгие произведения, и шутейные, в которых обращался к народным традициям и фольклорным мотивам. Вот, скажем, ваза для цветов «Танцующая пара» (1964), которую Смирнов решил в традициях народных потешных игрушек [43]. В этой вазе проявилась незаурядная фантазия: почти плоская фигура мужчины расположена на поверхности вазы, которая представляет собой объемное изображение его партнерши по танцу!
Еще одна прекрасная работа Б. А. Смирнова — ваза «Обнаженная» (встречается также вариант названия «Поющая»), в которой форма оттеняет рисунок, ритмически повторяет его очертания. Эта ваза с четырьмя женскими силуэтами была создана художником в период хрущевской «оттепели», в 1961 году, — не исключено, что под влиянием рисунков Пикассо и Матисса.
Еще один знаковый экспонат в этом разделе экспозиции — знаменитая новаторская работа Ю. М. Бякова «Тройка». В свое время эта композиция, — представляющая собой полую, лежащую на деревянной подставке стеклянную трубу, посередине которой нанесено изображение русской тройки — вызвала массу споров [3], поскольку в ней начисто отсутствует утилитарность. Однако подобные поиски открывали путь к свободному творчеству. Художник Бяков, по сути, продолжал путь, намеченный Мухиной, которая тоже не боялась создавать чисто декоративные вещи, служившие исключительно для красоты, а не в качестве вместилища для цветов или напитков [44]. Так же и «Тройка» — вещь чисто выставочная, предназначенная только для любования [43].
Юрий Бяков (1938-2000) относился к относительно молодому поколению художников ЛЗХС и сознательно порывал с традиционными представлениями о декоративном стекле как искусстве в основе своей утилитарном, прикладном. Чтобы бросить вызов этим догмам, он создавал программные антиутилитарные вещи [43], такие как «Тройка». В «Тройке» проявилась еще и такая особенность Бякова как высокое мастерство рисовальщика [35] (композиция украшена рисунком, выполненным в технике гравировки).
Еще одна нашумевшая в свое время работа — «Галатея» А. М. Остроумова. Как и в большинстве других вещей Адольфа Остроумова (1934-2013), на первое место здесь выступает «чистая форма», конструктивность.
Художник Остроумов возглавил движение, связанное с отказом от устаревших орнаментальных схем и стремлением к бездекорности, выразительности гладких шлифованных поверхностей. Хрустальные вазы Остроумова устойчивы, четко построены, чеканны. Таковы и вазы «Зимний сад» (1980), которые мы видели в Центральном зале. Подобные работы, относящиеся к числу «ассоциативно-изобразительных», не всегда встречали понимание среди коллег [43].
Стильную матовую вазу А. М. Остроумова «Росток» (1984) (хрусталь, рифление, пескоструйная обработка, полировка) можно увидеть в большой витрине напротив. С ней соседствуют вазы «Стрелолисты» художника В. В. Архиповой (1986) (хрусталь цветной, пескоструйная обработка).
Очень хороши проникнутые современными ритмами работы Н. Г. Гончаровой, которая была главным художником ЛЗХС с 1986 по 1997 год. Композиция «За далью даль» (1991) напоминает сияющий гранями кристалл, а восхитительно стильный «Арабеск» (1989) притягивает манящим изнутри таинственным пурпуром.
Более классическое и чисто петербургское произведение Натальи Гончаровой — «Летний сад» (1981).
Отголоски античных времен и археологических раскопок вдохновили художницу Ольгу Киричек на создание известной работы «Херсонес» (1985) [3].
А вот — необыкновенные стеклянные яблоки внутри стеклянных корзинок! Это остроумная и лиричная композиция уже знакомой нам художницы по стеклу Л. О. Юрген «Плоды осени» (1985).
Лейда Юрген вообще создавала очень необычные, повышенно эмоциональные произведения, но не забывала и о технических навыках: например, она сумела восстановить на ЛЗХС почти забытую технику матовой гравировки и обучить этой технике нескольких молодых мастеров [43]. Вот еще интересные работы Л. О. Юрген, «Летний мотив» (1988) и «Пришелец» (1981):
Космической теме посвящена и хрустальная феерия Л. О. Юрген «Старт» (1981), рядом с которой представлена работа А. М. Остроумова «Жемчуг» (1971).
Творчество коллеги Л. О. Юрген Хелле Пыльд представлено чудесными вазами «Онега» (1980) и «Север» (1970).
Но вернемся к фантастике и образам бесконечной Вселенной. Эти мотивы можно найти в творчестве Н. Б. Тихомировой и А. П. Лавровой. Каким-то чужеродным монстром, напоминающим футуристические постройки Калатравы, выглядит среди остального белого и прозрачного хрусталя многоцветный панцирь композиции А. П. Лавровой «Комета Галлея» (1986).
Александру Лаврову вообще привлекало всё необычное, забавное или загадочное. Проектируя сервиз «Лагуна» (1980), она создала удивительно объемные, глубокие предметы, напоминающие толщу морской воды.
Еще одно произведение А. П. Лавровой — композиция с поэтичным названием «Трава забвения» (1982).
Тему загадочного космоса продолжает творчество Натальи Тихомировой, которое было связано с поисками новых пластических форм и проникнуто интересом к фантастике (помните ее композицию «Мираж», которую мы видели в Центральном зале?). В Черном зале можно увидеть работы Тихомировой «Морская» (1991) и «Вселенная» (1981). Последняя создает ощущение млечного пути. Этот эффект создан за счет гравировки хрусталя с помощью пескоструя, что позволяет добиваться тончайших переходов от прозрачного к насыщенному матовому тону [3].
Композиция Н. Б. Тихомировой «Капелла» (1973), напоминающая воплощенные в стекле небоскрёбы, была отмечена критиками за остроумное и оригинальное художественное решение [3].
Завершим наше знакомство с музеем двумя работами, основанными на художественном воспроизведении форм живой природы — зимней и весенней. Это будто потрескавшиеся на морозе вазы «Март» (1979) художницы О. Б. Киричек и искрящиеся «пушистыми» вербными узорами вазы «Март-апрель» (1979) Л. Д. Смирновой.
На этом наша самостоятельная экскурсия о Музею художественного стекла окончена. Приходите в музей!
♦♦♦♦♦♦♦
См. также:
- Музей стекла на Елагином острове в Петербурге. Часть 1
♦♦♦♦♦♦♦
Посещение Музея стекла в Петербурге: часы работы, цена билетов, как добраться
Музей художественного стекла является филиалом Елагиноостровского дворца – музея русского декоративно-прикладного искусства и интерьера конца XVIII - начала XX века. Он занимает Оранжерейный корпус Елагиноостровского ансамбля. Адрес музея: Елагин остров, 4.
Посмотреть расположение Музея художественного стекла на карте Санкт-Петербурга можно тут.
Ближайшая станция метро — «Крестовский остров». От метро нужно пройти пешком по парку до музея примерно 10-15 минут (сначала идите до моста, ведущего в парк на Елагином острове, а далее — по парку, следуя указателям). Вход в парк на Елагином острове по будним дням бесплатный; в выходные и праздничные дни — 70 рублей для взрослых (для учащихся, школьников, студентов — 30 рублей; пенсионерам бесплатно).
Режим работы Музея художественного стекла на Елагином острове: Музей художественного стекла открыт ежедневно с 10:00 до 18:30, кроме среды и понедельника (в предпраздничные дни — до 17:30). Кассы закрываются за 30 минут до закрытия музея. Санитарный день — последний вторник каждого месяца.
Экспозиция занимает три зала: Центральный, Черный и Белый залы. Два первых зала отведены под постоянную экспозицию. В Белом зале каждую среду, четверг, пятницу, субботу и воскресенье проводятся мастер-классы по росписи стекла (по предварительной записи; тел.: (812) 430-11-31, 430-00-41). Также в Белом зале регулярно проходят интересные выставки стекла.
Стоимость входных билетов в Музей художественного стекла: взрослый билет стоит 100 рублей; билет для студентов, школьников и пенсионеров — 75 рублей. Также можно приобрести единый билет в Елагиноостровский дворец-музей, Музей художественного стекла и Выставочные залы Конюшенного корпуса (для взрослых стоимость составляет 260 рублей, для школьников, студентов, пенсионеров — 160 рублей).
Фотографировать в Музее стекла можно, причем совершенно бесплатно (внимание: разрешена только фотосъемка без вспышки).
В Музее художественного стекла работает магазин сувениров, где можно приобрести изделия современных мастеров, в том числе сувенирные магниты из стекла (от 200 рублей).
Официальный сайт музея: elaginpark.org
♦♦♦♦♦♦♦
Использованные источники:
1. Официальный сайт Музея художественного стекла на Елагином острове в Петербурге
2. Качалов Н.Н. Стекло. – М.: Издательство АН СССР. 1959. Богатейшая информация по истории зарождения и развития стекловарения и искусства стеклоделия.
3. Власова Е. А. Статья для буклета «Музей художественного стекла».
4. Культурное наследие Российской Федерации: Императорские дворцы
5. Василенко Н. Музей застывшего волшебства. Газета «Стрела», 7 / 799.
6. Моисеев Н. И. Технологические аспекты создания произведений из стекла, исполненных гутным способом.
8. Художник Мунтян Юрий Афанасьевич
9. Возрождение Музея стекла успешно идет в Петербурге
11. Художник Акнуний Аствацатурьян
12. Работы художника Николая Тырсы в Музее стекла в Петербурге
13. Отзыв об экскурсии в Музей художественного стекла.
14. Художник Успенский Алексей Александрович
15. Художник Яновская Екатерина Васильевна
17. Ленинградский завод художественного стекла (ЛЗХС)
18. Художник Борис Александрович Смирнов (1903-1986)
19. Грани творчества Бориса Смирнова (к 110-летию со дня рождения)
20. Художник Смирнов Борис Александрович, подробная биография
21. Авторские работы в Музее стекла
22. Художник Бяков Юрий Михайлович
23. Каталог изделий ЛЗХС за 1977 год
24. Работы В. Мухиной в стекле
25. Кривцова О. Вера Игнатьевна Мухина, монументальный пропагандист
27. Всеобщая история искусств. Том 6, книга вторая. Искусство XX века.
28. Художник Юрген Лейда Оскаровна
29. Музей художественного стекла, фотографии и анонсы
32. Ильин, Сергей. В Елагиноостровском дворце откроется музей стекла // Невское время : информационно-аналитическая газета. - 2008. - 24 апр.
33. Стеклянный городок - Ленинградский завод художественного стекла на архитектурном сайте citywalls.ru
34. Художник Борис Александрович Смирнов, фотографии
35. «Мир неведомый» Ю. Бякова в Елагиноостровском дворце
36. Художник Тырса Николай Андреевич
37. Художник Остроумов Адольф Михайлович
38. Музей художественного стекла в Петербурге, фотогалерея
39. Русское художественное стекло: история
40. Музей стекла. История коллекции
42. Воздух оттепели. Санкт-Петербургские ведомости, выпуск № 047 от 19.03.2010
44. Сложение традиций советского художественного стекла
45. Художник Аствацатрян Акнуни Арсенович
16 ноября 2014 в 10:41
Спасибо большое! Порадовали, как всегда, подробным иллюстрированным рассказом. Это именно русские работы. Стекло прекрасный материал для художников, только работать с ним может далеко не каждый. Жалко, что теперь завода нет, осталась только экспозиция(( Еще в России был замечательный музей стекла в Гусе-Хрустальном (вроде, и сейчас работает).
16 ноября 2014 в 12:02
Спасибо за комментарий))!