В предыдущей заметке мы познакомились с историей Национальной галереи (Nationalgalleriet), которая входит в состав Национального музея искусства, архитектуры и дизайна Норвегии (Nasjonalmuseet). Поговорили о ее коллекции и упомянули основные шедевры. Прогулялись по десятку залов, посвященных старому западноевропейскому искусству, в том числе скандинавскому. Узнали таких светил норвежской живописи, как глава романтического направления Юхан Кристиан Даль и представитель реализма Кристиан Крог. Однако пора посмотреть на более современную, менее традиционную живопись.
В этом крыле Национальной галереи нас ждут как интернациональные звезды, так и выдающиеся норвежские художники, в том числе главное достояние музея — Мунк. Но пойдем по порядку.
В зале «От Мане до Сезанна» представлены в основном французские импрессионисты, в том числе Эдуард Мане (1832-1883) и Эдгар Дега (1834-1917). Во второй половине XIX века именно Париж стал столицей современной художественной жизни, городом, куда стекались художники изо всех уголков мира. Для удовлетворения растущего спроса создавались частные художественные галереи и школы искусств. Более радикально настроенные художники создавали собственные выставочные центры, протестуя против узости и буржуазности господствующего направления в искусстве.
Эдуард Мане, хотя и вышел из реализма, совершенно по-новому подходил к изображению традиционных мотивов и сцен городской жизни, а также отличался от предшественников более шероховатой, эскизной манерой письма. Творчество Мане было источником вдохновения для многих норвежских художников, и не в последнюю очередь для уже знакомого нам Кристиана Крога, чья картина «Портрет шведского художника Карла Нордстрёма» (Den svenske maleren Karl Nordström) (1882) привлекла наше внимание в этом зале.
Импрессионисты Клод Моне (1840-1926), Эдгар Дега (1834-1917), Огюст Ренуар (1841-1919) дальше развивали мотивы и технические приемы Эдуарда Мане. Они предпочитали работать на пленэре, чтобы наблюдать и воспроизводить переменчивые эффекты света и цвета. Эти художники знали, что любая сцена меняется непрерывно, не только с изменением времен года, но от минуты к минуте, и пытались уловить это мимолетное впечатление. Импрессионисты отказались от академических сюжетов и стали отдавать предпочтение будничным сценам домашней жизни, отдыха или прогулок на природе.
В этом же зале можно увидеть работы Сезанна, Ван Гога и Гогена.
В частности, стоит обратить внимание на поздний «Автопортрет» Ван Гога, написанный в 1889 году, за год до смерти художника. На этой картине с болезненным колоритом представлен образ душевно надломленного человека, с замкнутым, подозрительным взглядом. В этот момент Ван Гог переживал депрессию: его картины не продавались, и ему по-прежнему приходилось жить за счет брата. Годом ранее в припадке сумасшествия Винсент отрезал себе мочку левого уха. Впоследствии этот эпизод сочтут признаком душевного расстройства, которое и привело Ван Гога к самоубийству. Автопортреты, созданные им в Провансе, являются жесткими и волнующими «документами» последних лет его короткой трагической жизни.
Среди французских мастеров затесался и Эдвард Мунк (1863-1944) — с картиной «Улица Лафайет» (Rue Lafayette) (1891). Более знаменитые работы Мунка мы еще увидим, а сейчас перед нами одна из его ранних, малоизвестных картин. В 1889 году Мунк получил стипендию от норвежского государства и отправился в Париж, где познакомился с современными художниками, ощутил ритм и пульс большого города. Именно это ощущение мегаполиса передано в данной картине, изображающей вид на оживленную парижскую улицу. В полотне, написанном ритмичными пестрыми наклонными мазками, заметно влияние импрессионистов (это влияние, как показано дальнейшее творческое развитие Мунка, оказалось весьма кратковременным). Создаётся атмосфера бурной, пульсирующей жизни, которую наблюдает отстраненная фигура на балконе. Весной 1891 года Мунк снимал квартиру на Rue Lafayette, 49, и на картине, вероятно, изображен как раз вид из этого дома.
В следующем зале, который озаглавлен «Скандинавское искусство 1880-1910 годов: реализм и живопись на пленэре», можно убедиться, что Норвегия дала миру не только Мунка, но и ряд других талантливых живописцев, пусть и творивших в другой, более традиционной манере. В 1880-х годах реалистичные полотна, создаваемые на пленэре, получили особое распространение в скандинавских странах. Многие художники совершали путешествие в Париж, чтобы научиться у своих французских коллег-импрессионистов работе на открытом воздухе. Они стремились отображать мир без искажений и без прикрас. Правдивость стала считаться главной целью художника, и многие живописцы теперь находили мотивы в своем непосредственном окружении и уделяли особое внимание передаче света и атмосферных эффектов. Эти новые идеалы требовали серьезных навыков, наблюдательности и умения работать на высокой скорости.
Некоторые норвежские художники, как, например, Фриц Таулов (Frits Thaulow) (1847-1906), находили вдохновение в образах зимней природы и не боялись работать прямо на морозе. Другие, как норвежский художник-пейзажист Густав Венцель (Gustav Wentzel) (1859—1927), предпочитали создавать реалистичные изображения интерьеров и сцен домашней жизни, тщательно выписывая все детали.
Соседний зал, «Скандинавское искусство 1880-1910 годов: повседневная жизнь и местная среда», позволяет увидеть жанровые картины скандинавских мастеров. В период национального романтизма в середине XIX века популярными темами художественного творчества стали крестьянская жизнь и народная культура. Но к 1880-м годам многие художники отказались от этих идиллических картин в пользу большей «правды жизни». Они стали изображать реалистичные и эмоционально наполненные сцены повседневных трудностей и лишений, с которыми сталкивается простой народ.
Выдающийся норвежский пейзажист и жанрист Эрик Вереншёлль (Erik Werenskiold) (1855-1938) работал в губернии Телемарк, создавая пейзажи и жанровые картины на темы крестьянской жизни, вдохновленные французскими импрессионистами. В Национальной галерее можно увидеть его известную картину «Крестьянские похороны» (En bondebegravelse) (1883-1885). Сельские похороны изображены здесь на фоне жизнерадостного светлого пейзажа, и этот контраст дополнительно подчеркивает трагичность события.
Кристиан Крог, о котором мы уже неоднократно говорили, не раз проводил лето в датском приморском городе Скаген вместе с другими скандинавскими художниками. Но кроме морских пейзажей его весьма привлекали интерьерные сцены. Небольшие, камерные, яркие по колориту картины Крога вводят нас в повседневную жизнь простых людей, бедных рыбаков.
Из работ Крога в этом зале обратите внимание на картины «Больная девочка» (Syk pike) (1880-81) и «Плетение косы» (Håret flettes) (ок. 1888) (эта мастерски выполненная работа относится как раз к периоду пребывания в Скагене и знаменует этап более зрелого творчества под влиянием знакомства с французским искусством).
Датский художник Лауриц Андерсен Ринг (Laurits Andersen Ring) (1854-1933), один из видных представителей скандинавского символизма и социального реализма, также часто изображал крестьянскую жизнь и сельские пейзажи. Картина «В месяце июне» (I juni måned) (1899) проникнута особенным настроением. Девушка в черном платье (молодая жена Ринга) сидит у забора в поле и дует на одуванчик, и создается впечатление, будто художник сам сидел на траве рядом с ней, столь живо и непосредственно переданы все детали. Вдалеке виднеется крестьянский двор. Но, как и в других произведениях Ринга, перед нами не просто изображение реального мира: в картине присутствуют элементы символизма. Рассеивание семян одуванчика можно трактовать как магический ритуал: женщина олицетворяет плодородие, рождает новую жизнь. Между прочим, первый ребёнок художника появился на свет в том же году, когда была создана эта картина.
Следующий зал озаглавлен «Скандинавское искусство 1880-1910 годов: интерьеры и портреты». Возвращаясь домой после обучения в Париже, скандинавские художники стремились найти темы для картин в своей непосредственной окружающей среде. Часто они изображали уютные домашние интерьеры с читающими или работающими людьми. Это позволяло художнику самому контролировать условия освещения и расстановку фигур. Моделями нередко выступали домочадцы, друзья или коллеги. Также в этот период приобрели популярность портреты и автопортреты. Норвежская художница Гарриет Баккер (Harriet Backer) (1845-1932), одна из первых в Скандинавии женщин-художниц, специализировалась на создании атмосферных интерьерных картин. Чаще всего это были интерьеры храмов или частных домов. В музее можно увидеть, например, картину Гарриет Баккер «Шитье при свете лампы» (Syende kvinne ved lampelys) (1890).
Датский художник Вильгельм Хаммершёй (Vilhelm Hammershøi) (1864-1916) предпочитал изображать интерьер своей собственной квартиры в Копенгагене. Там он создавал полные тишины и покоя меланхоличные картины с одинокими фигурами, отличающиеся почти монохромной гаммой, с особым вниманием к строгости композиции и световым эффектам. В этом зале демонстрируется его картина «Коллекционер монет» (Myntsamleren) (1904).
Художники-портретисты, такие как знакомый нам норвежец Кристиан Крог, его жена художница Ода Крог (Oda Krohg) (1860-1935) и шведский художник Рихард Берг (Richard Bergh) (1858-1919), часто создавали портреты своих друзей и близких.
Ода Крог (урожденная Ода Лассон) училась у Эрика Вереншёлля и Кристиана Крога, а в 1888 году стала женой последнего. В 1880-х и 1890-х годах она была центральной фигурой в кружке норвежской богемы («богема Кристиании»), куда входили Кристиан Крог, Эдвард Мунк, Ханс Егер, Яппе Нильсен и другие.
Следующий большой зал поражает особенной атмосферой, которую создают магические полотна насыщенной синей гаммы на фоне белой стены. Здесь мы погружаемся в мир норвежской «атмосферной живописи» или «живописи настроения» 1890-х годов. Термином Stemningsmaleriet (в английском варианте — Moodpainting) обозначают картины, передающие определенное настроение или атмосферу в природе; это был излюбленный жанр норвежской живописи в конце XIX века. Жанр этот возник в качестве реакции на несколько однобокое увлечение реализмом. Художники «атмосферного» направления стремились создавать более эмоциональные полотна, используя нестандартный колорит и собственные стилистические приемы. Многие из них в поисках своих корней селились в небольших деревнях, ближе к нетронутой природе, где создавали поэтичные пейзажи.
Летом 1886 года ряд норвежских живописцев собрался на ферме Флескум (Fleskum) недалеко от Осло. Это собрание, получившее название Fleskumsommeren, положило начало неоромантизму в норвежском искусстве. Эйлиф Петерссен (Eilif Peterssen) (1852-1928) и его ученица Китти Хьелланн (Kitty Kielland) (1843-1914) написали здесь лирические картины, передающие настроение летней ночи.
Норвежские художники Харальд Сольберг (Harald Sohlberg) (1869-1935) и Хальфдан Эгедиус (Halfdan Egedius) (1877-1899) создавали атмосферные символистические пейзажи.
Очень впечатляют картины Сольберга «Летняя ночь» (Sommernatt) (1899), «Зимняя ночь в горах» («Зимняя ночь в Рондане») (Vinternatt i fjellene/Vinternatt i Rondane) (1914) и «Цветочный луг на севере» (En blomstereng nordpå) (1905).
Именно фантастические пейзажи гор Рондане в средней Норвегии и улиц города Рёрус стали визитной карточкой творчества Харальда Сольберга, ярчайшего представителя символистического пейзажа в норвежской живописи. «Зимняя ночь в Рондане» — самая известная работа Сольберга. Он создал несколько версий этой картины. Пейзажи Сольберга запоминаются необыкновенно яркими, светящимися красками и меланхолической атмосферой. Они уносят в какой-то потусторонний мир. Недаром картины этого художника называют «пейзажами для души».
Из работ Хальфдана Эгедиуса в зале можно увидеть картину «Мечтатель» (Drømmeren) (1895), изображающую задумчивого норвежского художника по имени Торлейв Стадсклейв (Torleiv Stadskleiv).
Также хорош «Портрет Мари Класен» (Mari Clasen) (1895), написанный Эгедиусом смело и мощно, с сочными, глубокими красками и превосходными эффектами светотени. Портрет лишен романтической сентиментальности, которая часто встречается в изображениях нарядно одетых крестьянских девушек. Перед нами бойкая, знающая себе цену Мари Класен, дочь зажиточного фермера из губернии Телемарк. Художник познакомился с ней в 1892 году, и она стала его возлюбленной, хотя молодые люди так и не поженились. Эгедиус скончался в 1899 году в возрасте 22 лет из-за актиномикоза. А через несколько месяцев умерла от туберкулеза Мари. Разве можно в это поверить, глядя на ее светящийся портрет?
Отметим еще картину Эгедиуса «Девушки танцуют» («Танец в большой комнате») (Dans i storstuen) (1895). Наряду со всеми вышеперечисленными полотнами, эта работа была создана художником плодотворным летом 1895 года, которое он, как и следующее, провел в Телемарке, наблюдая за сельской жизнью и проникаясь крестьянской культурой. Картины этих двух лет относятся к лучшим произведениям норвежской живописи.
В этом же зале выставлено несколько произведений самого, пожалуй, знаменитого норвежского скульптора Густава Вигеланна (Вигеланда) (Gustav Vigeland) (1869-1943), автора замечательного парка скульптур в Осло.
Это, в частности, бронзовая композиция «Мать с ребенком» (Morogbarn) (1907) и ранняя работа «Танец» (Dans) (1896).
Наконец переходим в зал Эдварда Мунка (Edvard Munch) (1863-1944), самый большой и популярный зал в этом крыле. Здесь представлены самые известные картины Мунка, созданные им в 1880-1919 годах.
Эдвард Мунк в особых представлениях не нуждается. Это, бесспорно, самый известный норвежский художник. Его произведения повлияли на формирование стиля, впоследствии получившего название экспрессионизм, а картина «Крик», одну из версий которой можно увидеть в этом музее, считается «иконой экспрессионизма». Экспрессионизм знаменовал рождение нового искусства, направленного не на поверхностное отображение реальности, а на выражение субъективных переживаний, бьющих через край эмоций восторга, тревоги, боли, разочарования или страха. Для представителей этого течения превыше всего выражение эмоционального состояния автора. Отсюда — субъективный выбор темы, цветовой гаммы, формата картины.
Жизнь Мунка, его личные переживания и воспоминания нитью проходят через всё его творчество. Многие из его лучших работ построены на травматическом опыте его детства. В 1890-х годах он начал работать над циклом «Фриз жизни» (Livsfriesen) — серией картин на темы жизни и смерти, сексуальности и страха. «Болезнь, безумие и смерть были ангелами у моей колыбели и с тех пор сопровождали меня всю жизнь», — писал Мунк [8]. «В нашем роду только болезни и смерть. Мы с этим родимся» [7].
Его мать умерла от туберкулёза, когда мальчику было пять лет, а сестра Софи — когда ему было тринадцать, от той же болезни, в 1877 году. Это Софи изображена на картине «Больной ребенок» («Больная девочка») (Det syke barn) (1885-1886), а рядом с умирающей девушкой — их с Эдвардом тетка Карен Бьёльстад. Картина выдержана в неярких серых и зеленых тонах, линии мягки и едва намечены. Облагороженное смертью лицо девушки повернуто к свету, оно словно сливается с ним, превращается в свет. В двадцать три года Мунк создал эту свою первую важную картину, ошеломившую современников и вызвавшую бурю критики, обвинения в «незавершенности и бесформенности». Сам Мунк считал эту картину переломным моментом, разрывом с реалистическим искусством. Мотив «комнаты умирающего» появлялся впоследствии в творчестве Мунка неоднократно, да и сама композиция «Больная девочка» тоже существует не менее чем в шести вариантах. «Я пишу не то, что вижу, а то, что видел», — сказал как-то Мунк о своих работах.
Этой же теме посвящена картина «Смерть в комнате больного» (Døden i sykeværelset) (ок. 1893). Члены семьи собрались в комнате Софи, которая сидит на стуле спиной к зрителю. Справа стоит тетка Карен Бьёльстад, которая взяла на себя ведение хозяйства в семье Мунков после смерти своей старшей сестры, матери Эдварда. На заднем плане изображен отец художника с молитвенно сложенными руками, которые символизирует и набожность, и бессилие: будучи по профессии врачом, доктор Кристиан Мунк, вероятно, чувствовал себя возле умирающей дочери вдвойне беспомощным. Мужская фигура ближе к центру картины — это, видимо, сам Эдвард. На переднем плане сидит его сестра Лаура со сложенными на коленях руками, а сестра Ингер стоит лицом к нам. В мужской фигуре слева обычно видят младшего брата Эдварда, Андреаса.
В картине каждый погружен в себя, персонажи предельно замкнуты, физический контакт между ними отсутствует и в комнате господствует мрачная, подавляющая атмосфера. Сцена тщательно скомпонована, в ней нет ничего лишнего. Темные одежды персонажей и ядовито-зеленые стены комнаты усугубляют гнетущее впечатление.
На картине «Переходный возраст» («Созревание») (Pubertet) (1894-95) Мунк изобразил хрупкую обнаженную девочку примерно четырнадцати лет, сидящую на краю постели скрестив руки на коленях. За ее спиной нависает, как призрак, тяжелая, непропорционально большая, зловещая тень, создающая ощущение угрозы. Мы чувствуем страх девушки от того, что в ее теле просыпаются какие-то неведомые, пугающие силы, пробуждается сексуальность. Возможно, ее напугал эротический сон или первая менструация. Так или иначе, Мунк показывает половое чувство как темную и опасную силу. Картина, как и многие другие работы Мунка, существует в нескольких вариантах. Версия, хранящаяся в Национальной галерее в Осло, была написана в Берлине.
Еще одна картина Мунка, вызвавшая много шума, — «На другой день» (Женщина после бурной ночи) (Dagen derpå) (1894-95). Полуобнаженная женщина с расстегнутой на груди блузой лежит на кровати. Рядом — стол с бутылками и стаканами. Рука и волосы откинуты в сторону зрителя. Наконец женщина может поспать. Когда в 1908 году Национальная галерея в Осло купила эту картину, один из ведущих критиков написал: «Отныне горожане не смогут водить своих дочерей в Национальную галерею. Доколе пьяным проституткам Эдварда Мунка будет разрешено отсыпаться с похмелья в государственном музее?» [8]
В 1895 году Мунком был написан «Автопортрет с сигаретой» (Selvportrett med sigarett). Мунку тогда был 31 год. Художник изобразил себя лицом к зрителю на фоне неясного темного фона. Его лицо и руки освещены ярким светом, как будто он выступает из тьмы, полной странных теней. Пристальный взгляд художника обращен на самом деле не на зрителя, а внутрь себя. Его фигура освещена снизу, и вместе с размытым фоном и дымом от сигареты это придает картине атмосферу таинственности. Возможно, здесь нашло отражение увлечение Мунка мистикой под влиянием Стриндберга. За пару лет до создания этой картины Мунк жил в Берлине, где был участником интернационального богемного кружка, куда входили Густав Вигеланн, Август Стриндберг и польский писатель Станислав Пшибышевский. Все они были завсегдатаями артистического кафе «У чёрного поросенка» (Zum Schwarzen Ferkel). Именно Пшибышевский написал первую биографию Мунка, а женой Пшибышевского, Дагни Юль, увлекались в том числе Мунк (она неоднократно ему позировала) и Стриндберг.
Посмотрим теперь на портрет писателя Ханса Егера (1889). Здесь Мунк изобразил писателя-анархиста и социального критика Ханса Егера (Hans Jæger) (1854-1910). Егер, автор «Библии анархиста» и романа «Богема Христиании», не признавал мораль и религию, видел в христианстве причину всех зол, ненавидел брак как опору ханжества, придерживался идеи свободной любви и считал величайшей добродетелью человека честность и откровенность. В Осло (Кристиании) Егер был одной из центральных фигур богемного радикального кружка писателей и художников, в который одно время (в 1880-х) входил и Мунк. На портрете Мунка Ханс Егер представлен как надменный отстраненный человек, который небрежно откинулся на спинку дивана и словно бы изучает нас сквозь очки. Постепенно Мунк дистанцировался от богемного кружка Егера, но продолжал относиться к старшему товарищу и его идеалам с уважением.
Одной из главных тем в творчестве Эдварда Мунка были отношения между мужчинами и женщинами, причем женщина зачастую предстает как пугающее существо, носительница смерти. У художника было множество коротких романов, но ни одну свою связь с женщинами он не вспоминал с радостью или благодарностью. «Мунк говорил о них как о странных и опасных крылатых существах, пьющих кровь из своих беспомощных жертв. Любовный эпизод юности, когда ему отстрелили сустав пальца, вызвал к жизни весь скрывавшийся в нем страх. Он боялся женщин. Он говорил, что, несмотря на всю их прелесть и очарование, они — хищные звери» [7]. Под одной своей картиной Мунк написал: «Улыбка женщины — это улыбка смерти» [8].
Одна из известнейших картин Мунка на эту тему — «Мадонна» (Madonna) (1894-95) из цикла «Фриз жизни». Этот мотив существует в нескольких вариантах и первоначально назывался «Любящая женщина» или «Женщина в акте любви» (Kvinne som elsker). Был и другой вариант названия: «Зачатие». Помимо варианта маслом, Мунк исполнил «Мадонну» в виде литографии, которая отличается рамой с изображениями сперматозоидов и маленького эмбриона. На лице молодой обнажённой женщины с распущенными волосами блуждает странная усмешка. Полузакрытые в экстазе глаза и поза указывают на любовный акт. Мягко изгибающиеся линии вокруг ее тела создают овальную змеевидную форму, напоминающую ореол, а вокруг головы светится «нимб», но не золотой, а красный — как страсть, боль, жизнь. Этот нимб вместе с названием картины рождают религиозные аллюзии, создающие удивительный контраст с явно эротической темой полотна. В то же время религиозные элементы подчеркивают экзистенциальную серьезность изображенного. В этом можно усмотреть обожествление оргазма как жизнетворного акта. Также картину трактуют как странный религиозный образ, прославляющий декадентскую любовь. Культ сильной роковой женщины, подавляющей мужчину, придает фигуре монументальные размеры, но одновременно делает ее образ дьявольским, вампирообразным. Позировала Мунку для «Мадонны» его подруга норвежка Дагни Юль, жена писателя Станислава Пшибышевского.
На картине «Пепел» (Aske) (1894) мы видим женщину в светлом платье на темном фоне вертикальных древесных стволов. Ее широко открытые глаза, растрепанные волосы и распахнутый лиф говорят нам, что произошло в лесу. Руками она схватилась за голову, и вся ее фигура выражает отчаяние, но одновременно некую победоносную силу. В нижней левой части картины изображен мужчина, повернувшийся к женщине спиной, погруженный в себя. Герои уже не касаются друг друга: лишь длинный рыжий волос протянулся до плеча мужчины.
«Я чувствовал, что наша любовь лежит на земле как куча пепла», — написал Мунк на литографическом варианте этой композиции. Картина полна контрастов и напряжения: открытые и замкнутые формы, прямые и извилистые линии, темные и светлые цвета. «Пепел» — одна из самых пессимистичных работ Мунка на тему отношений мужчины и женщины. Мужчина, как это часто бывает у Мунка, показан более слабой, проигравшей стороной. Здесь, очевидно, нашел отражение личный опыт художника, который всю жизнь боялся женщин.
Картина Мунка «Меланхолия» (Melankoli) (известна еще под названием «Ревность»), написанная под впечатлением от пейзажей Осгордстранда, также затрагивает тему отношений между мужчиной и женщиной. Произведение существует в нескольких версиях. Данный вариант был написан в 1892 году. На картине «Меланхолия» извилистая береговая линия проходит по диагонали в сторону пирса, на котором можно различить три фигуры, которые готовятся уплыть на пришвартованной лодке. Мужчина на переднем плане отвернулся от них. Его голова и понурые плечи четко выделяются на фоне бледного пляжа, а форме головы вторят большие валуны на берегу. Из цветов преобладают меланхоличные оттенки голубого, лилового и бежевого, смягченные летней ночью. В картине заметны характерные для символизма приемы упрощения и стилизации.
Предполагают, что главный персонаж картины — друг Мунка, писатель и критик Яппе Нильсен, входивший в круг «богемы Кристиании» вместе с Одой Крог, Хансом Егером и другими. В тот период Нильсен как раз переживал несчастную любовь к обаятельной и талантливой художнице Оде Крог, жене Кристиана Крога, которую называли «королевой богемы». Наряду с другими работами, картина «Меланхолия» демонстрировалась на большой выставке Мунка в Берлине в 1892 году. Выставка вызвала скандал и была закрыта через несколько дней. В прессе поднялась настоящая буря критики, но главное, что эти дебаты привлекли внимание публики и ценителей искусства к Мунку и его творчеству. Так что скандал в каком-то смысле принес художнику успех, и у него появилось много почитателей. Уже через несколько лет критики, в том числе немецкие, стали к художнику куда более благосклонны, хотя широкая публика продолжала находить его работы странными.
На полотне Мунка «Лунный свет» (Måneskinn) (1895) представлено упрощенное изображение норвежского прибрежного ландшафта в свете летней ночи. Тематически эта работа близка к картине «Голос» (сейчас в музее Мунка), написанной ранее и изображающей женскую фигуру на фоне лунного пейзажа. Но, в отличие от нее, в картине «Лунный свет» присутствует только природа. Наше внимание привлекает необычный столб лунного света, варианты которого встречаются в нескольких картинах Мунка; горизонтальный противовес лунной дорожке и строгой вертикали деревьев образует извилистая линия побережья. Застывший пейзаж хорошо передает состояние природы. В то же время в картине можно усмотреть и сексуальность, если трактовать воду и мягкие изгибы берега как символ женственности, которой противостоит жесткая вертикаль деревьев и колонны света (по словам Петра Вайля, «фаллос лунной дорожки врезается в похотливо прогнувшийся берег Осло-фьорда» [8]).
Картина предположительно была написана в городке Осгордстранд (Åsgårdstrand), где Мунк часто проводил лето. Это место он очень любил. Море и здешние пейзажи притягивали и вдохновляли художника. В 1889 году он приобрел здесь дом, куда возвращался на протяжении более 20 лет почти каждое лето (в этом доме, Munchs hus, сейчас музей). Виды региона встречаются в целом ряде картин Мунка 1890-х годов. «Береговая линия в Осгорстранде, маленькие домики и узкие крутые улочки многое ему говорили. Здесь он нашел свой пейзаж, линии, условия, которые лучше соответствовали состоянию его духа» [7]. «Гулять по Осгордстранду — это будто гулять среди моих картин. У меня непреодолимое желание писать, когда я нахожусь в Осгордстранде», — говорил Мунк [9].
Еще одно полотно Мунка, навеянное пейзажами Осгорстранда, — «Девушки на мосту» (Pikene på broen i Åsgårdstrand /Pikenepå bryggen) (ок. 1901), которое знаменует начало нового этапа в творчестве художника. Картина была создана в самом начале XX века после того, как Мунк вернулся из путешествия в Италию под впечатлением от ренессансного искусства. Его палитра стала ярче, чем в картинах 1890-х годов. Мы видим трех девушек в красочных платьях, облокотившихся на перила моста. На заднем плане — дом, большое дерево, отражающееся в воде, и полная желтая луна. Изображенный на картине дом существует и сегодня. Но, хотя композиция топографически точна, яркие цвета, извилистые формы и загадочные фигуры совершенно преобразуют сцену, так что перед нами скорее «внутренний пейзаж», отражение психологического состояния художника.
Весь этот лирический пейзаж светлой летней ночи проникнут таинственной, нереальной атмосферой, будто это происходит во сне. Картина навевает чувство ностальгии, горьковато-сладкого прощания с невинным прошлым. Искаженный, уплывающий в бесконечность мост и дорога намекают на уход, движение, как в пространстве, так и во времени. Композиция по обыкновению была выполнена Мунком в нескольких вариантах. Это был один из его излюбленных мотивов.
Посмотрим теперь на картину Мунка «Танец жизни» (Livets dans) (1899-1900), давшую название всей экспозиции Национальной галереи в Осло. «Танец жизни» — ключевая композиция из мунковского цикла «Фриз жизни». Художник изобразил несколько пар, кружащихся на траве в ясную летнюю ночь. Центральное место занимает женщина в ярко-красном платье, которое обвивается вокруг ног ее партнера по танцу, так что они становятся одним целым. По бокам стоят две одинокие женщины, одна молодая и свежая, в белом платье с цветами, другая — бледная, осунувшаяся, одетая в черное. Мунк рассказывает нам историю о разных этапах в жизни женщины. Виднеющийся вдали пляж, с его извилистой береговой линией и характерным морским ландшафтом, навеян видами всё того же Осгордстранда. Персонажи на переднем плане, имеющие основное значение для смысла картины, наделены индивидуальными чертами, тогда как фигуры на заднем плане играют роль ритмичных цветовых пятен или даже напоминают карикатуры (таков толстяк, который пытается поцеловать или, скорее, укусить свою партнершу в шею).
Возможно, Мунк написал эту картину под влиянием пьесы датского писателя-символиста Хельге Роде (Helge Rode) «Танец продолжается» (Dansen gaar), где описана похожая сцена. Эту пьесу художник впервые прочитал в 1898 году и потом хранил в своей библиотеке. Женские образы справа и слева от танцующей пары напоминают возлюбленную Мунка, рыжеволосую Туллу Ларсен (Tulla Larsen). Именно с ее именем связан упоминавшийся выше трагический эпизод 1902 года, когда в результате ссоры с отвергнутой любовницей у Мунка осталась пистолетная рана (возможно, он сам случайно нажал на курок, отбирая револьвер у женщины, пытавшейся покончить жизнь самоубийством). Так или иначе, тематика картины «Танец жизни» универсальна: различные фазы жизни и танец как выражение ее изменчивости и быстротечности. Женщины на переднем плане символизируют три стадии: юность и невинность; эротизм и привязанность; и, наконец, старость и уход. Как и многие другие картины Мунка, «Танец жизни» балансирует на грани между изображением реальной действительности и символом.
Мы завершим осмотр этого зала самой известной и растиражированной картиной Мунка, «Крик», которая, как ни удивительно, по-норвежски называется очень похоже: Skrik. Существует четыре варианта этой композиции, выполненные в разных техниках. Тот вариант, что находится в Национальной галерее, был создан в 1893 году. Это самая ранняя версия, выполненная маслом. Вообще Мунк писал «Крики» с 1893 по 1910 год, и все они имеют схожую композицию: на всех изображена охваченная ужасом фигура на фоне пейзажа с тревожным кроваво-красным небом. Сам Мунк изначально называл композицию по-немецки, Der Schrei der Natur, то есть «Крик природы». На литографической версии он сделал немецкую надпись: «Ich fühlte das Geschrei der Natur» («Я почувствовал крик природы»). Человеческая фигура на мосту предельно обобщена, универсальна, беспола. Главное для художника — передать эмоцию. Персонаж обхватил голову руками, его рот раскрыт в беззвучном вопле, а волнообразные линии пейзажа словно повторяют контуры слабой фигуры, обвивая ее чудовищными извилинами. От картины веет всепоглощающим страхом. Это одно из самых тревожных произведений в истории современного искусства. Недаром «Крик» считается «иконой экспрессионизма» и предтечей модернизма с характерными для него темами одиночества, отчаяния и отчуждения.
Сам Мунк рассказывал об истории создания «Крика» так: однажды вечером во время прогулки по Осло он вдруг почувствовал, что пейзаж его парализует. Линии и краски ландшафта двинулись к нему, чтобы удушить его. Он пытался закричать от страха, но не мог произнести ни звука. «Я чувствовал себя усталым и больным. Я остановился и взглянул на фьорд — солнце садилось, и облака стали кроваво-красными. Я ощутил крик природы, мне показалось, что я слышу крик. Я написал картину, написал облака как настоящую кровь. Цвет вопил» (запись в дневнике, 1892 год) [8]. Позднее эти воспоминания Мунк оформил в виде поэмы, которую он написал на раме пастельной (1895) версии «Крика»: «Я шёл по тропинке с двумя друзьями – солнце садилось – неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор – я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом – мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу» [9]. Помимо того что «Крик» с его обобщенным образом отчаяния находит отклик у каждого человека в отдельности, в картине видят и более широкий смысл: пророчество, предвещающее многочисленные трагедии XX века, включая разрушение природы людьми.
Несмотря на предельное упрощение пейзажного фона, в нем можно распознать реальное место: вид на Осло и Осло-фьорд с холма Экеберг (см. это место на карте; сейчас в парке Экеберг оборудована специальная смотровая площадка, Utsiktspunkt Skrik). «Крик» был впервые продемонстрирован публике на персональной выставке Мунка в Берлине в 1893 году. Это была одна из главных картин цикла «Фриз жизни».
Всего Национальной галерее в Осло принадлежит 58 картин и акварелей Мунка, 160 оттисков и 13 рисунков. В рамках постоянной экспозиции демонстрируется лишь часть этой коллекции, в основном около двух-трех десятков наиболее известных картин.
См. также подробный отзыв о выставке Эдварда Мунка «Танец жизни» в Хельсинки.
После зала Мунка нам осталось посмотреть несколько залов искусства начала XX века. Один из них посвящен норвежскому модернизму 1910-1930-х годов. В тот период центром модернизма был Париж, и многие скандинавские художники посещали школу Анри Матисса. Из-за Первой мировой войны большинство из них были вынуждены прервать обучение и вернуться домой, однако после окончания войны они вновь направились в столицу Франции. Хаосу войны художники пытались противопоставить большую объективность, они отказались от романтической индивидуалистической самоуглубленности экспрессионистов.
Для модернистов 1920-х годов на первый план вышло стремление создать ясный, конкретный предметный мир. Представителями этого нового течения в норвежском искусстве были Пер Крог (Per Krohg) (1889-1965), Хенрик Сёренсен (Henrik Sørensen) (1882-1962), Жан Хейберг (Jean Heiberg) (1884-1976) и Аксель Револьд (Axel Revold) (1887-1962).
Зал «Современная классика: от Пикассо до Леже, 1900-1925 год» посвящен интернациональному искусству. Этот период в европейском искусстве был отмечен множеством авангардных течений, в том числе различных форм экспрессионизма и кубизма. Париж оставался мировой художественной столицей, и сюда стекались в поисках вдохновения художники из всех стран.
Крупными фигурами того времени стали порвавшие с традиционным искусством Анри Матисс (1869-1954) и Пабло Пикассо (1881-1973). В 1905 году, который стал поворотным для его творчества, Матисс был признан лидером нового движения — фовизма. Представители этого стиля создавали картины в экспрессивном стиле, используя резкие мазки и энергичные, яркие краски. Пикассо и Жорж Брак (1882-1963) предпочитали более упрощенный художественный язык, упорядоченный и геометричный. Пикассо научился конструировать формы из небольшого числа простых компонентов и при этом создавать объем и пространство. Впрочем, представленная в музее картина Пикассо «Мужчина и женщина» (1903) относится к другому, более раннему периоду его творчества. Этот период 1903-1904 года, до переезда в Париж, получил название «голубого», поскольку в тогдашних работах Пикассо преобладал синий меланхолический колорит и были ярко выражены темы печали, старости, смерти, а героями его картин были преимущественно нищие, проститутки, калеки и отверженные, люди с тяжелой судьбой.
Наконец, последний зал посвящен абстрактному искусству. Здесь много довольно забавных экспонатов, в том числе неожиданно интересных скульптур из разных материалов.
В частности, демонстрируются работы датско-немецкого художника Рольфа Неша (Rolf Nesch) (1893-1975) («Мыслитель» (1944), «Аттила» (1939-40) и др.) и датчанки Сони Ферлов Манкоба (Sonja Ferlov Mancoba) («Скульптура в виде маски» (1939) и др.).
Также здесь вывешена большая картина норвежского художника Арне Экеланна (Arne Ekeland) (1908-1994) «Последние выстрелы» (1940). Экеланн был художником политизированным, состоял членом норвежской коммунистической партии. На картине он изобразил борьбу рабочего класса с капитализмом. Победоносные войска повернули оружие в сторону острова, где осели представители церкви, армии и капитала. Земля усеяна трупами. Храмы лежат в руинах. Композицию картины можно рассматривать как нарастающую волну, которая движется слева направо. Она начинается с пары, пассивно наблюдающей за драматическими событиями, поскольку мозг этих двоих скован религией и консервативным политическим мировоззрением. Правее изображены два ребенка, которые строят новый, лучший мир (его символом является конструктор, с которым они играют). Еще правее вздымается агрессивная человеческая масса. Их борьба почти выиграна, но сожженный город на заднем плане и груда трупов на переднем говорят о цене победы.
На этом наша самостоятельная экскурсия по Национальной галерее Осло завершена.
♦♦♦♦♦♦♦
Начало прогулки по залам Национальной галереи в Осло читайте тут:
- Достопримечательности Осло: Национальная галерея в Осло (часть 1)
♦♦♦♦♦♦♦
См. также:
- Выставка работ Эдварда Мунка «Танец жизни» в Хельсинки, подробный отзыв
♦♦♦♦♦♦♦
Национальная галерея в Осло: практическая информация о музее (адрес, часы работы, цена билетов, порядок посещения)
Национальная галерея находится в центре Осло, по адресу Universitetsgata, 13. Посмотреть расположение музея на карте можно тут.
Часы работы: Национальная галерея в Осло открыта ежедневно, кроме понедельника, с 10:00 до 18:00 во вторник, среду и пятницу; с 10:00 до 19:00 в четверг; с 11:00 до 17:00 в субботу и воскресенье.
Стоимость входного билета в Национальную галерею в Осло составляет 50 норвежских крон (NOK) для взрослых; льготный билет для студентов и пенсионеров стоит 30 норвежских крон. Принимаются наличные или банковские карты. По музейной карте Oslo Pass — вход бесплатный.
В воскресенье вход в музей бесплатный.
Фотографировать в музее разрешается, но без использования вспышки. В зале Мунка фотографировать формально запрещается.
В музее есть гардероб (камера хранения), где можно бесплатно оставить вещи в ячейке (требуется 1 евро или 10 NOK в качестве залога, но в случае чего монетку может предоставить и администратор).
На осмотр музея достаточно 1 – 2 часов.
При музее работает сувенирный магазин с многочисленными книгами, открытками, магнитами, постерами, кружками, футболками с репродукциями картин Мунка и других художников. Также имеется туалет и кафе «Французский салон».
Схема музейных залов (первый этаж отведен под кассу, гардероб и т.п., а на втором этаже располагается постоянная экспозиция):
♦♦♦♦♦♦♦
Туристическая карта Осло с достопримечательностями
Ниже предлагаем вашему вниманию подробную туристическую карту Осло с достопримечательностями. На этой карте приводятся названия всех основных улиц, значимых построек, музеев, парков, площадей и прочих важных туристических объектов. В частности, на карте обозначено местоположение центрального ж/д вокзала Осло.
Ниже приводится подробный план центра города Осло с обозначением таких достопримечательностей, как ратуша, парламент, кафедральный собор. Также на карте указано расположение центрального вокзала Осло.
♦♦♦♦♦♦♦
Что посмотреть в Осло (основные достопримечательности)
Что посмотреть в Осло? В столице Норвегии есть целый ряд интересных музеев, храмов и других архитектурных памятников. Перечень наиболее примечательных объектов, которые стоит посмотреть в Осло, предлагается ниже:
- Парк скульптур Вигеланна (Вигеланда)
- Старый город (район Квадратурен, улица Карла-Юхана, Королевский дворец)
- Национальная картинная галерея
- Музей Эммануэля Вигеланна (см. также интересную статью об этом музее и фотографии в журнале «Третьяковская галерея»)
- Музеи на полуострове Бюгдё (Бюгдой): Музей кораблей викингов, Музей «Фрама», Музей «Кон-Тики», Народный музей под открытым небом, Морской музей
- Деревянная средневековая церковь ставкирка из Гуля на территории Народного музея под открытым небом
- Историческое кладбище Спасителя с захоронениями норвежских знаменитостей и церковь Гамле-Акер
- Другие соборы и церкви Осло (католический собор Св. Олава, церковь Троицы, церковь Ураниенборг и др.)
♦♦♦♦♦♦♦
Использованные источники:
1. Танец жизни. Постоянная экспозиция Национальной галереи в Осло
2. Официальный сайт Национальной галереи в Осло
3. Анализ избранных картин из собрания Национальной галереи в Осло
4. Национальная галерея на официальном туристическом сайте Норвегии
5. Национальная галерея в Осло, статья в Википедии
6. Эдвард Мунк в Национальном музее искусства, архитектуры и дизайна Норвегии (Национальной галерее)
7. Стенерсен, Рольф. Эдвард Мунк. 1863-1944 : пер. с норв. / Р. Стенерсен; Послесл. И. Я. Цагарелли. - М.: Искусство, [1972]. - 155 с.